Musik

Jenny Thiele hat einen Crush auf das Zusammenlegen von Ideen und Ressourcen - sich inspirieren, sich ausprobieren. Mit Irene Novoa unterhält sie das Duo AnnaOtta – auf ihrer gemeinsamen musikalischen Forschungsreise emulieren die beiden hypnotischen Jazz mit elektronischen Mitteln, machen Avantgarde tanzbar. Und wie! Zudem sieht sich Jenny Thiele über viele Jahre fest (und zuletzt noch mal lose) verschaltet mit der Band Fortuna Ehrenfeld. Ja, genau, der charismatische Act mit dem Typ in Stola, Puschen und Schlafanzug. Das letzte Kommando. Allein durch Fortuna Ehrenfeld stieg Jenny Thieles Konzert-Count in schwindelerregende Höhen.

2022 erscheint dann endlich ihr eigenes Album „Killing Time“ - mit englischsprachigen Texten. Die begeisterte Resonanz, die ihr eigenes Songwriting im Außen auszulösen vermag, fühlt sich toll an. Denn obwohl sie schon immer Musik selbst schreibt, öffnet „Killing Time“ ganz neue Räume. Der reduzierte Sound lässt die emotionalen Singer-Songwriter-Stücke gleichermaßen pointiert wie sanft erscheinen. Jetzt kann es echt losgehen. Und so fungiert diese Platte auch als eine Art Schleuse. Jenny Thiele kann von diesem Punkt nun ihre eigene Legacy von all dem wuseligen Davor abgrenzen. Parole: Platz schaffen. Denn der ist nötiger denn je. Und zwar für ein Album, das 2025 erscheinen wird. Das erste richtig große Ankommen nach all den Aufbrüchen, heißt: „Platz“. Adrenalin!

Sascha Stiehler an Klavier, Synthesizer und Drums und Antonio Lucaciu an Saxofon und Gesang haben ihre Klappen und Tasten ganz für sich behalten und daraus ein leichtfüßiges drittes Album gemacht: “Klappen und Tasten”. Das klingt nach Fleisch gewordenem Crossover, nach einer Fusion aus Klassik, Jazz und Pop. Genres und Grenzen sind Nebensache. Da wird sich drüber hinweg gespielt, gerappt, gesungen und gelacht. Zwei sich Liebende und herzerwärmend bekloppte Genies lassen alle dabei zusehen, wie sie das tun, was sie am allermeisten lieben und das spürt man sofort.

Phantastische Uniformen, skurrile Rituale, retrofuturistische Tänze – der Strippenzieher hinter dieser irren Pop-Inszenierung trägt Muskel-Shirt und Sonnenbrille – und hat ein verschmitztes Lächeln. Denn ganz so ernst nimmt sich Kadebostany, der selbsternannte Präsident der kleinen Republik Kadebostan nicht. Die sagenhafte Pop-Republik liegt nördlich von Italien, östlich der Schweiz und westlich von der Türkei, erklärt er. Kadebostany wird von den verschiedensten Talenten bevölkert, von Sängerinnen und Sängern, von Instrumentalsten und Visual Artists. Aber alle Fäden laufen in dem musikalischen Superhirn zusammen: Kadesbostany komponiert die Songs, er produziert sie und er entwickelt das visuelle Konzept und die spektakulären Liveshows. Kadebostany trat bei einer Vielzahl von Festivals auf und gab ausverkaufte Konzerte in fast allen großen, europäischen Städten.

Unter der Flagge der konzeptuellen Republik Kadebostany hat Kadebostany mit seiner einzigartigen Marke von Popmusik, seiner unverwechselbaren visuellen Identität und seinen kolossalen Live-Auftritten schnell Aufmerksamkeit erregt. Die Songs von Kadebostany haben mehr als eine Milliarde Aufrufe auf YouTube erreicht, die Charts in mehr als 30 Ländern angeführt, mehr als 700 Live-Auftritte in mehr als 25 Ländern in den letzten Jahren absolviert und wurden von der internationalen Presse wie Vice, GQ, Spin, American Songwriter, CNN, Rolling Stone, Vogue, MixMag, EDM.com, Run The Trap, Time Out, Marie Claire... gefeiert.

Kadebostany ist mit zahlreichen Charterfolgen wie „Castle in the Snow“, „Mind if I Stay“, „Early Morning Dreams“, „Walking with a Ghost“, „Save Me“, der neuen Version von Beyoncés „Crazy in Love“ (50 Shades of Grey) oder zuletzt „Wild in Secret“ durch die Decke gegangen.

Yann Honoré – One man Celtic orchestra
Der bretonische Multiinstrumentalist Yann Honoré spielt Whistles, Cello, E-Bass, E-Gitarre und Percussion. Er ist ein Meister der Loops. Yann spielt ein Riff, nimmt dieses auf und lässt es in einer Wiederholungsschleife laufen. Dann setzt er weitere Riffs dazu, bis er eine pulsierende und vielschichtige Klanglandschaft aus Loops geschaffen hat. Last but not least wählt er ein Instrument aus, mit dem er sich als Solist an die Spitze dieses orchestralen Klanges begibt und seine Virtuosität ausspielt.
Seine Kompositionen sind sowohl in der bretonischen, irischen aber auch nordafrikanischen traditionellen Musik verwurzelt. Yann hat sich in seiner gut vierzigjährigen Laufbahn in der Bretagne viel Respekt erspielt. So war er unter anderem Gitarrist und Bassist der Celtic Rock Band Glaz, dann Produzent der charismatischen Sängerin Gwennyn und ist auch aktuell Mitglied der traditionellen Band Buzz Buddies. Er wird Eigenkompositionen seines wunderbaren Albums „Autoportrait“ spielen und die Zuschauer als ein „One man Celtic orchestra“ verzaubern.

Eva Coyle & Band – a musical secret from the Emerald Isle
Die Singer-Songwriterin Eva Coyle aus Athlone besitzt eine Stimme von außergewöhnlichem Timbre – sanft, doch kraftvoll, berührend und zugleich erfrischend. Wie der ­Morgentau, der sich auf herbstliche Blätter legt und das Licht der aufgehenden Sonne einfängt, kühlt und belebt ihr Gesang die Sinne. Wenn sie ihre Texte ins Mikrofon haucht – eine kunstvolle Balance zwischen Realität und Fiktion – entfaltet sich eine Magie, die das Publikum in ihren Bann zieht.
Besonders eindrucksvoll ist ihr Spiel am Keyboard, mit dem sie ihre Stimme meisterhaft begleitet. Doch sie ist auch eine Akkordeonistin, die bei den Instrumentals so richtig in die Tasten greift. Doch Eva blickt musikalisch über Irlands Grenzen hinaus: Ihre Vorliebe für die skandinavische Folktradition verleiht manchen Arrangements eine nordische Erdigkeit, die ihre Musik noch facettenreicher macht. Ein Sound, den man nicht mehr loslassen will. Ein Sound der einen nicht loslässt.
Ihr Quartett kreiert einen Klang, der sich anfühlt wie eine wohlige Wärmflasche an kalten Wintertagen – ein Sound, den man an sich drückt und nicht mehr hergeben mag. Stilistisch eher „folky“ als streng traditionell, doch unverkennbar irisch durch den Einsatz von Fiddle und Akkordeon. Gleichzeitig bringt die Band mit einem Drummer ordentlich Druck auf die Bühne, sodass sich der folkige Sound tanzbar und poppig entfaltet. Nach ihrer EP „Feels like Rain“ (2018) begeisterte das Album „Down to the Shore“ (2022) Publikum und Kritiker gleichermaßen. Mark Redcliff von BBC Sounds schwärmte: „I adore Eva’s sound and look forward to hear more.“
Die Musiker – Meister ihres Fachs
Zum unverwechselbaren Klang der Band tragen vier herausragende Musiker bei:
Sean O’Dalaigh (Fiddle, Gesang) – Er verleiht den Songs orchestrale Tiefe, setzt markante Harmony Vocals und entfacht mit energiegeladenen Jigs & Reels pure Lebensfreude. Bei diesen zeigt Eva ihre Virtuosität am Akkordeon.
John Shanagher (Gitarre) – Sein Gitarrenspiel wirkt wie ein sanftes, luftiges Kissen, auf dem sich jede Stimme perfekt entfalten kann. Mit seiner Begleitung klingt alles entspannt und mühelos.

Stephen Shanly (Drums) – Ein Schlagzeuger mit Feingefühl und Wucht zugleich. Mit subtilen Impulsen und treibenden Grooves gibt er dem Sound der Band eine packende Dynamik.
Ein Geheimtipp, den man nicht verpassen sollte! Eva Coyle und ihre Band gehören zu den bestgehüteten Geheimnissen der Grünen Insel – noch. Wer sie einmal gehört hat, wird sie nicht vergessen.

Billow Wood – Old Ireland meets new Ireland

Man muss die Vergangenheit gut kennen um die Gegenwart zu verstehen und die Zukunft deuten zu können. Die fünf aus der nordwestlichen Grafschaft Mayo sind musikalische Wünschelrutengänger, die all diese Strömungen unter der kulturellen Oberfläche der grünen Insel ertasten und ans Tageslicht bringen. Ihre Musik ist sowohl modern, hip als auch respektvoll in der irischen Tradition verwurzelt. Seit über einem Jahrzehnt sind sie auf Tour bzw. Mission: Old Ireland meets new Ireland.
Sie schreiben den überwiegenden Teil ihrer Songs selbst, aber sie interpretieren diese auf traditionellen Instrumenten wie Harfe, Fiddle, Tin Whistle, Bodhrán, Akkordeon. Aber auch Schlagzeug und Gitarre. So haben neue musikalische Ideen trotzdem eine Anbindung an den Sound, den man vom Irish Folk her kennt. Aber auch die Inhalte der Lieder sind am Irland von heute orientiert und an dem, was junge Iren aktuell umtreibt. Das absolute Markenzeichen der „WOODIES“ – wie sie liebevoll ihre Fans nennen –, ist der überragende mehrstimmige Gesang.
Eine rein traditionelle Irish Folk Band wird leider dank unseren verkrusteten Medienlandschaft nie einen Hit haben, aber Singer/Songwriter vom Kaliber wie BILLOW WOOD können es mit ihrem teils poppigen, teils Indie-Unterton schaffen. Bereits über ihre Debüt-EP schwärmte das renommierte HotPress Magazin, das z.B. U2 vor vielen Jahren entdeckte: _„A rising act you should keep an eye and ear on.“
_In Irland sind die „WOODIES“ Jahr für Jahr gern gesehene Gäste beim größten irischen Festival – dem Electric Picknick mit gut 160.000 Besuchern. Das können wir Ihnen in Deutschland zwar nicht bieten, aber die Fans des Irish Heartbeat werden die „Woodies“ feiern, die eine ganz besondere St. Patrick’s Day Stimmung in die Säle zaubern.

Sebastian Kiefer, musikalischer Tausendsassa an mindestens einem Dutzend Instrumenten, Komponist, Texter, Sänger, Tonstudiobetreiber und Kinderbuchautor, ruft Rong Kong Koma im Oktober 2017 auf den Plan. Er findet Mitstreiter in alten Freunden aus der Kreuzberger und Neuköllner Punkszene. Im Gegensatz zu seinen vorherigen Bands „Diving for Sunken Treasure“ oder „Huck Blues“ sind die Texte zum ersten Mal auf deutsch. Mit Nils Bucher als Bassist findet sich sowohl ein Bruder im Geiste, als auch ein Komplize der Neuausrichtung. Er ist Dokumentarfilmer aus Stockholm, selbst Songwriter und Multiinstrumentalist. Außerdem an Bord ist Mike Heide, Band- und Tourerfahrener Vollzeit-Drummer. Er trägt neue Töne und ein hartes, rauhes Drumming in die Songs. Gemeinsames Musik machen ist die Kernvision der so neu entstandenen Band. Intensive Probephasen, mehrere Besetzungswechsel, Norming, Storming und schließlich: Performing. Die neue Band spielte bereits deutschlandweit in Clubs, noch bevor überhaupt der endgültige Name gefunden war.

Das erste Album „Lebe Dein Traum“ erschien im März 2020, produziert von Sebastian Kiefer. Es wurde trotz hereinbrechender Coronakrise, ausfallenden Gigs und landesweiter kreativer Stagnation, von der Presse und den Fans einstimmig gut aufgenommen. Linus Volkmann sieht „eine düstere, wie hochästhetische Platte“, das OX befindet: „Wunderbarer Sound, der überall funktioniert“. In der 3Sat Kulturzeit wird das Video zum Song „Scheiß Berliner“ ausgestrahlt und löst, wie nebenbei, eine Debatte darüber aus, inwieweit lokaler Patriotismus in einer linken Szene überhaupt stattfindet und wenn ja, warum eigentlich.

Das zweite Album „Delfine der Weide“ erscheint im Oktober 2022 auf Rookie Records, ebenfalls von von Sebastian Kiefer produziert. Nach zwei Jahren Konzertflaute, Einsamkeit, Abstandsregeln und Krieg, ist ein vielschichtiges und tiefgründiges Album entstanden. Voller Leid und Wahnsinn. Liebe und Hass. Einsamkeit und Verlangen. Schaffen und Prokrastination und Depression und Glück.

Von allem ein bisschen mehr: Härter, poppiger, punkiger, schneller, langsamer, melodiöser und direkter. Die nächste Evolutionsstufe der Band.

The thread that binds CRIPPLED BLACK PHOENIX’s bold and towering discography — a dozen studio albums, a half-dozen mini-albums, a handful of compilations and swaths of bootlegs — could not be more apropos circa 2022. Since its 2004 creation by multi-instrumentalist and songwriter Justin Greaves, CRIPPLED BLACK PHOENIX has served as the voice for the voiceless, whether it be animals, the unequal and the different. Greaves and longstanding vocalist and lyricist Belinda Kordic have often proffered that these beings cannot fend for themselves. Henceforth, CRIPPLED BLACK PHOENIX’s mission has been to shed light on the human condition and the inequalities that befall humankind and its creatures. Their battle marches on with their latest studio album, Banefyre. Banefyre follows 2020’s Ellengæst — an effort that found CRIPPLED BLACK PHOENIX employ a series of notable guest vocalists alongside Kordic, prompting Metal Hammer to describe it as their “most cohesive and emotionally devastating record.” Kordic is now paired with Swedish vocalist Joel Segerstedt, who made his CRIPPLED BLACK PHOENIX debut last year via the “Painful Reminder/Dead is Dead” single. Piano, synth and trumpet player Helen Stanley and additional guitarist Andy Taylor complete the lineup. Greaves says Stanley and Taylor “fit so well creatively,” which has made CRIPPLED BLACK PHOENIX feel like a band when making plans and decisions. Also central to this is Segerstedt. According to Kordic, the vocalist and lyricist lives a mere five minutes from her in Sweden and has quickly integrated himself into the band. “What I like about Joel is that he’s a good person,” she says. “There’s no fakeness with him; he has cajones. He’s not a bitch- talker, either. I can’t handle people who don’t have a backbone, but Joel is real and can speak his mind.” “I like how Joel has come in and spoke for himself,” adds Greaves. “He’s in the band for the right reasons. I see him the same way as Belinda — she took an interest in the whole artistic thing behind CRIPPLED BLACK PHOENIX, like the vocals, lyrics, artwork and aesthetic. It’s the same with Joel. He has taken an interest in all of those things. In the past, we had people who didn’t contribute artistically and only cared about what they got out of the band. But Joel is really proactive and takes the initiative.” Greaves assembled 13 songs (including “No Regrets,” a bonus track for his new project with Kordic, Johnny the Boy) imbued with the depth and introspection that will reinforce CRIPPLED BLACK PHOENIX’s standing as a band that defies genre. The album was tracked at Chapel Studios in South Thoresby, Lincolnshire, with vocals cut at Monolith Studio and Kapsylen Studio in Stockholm, Sweden. Kurt Ballou handled mixing in GodCity Studios in Salem, Massachusetts — a pivotal move in determining the album’s overall sound. “I love the album so much because it was a different approach with the production,” says Greaves. “For my part, it was a little bit of a reaction. I didn’t want to do the same warm, safe CRIPPLED BLACK PHOENIX album. I’m aware that when we did [2012’s] I, Vigilante, everyone wanted I, Vigilante again. As it so often happens with this band, people complain about the next one, then growinto it. Ellengæst is like I, Vigilante. It’s a shorter album. It hit the mark and was done really well, but everyone will expect another Ellengæst. I feared that, but I care enough not to make another Ellengæst. It’s the right thing to do. That’s why we got Kurt to mix it — we wanted that analog, raw power. Even though the album has mellow moments, those are edgy as well. We just didn’t want to do the same album twice. We’re never going to be a band that people can rely on.” Greaves’ summation of his band notwithstanding, his distinctive guitar playing and enduring knack for immersive songwriting is the propellent behind the haunting, chant-laden “Ghostland,” pensive “The Reckoning” and forlorn “Everything is Beautiful but Us,” the band’s spot-on analysis of the retreat of humankind indoors during the pandemic that revealed nature’s priceless beauty. The album is also stocked with no less than four ten-minute-plus cuts (“Rose of Jericho,” “Down the Rabbit Hole,” “I’m Okay, Just Not Alright” and “The Scene is a False Prophet”) that are intermixed with drama and melancholy. It all ties into Banefyre’s central theme of the persecution of people who are deemed “different” by society. The album title is a play on the song “Bonefire” that Kordic named and wrote lyrics for. In classic CRIPPLED BLACK PHOENIX fashion, Greaves turned it into the Olde English translation to represent the bonfires that engulfed witches and politicians through the 15th and 18th centuries, hence, the name Banefyre. The album begins with “Incantation for the Different,” which was written and orated by Chicago- based witch, artist, author and occultist Shane Bugbee, who, according to Greaves, “brought us some positive, dark energy.” Banefyre then delves into the Salem Witch Trials (“Wyches and Basterdz”), fox hunting in Great Britain (“The Reckoning”), politicians of an unscrupulous and dishonest kind (“Bonefire”) and the New York City Blackout of 1977 (“Blackout77”). Greaves says Banefyre’s topics may have a decidedly negative and pessimistic tone, but a glimmer of hope and joy remains. “There’s always the random bits, but overall, Banefyre is about the people who have suffered because they are different. The album covers inequality and oppression, like ‘Incantation for the Different,’ which is about overcoming when you’re put down because you’re not like everyone else.” In true CRIPPLED BLACK PHOENIX fashion, the Lucy Marshall-created Banefyre cover leaves plenty to the imagination, depicting four animals seated at a table — interacting and dressed like human beings. “It’s sort of like Planet of the Apes showing what animals could do to humans,” says Greaves. “The cover was specially commissioned and is unique to the album. It’s incorporating all the classic CRIPPLED BLACK PHOENIX elements with the love for animals and twisting the narrative around.” CRIPPLED BLACK PHOENIX’s reputation was built on the back of their studio albums and live shows. The pandemic prevented the band from supporting Ellengæst, but it did provide them additional time to bring in new members to their live configuration. “We’ve done one show since 2019,” says Greaves. “We are going to do something in Europe this year. Hopefully, we can get back on track. We’re also going to do something in the States — that’s not just talk, we’re actually going to do it. It’s well overdue. The live band is fucking amazing. We have the five of us and now we have Jordi [Farré] on drums, Paco [Fleischfresser] on synth and a really good friend of mine, Matt Crawford on bass. “We did the Leipzig show and even though the rehearsals were better than the show itself, that lineup, our live band, is so good. Because we haven’t been under pressure to put a live band together since 2019 and spent so long talking to people, we’ve got a better band from those results. Out of disaster, we’ve got quite a good, positive thing.”

Während sie ihrem nächsten Album, das für 2026 erwartet wird, den letzten Schliff gibt, kündigt Dominique Fils-Aimé heute „The Sunshine Tour“ an, eine Welttournee, die einen neuen Meilenstein in ihrer internationalen Karriere markieren wird. Die Tournee beginnt in Quebec und führt anschließend durch mehrere Großstädte in Amerika und Europa.
In den letzten zwei Jahren hat Dominique Fils-Aimé die Weltbühne im Sturm erobert und mehr als 150 Konzerte in 15 Ländern gegeben: 71 in Kanada (davon 53 in Quebec), 43 in Europa, 28 in den Vereinigten Staaten, 5 in Japan, 2 in Brasilien und 1 in Afrika. Diese beeindruckende Konzertreihe bestätigt ihren Status als wichtige Künstlerin auf der internationalen Bühne, die von einer zutiefst menschlichen und strahlenden Musik angetrieben wird. „The Sunshine Tour” verspricht ein Fest der Wärme, der Widerstandsfähigkeit und des Teilens zu werden – Themen, die der Künstlerin am Herzen liegen – und ist der Auftakt zur Veröffentlichung ihres neuen Albums.

Our Roots Run Deep von 2023 war das erste Statement einer neuen Trilogie von Dominique und folgt auf ihre preisgekrönte Trilogie Nameless, Stay Tuned! und Three Little Words. In dieser neuen Trilogie blickt Dominique nach innen und reflektiert über ihre eigene emotionale und spirituelle Landschaft – ihre Wurzeln. Während ihre letzte Trilogie die Geschichte der afroamerikanischen Musik zum Thema hatte, ist der Ansatz für das neue Album persönlicher.

Über die Entstehung von Our Roots Run Deep sagt Dominique: „Während das Ziel die Suche nach einer universellen Verbindung durch musikalische Frequenzen bleibt, brachte mich diese innere Reise schnell zur Bedeutung meiner Wurzeln. Sie entfachte den Wunsch, unsere generationenübergreifenden Schätze zu beleuchten, anstatt das Trauma zwischen den Generationen zu behandeln und diese Schätze zu nutzen, um das Trauma zu heilen. Indem ich offener und verletzlicher bin, hoffe ich, mit gutem Beispiel voranzugehen und dazu beizutragen, Tabus im Zusammenhang mit psychischer Gesundheit abzubauen, Tabus, die auch heute noch sehr präsent sind, insbesondere in BIPoC-Gemeinschaften.“

Bees Made Honey in the Vein Tree sind eine Post-Doom Band aus Stuttgart. Seit sie sich 2014 gründeten sind die Kontraste zwischen hell und dunkel, laut und leise, schnell und langsam untrennbarer Teil ihrer Musik geworden. Die Kompositionen vereinen brachiale Doom Riffs mit sphärischen Post-und Psychedelic Rock mit Ausflügen in Shoegaze. Darüber wird stark verhallter Gesang gelegt, der die Rolle eines weiteren Instruments einnimmt und der Musik Weite und Ästhetik verleiht, sowie durch die metaphorischen Texte eine visuelle Ebene schafft.
Ihr 2017 auf Pink Tank Records erschienenes Debütalbum Medicine vereint mehrere Genres miteinander und liefert dadurch ein abwechslungsreiches Hörerlebnis, welches einer Reise durch die verschiedenen Spielarten des Psychedelic Rocks gleicht. Zwei Jahre später waren die vier Stuttgarter mit ihrem zweiten Album Grandmother (Pink Tank Records) auf Tour, welches mit deutlich härterem Klang, schnelleren Passagen und tiefergestimmten Gitarren überzeugt, aber durch gleichzeitige effektbeladene Gitarren-Soli Räume schafft, in die es sich einzutauchen und verlieren lohnt. Mit "Aion" - das im August 2023 auf Magnetic Eye Records erschien - streben die Bees einen expansiveren und vielfältigeren Sound an, der Elemente von Ambient und Field Recording einbezieht, während sie dem Gesang eine prominentere Rolle als auf den vorherigen Alben einräumen.

Zu ihrem 40-jährigen Jubiläum gehen die sechs Musikerinnen und Musiker von 2025 bis 2027 auf weltweite Tournee, die sie neben USA und Kanada vor allem nach Europa führen wird, denn schließlich nahm die Geschichte der Band in den 80er Jahren hier ihren Lauf. Nebenbei produzieren die Klezmatics ihr ambitioniertestes Studioprojekt „The New York Sessions“, ein Album als Hommage an den kulturellen Schmelztiegel New York. Das Album enthält neu interpretierte Hymnen, kraftvolle neue Eigenkompositionen und mehrsprachige Kompositionen, die Jiddisch mit Uigurisch, Kurdisch, Arabisch, Armenisch, Ukrainisch und weiteren Sprachen zusammen führen. Neben diesem Album ist auch die Wiederveröffentlichung von einigen ihrer relevantesten CDs geplant. The Klezmatics haben im Verlauf ihrer spannenden Bandgeschichte viele musikalische Kooperationen realisiert, und werden auf ihrer Jubiläums-Welttournee die ein oder andere Überraschung auf der Bühne herbeizaubern. Jede Show wird mit bekannten und neuen Songs zu einer ekstatischen Würdigung des umfangreichen Schaffens der Klezmatics und steht für eine frohe Zukunft der Klezmermusik!

The Klezmatics sind die einzige Klezmer-Band, die jemals einen Grammy-Award gewonnen hat. Den gab es im Jahr 2007 in der Kategorie „Best Contemporary World Music Album“ für ihr herausragendes Projekt „Wonder Wheel: Lyrics by Woody Guthrie“, bei dem sie sich mit den gesellschaftskritischen Texten von Woody Guthrie auseinandersetzten. Heraus kam ein Album und ein bis heute weltweit immer wieder aufgeführtes und gefeiertes Konzertprogramm. Die Band hat insgesamt 13 erfolgreiche Alben veröffentlicht, sind an die Spitze der Billboard World Music Charts gelangt und haben zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter den deutschen Kritikerpreis oder den New York Jewish Music Award. The Klezmatics sind in über 20 Ländern und an den renommiertesten Konzerthäusern und Festivals der Welt aufgetreten, von der Carnegie Hall über europäische Kathedralen bis hin zu großen Rockfestivals. Die Musik der Klezmatics ist regelmäßig Teil von Filmen, TV-Produktionen, Theaterstücken und Performances. So waren ihre Songs z.B. bei der Late-Night-Show mit David Letterman oder in HBOs 'Sex and the City' zu hören. The Klezmatics haben mit einer großen Bandbreite von Künstlern zusammengearbeitet, darunter mit dem Violinisten Itzhak Perlman, dem israelischen Star Chava Alberstein, dem Gospelsänger Joshua Nelson, Arlo Guthrie, dem Dichter Allen Ginsberg, Theodore Bikel und vielen mehr.

Kooperationspartner:
yidishland - Musik & Kultur Organisation e.V. & yidish-festival - SPRACHE · KULTUR · KLEZMER · MUSIK.
dai - Das Deutsch-Amerikanische Institut Tübingen stärkt die transatlantische Verständigung zwischen Deutschland und den USA – offen, demokratisch und bürgernah.

LISÆ ist der Sound von Wut und Zärtlichkeit, von Power und Widerstand. Ihre Musik ist eine Kampfansage ans Patriarchat und eine Liebeserklärung an kollektive Heilung. Seit 2024 steht die queerfeministische Band LISÆ auf Bühnen – mit Pop, Rap, Indie und Rock. Ihre Musik ist gefühlvoll und empowernd und richtet sich an alle, die genug von gesellschaftlichen Ungerechtigkeiten haben.

2022 erscheint „Emilie“ als Urknall-Single, die erste EP „Fühlst du dich allein“ landet im März `23 und Support-Slots für Ok Kid, Mayberg, Betterov oder JEREMIAS folgen. LENA&LINUS verkaufen ihre erste Headliner-Tour aus und finden sich auf unzähligen renommierten Festival-Bills wieder. Im September `23 schließt sich EP #2 „Sekundenschlaf“ und 2024 die zweite Tour an: Mit Band auf der Bühne und lust for live spielen LENA&LINUS Sets zwischen druckvoll und zärtlich. 2025 peakt schließlich für LENA&LINUS, denn ihr langerwartetes Debüt-Album „Wir verglühen“ erscheint im März!

Die Songs darauf sind der ein coming of age-Soundtrack, der sich irgendwo zwischen den melancholischen Weiten des Universums, intimen Momenten des Alltags, sehnsüchtiger Wehmut und Jugend-Nostalgie abspielt. LENA&LINUS‘ Lieder sind ehrlich, direkt und tragen die Schwere und Leichtigkeit des Wachstumsschmerzes der Jugend in sich. „Unsere Lieder sind genauso geschrieben, wie wir es auch sagen würden“, betont das Duo, und das fühlt man auch. Jeder einzelne LENA&LINUS-Song ist ein vertrauter Dialog zwischen zwei Freunden, die einander ihr Innerstes und Heiligstes anvertrauen. Und genau so entstehen auch ihre Songs: zu zweit, intim, im WG-Zimmer.

Daher verwundert es nicht, dass sich „Wir verglühen“ anhört wie Momentaufnahmen aus Selbstgesprächen und Freundschafts-Dialogen, in denen man gemeinsam über vergangene Abenteuer, verlorene Momente und die Suche nach Identität reflektiert. Dabei wechseln sich nachdenkliche Texte mit euphorischen Melodien ab – und schaffen es, den ungreifbaren Prozess des Erwachsenwerdens, den jeder durchläuft, aber nur die wenigsten beschreiben können, fassbar zu machen.

Live entfalten ENGIN ihre volle Wucht: eine mitreißende Performance, die an die rohe Spielfreude und Originalität großer Acts der 70er erinnert, dabei aber einen frischen, zeitgenössischen Vibe versprüht und eine klare Haltung transportiert. Ihr Sound schafft mühelos den Spagat zwischen Nostalgie und Jetztzeit und öffnet Räume für Begegnung, Energie und Gemeinschaft.

Buntspecht sind eine mitreißende Live-Band, wer sie einmal gesehen hat, wird das nicht wieder vergessen. Beinahe jeder ihrer Songs öffnet ein neues Universum, weist in eine andere Richtung, aber alle zusammen bilden sie auf nahezu magische Weise eine Einheit, ein homogenes Werk. Buntspecht gelingt es, aus der Vielzahl ihrer Einflüsse ein stimmiges Ganzes und somit einen zauberhaft schwelgerischen Indie-Kammerpop-Sound zu formen. Niemand klingt aktuell wie Buntspecht. Sie sind ganz allein da draußen.

Wichtige Hinweise für unsere Gäste:

• Keine Schirme erlaubt: Aufgrund von Verletzungsgefahr und Sichteinschränkungen sind Schirme auf dem Gelände nicht gestattet. Bitte bringen Sie bei Regen einen geeigneten Regenschutz mit.

• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

• Mitbringen von Getränken und Speisen: Das Mitbringen von eigenen Getränken und Speisen ist nicht erlaubt.

• Verzicht auf größere Taschen: Wenn möglich, verzichten Sie bitte auf größere Taschen und Rucksäcke, um die Sicherheitskontrollen zu erleichtern.

• Foto- und Videokameras: Professionelle Foto- und Videokameras dürfen nicht mitgeführt werden. Handy- und Pocketkameras sind jedoch erlaubt.

• Awareness-Hinweis: Auf dem Veranstaltungsgelände steht Ihnen unser Awareness-Team jederzeit zur Verfügung. Bitte wenden Sie sich an unser Team, wenn Sie Unterstützung benötigen oder unangenehme Situationen erleben.

Die Münchener Freiheit hat deutsche und internationale Popgeschichte geschrieben und begeistert uns mit ihrem unverwechselbaren "Freiheit-Sound". Ihr Satzgesang, die wunderschönen Melodien und die mitreißenden Rock-Rhythmen sind unverkennbar. Schon nach wenigen Sekunden weiß jeder Musikfan: Das ist die Münchener Freiheit!

Jetzt ist die Zeit gekommen, diese legendäre Band wieder live zu erleben!
Aron Strobel, Michael Kunzi, Rennie Hatzke und Alex Grünwald werden zusammen mit ihrem neuen Frontmann Tim Wilhelm die Bühne rocken. Tim, der eine klassische Gesangsausbildung genossen hat, Schauspieler und Moderator in bekannten TV-Sendungen wie der ARD, BR, RTL und vielen mehr ist, hat sich bereits als perfekte Ergänzung zur Band erwiesen. Seine frische, mitreißende Art begeistert nicht nur die langjährigen Fans, sondern zieht auch neue Fans in seinen Bann.

Verpassen Sie nicht die Chance, diese musikalische Legende live zu erleben! Sichern Sie sich jetzt ihre Tickets und lassen sie sich von der einzigartigen Energie der Münchener Freiheit mitreißen. Jeder Auftritt ist ein unvergessliches Erlebnis – ein Fest für alle Sinne und ein Muss für jeden echten Fan.

Zur Geburtsstunde 2009 war die Akkordeonale noch damit beschäftigt, das Akkordeon aus seinem Nischendasein herauszuzerren und ins breite Bühnenlicht zu stellen. Schnell ist das Festival zu einem außergewöhnlichen Erlebnis quer durch sämtliche Kulturen und Stilarten geworden, immer innovativ, berauschend und erfrischend anders. Eine einzige Liebeserklärung an das – wie Akkordeonale-Gründer Servais Haanen sagt – schönste Instrument der Welt.

Für Servais wird dies die letzte Tournee sein, bevor er das Festival in jüngere Hände übergibt (...eine Ära geht weiter!). Gute Gründe um Musiker und Weggefährten aus verschiedenen Akkordeonale-Jahren einzuladen:

Musiker und Musikerinnen: 

Adriana de Los Santos (Brasilien) Gaucho-Frauen-Power
Zabou Guérin (Frankreich) Bunt – Lebendig – Virtuos
Maurizio Minardi (Italien) Fellini auf Akkordeon
Dimos Vougioukas (Griechenland) Spezialitäten vom Olymp
Servais Haanen (Niederlande) Der Meister feiner Klänge
Diogo Picão (Portugal) Saxophon
Johanna Stein (Deutschland) Cello

Adriana de Los Santos kommt aus dem Süden Brasiliens. Über ihr erstes Akkordeon sagt sie: „Ich merkte schnell, dass es unmöglich ist, das Instrument nicht anzufassen. Wenn man es spielt, ist es wie ein Lachen, dem eine Herzen und Seelen erobernde Musik entströmt.“

Seit über 20 Jahren behauptet sich Adriana in der von Männern dominierten Gaucho-Welt und repräsentierte als erste Frau die Gaucho-Kultur in Europa – auf der Akkordeonale 2014! Mit ihrer Frauenband „Gurias Gauchas“ spielt sie auf Rodeos und Festivals und tritt in diversen Shows in Brasilien, Argentinien und Europa auf. Adriana vermittelt mit ihrer Musik das immaterielle Weltkulturerbe des Chamamé.

Die Französin Zabou Guérin Die Französin Zabou Guérin wurde bereits im Mutterleib vom Klang des Akkordeons mitgerissen und wurde sozusagen als Akkordeonistin geboren. Aufgewachsen ist sie im Restaurant ihre Eltern, wo die Abende oft mit einer Jamsession verschiedenster Künstler endeten. Kein Wunder, dass sie sich nicht für einen Stil entscheiden wollte! Ob als Solistin oder in Bands, ob Klassik, Tango, Liedbegleitung, traditionelle Musik aus verschiedenen Ländern oder Swingwalzer ... Zabou spielt, was ihr gefällt. Sie arrangiert, sie transformiert, sie kreiert und wenn sie ein bisschen Freizeit hat, unterrichtet sie. Zu erleben ist Zabou aktuell mit ihrem Soloprogramm "Brèves de Bayan", im Duo “Hediyye“, im Sextett “Galeon Tango“, im Projekt "Missa Monica" und unterwegs mit dem “Cirque Pacotille“.

Der Italienische Komponist, Akkordeonist und Pianist Maurizio Minardi kombiniert und verwebt musikalische Einflüsse von minimalistischer Klassik, Jazz und Folk mit Tango und Rumba und kreiert so einen intimen expressiven Klang. Sein hoch gelobtes Album „The Cook, the Clown, the Monk and the Accordionist“ ist eine Parodie auf den Titel des Films „Der Koch, der Dieb, seine Frau und ihr Liebhaber“ von Peter Greenaway. Es hat die Qualitäten eines Soundtracks und steht in der Tradition von Komponisten wie Nino Rota, Yann Thiersen und Ennio Morricone. Neben eigenen Projekten spielte Maurizio u.a. mit Carmen Souza, Paolo Fresu, Enrico Rava und der Royal Shakespeare Company. Er lebt z.Z. in Paris.

Der Grieche Dimos Vougioukas begann sein Akkordeon-Studium schon im zarten Alter von 11 Jahren am Konservatorium von Vólos. Er promovierte mit Auszeichnung und hat sich auf die Musik seiner Heimat Griechenland und den Balkan spezialisiert. Dimos spielte mit erstklassigen Balkan-Akkordeonisten wie Petar Ralchev und Ionica Minune zusammen sowie mit diversen Koryphäen griechischer Musik (Nena Venetsanou, George Dalaras, Glykeria, Nana Mouskouri usw). Neben seinen solistischen Tätigkeiten (u.a. beim Estoudiantina Orchestra) und weltweiten Konzertauftritten ist er Leiter und Bandoneonist des Quintetts „Athen Tango Ensemble“. Dimos arbeitet als Komponist und Arrangeur und unterrichtet in Workshops den Balkan- und griechischen Stil auf Akkordeon.

Als musikalischer Mastermind ist Servais Haanen Drahtzieher und Organisator der Akkordeonale. Er komponiert und arrangiert die Ensemble-Stücke des Festivals und führt durchs Programm. Seine mit knochentrockenem Humor gespickten Moderationen haben Kultstatus. Schon lange arbeitet Servais daran, die Grenzen der Ziehharmonika zu sprengen und Elemente aus neuer Musik, Minimalstrukturen und andere ausgefallene Klänge zu integrieren. Dank seiner vielfältigen Bandarbeit (u.a. Appellation Contrôlée, Quatro Ventos, KlangWelten-Festival) und Komponistentätigkeit für Musiktheater-Produktionen und Dokumentarfilm bringt Servais unterschiedlichstes Musikmaterial ins Spiel. Neben der Akkordeonale und seiner Dozententätigkeit für Akkordeon ist die Ensemblearbeit mit außergewöhnlicher bis unmöglicher Besetzung eine seiner liebsten Beschäftigungen.

Der Portugiese Diogo Picão ist Musiker, Komponist und Texter. Er studierte Saxophon, wurde Singer-Songwriter und hofft, als Dichter und Bohemien alt zu werden. Seine Lieder handeln vom Alltag, sozialen Beziehungen, dem Zauber des Lebens, der Natur, der Illusionen der Liebe und einer ganzen Reihe anderer Dinge. Eine unglaublich vielfältige Zusammenarbeit mit Musikern und Musikerinnen, Big Bands, Jazz-Orchestern und Projekten aus dem portugiesischen Sprachraum kennzeichnen Diogos musikalischen Weg. Er ist Teil der Salsa-Band La Tremenda Sonora und gründete mit Olmo Marín das Duos Sambacalao.

Die multi-stilistische Cellistin und Sängerin Johanna Stein aus Köln fühlt sich auf jeder Bühne, in jeder Besetzung und in jedem Studio zu Hause: ob Klassik, Jazz, Rock, Pop, Fusion oder Weltmusik – kein Stil ist ihr fremd. Neben ihrem Soloprogramm spielt sie u.a. im avantgardistischen Streichquartett ‘Badz’, dem Chamber pop Duo ‘SteinMays’, dem Quinteto non-tipico ‘Tango de Minas’ und der Big Band ‘été large’. Viele kennen Johanna den aus vergangenen Jahren. Mit ihrer Leidenschaft für den unkonventionellen Einsatz des Cellos ist sie ein nicht mehr wegzudenkender Bestandteil der Akkordeonale.

Über das Akkordeon

Mehr oder weniger liebevoll tituliert als Quetschkommode, Schifferklavier, Schweineorgel, Blasebalg der Hölle oder asthmatischer Wurm, besitzt das Akkordeon mindestens eben so viel Charme, wie Namen. Und obwohl viele das Instrument lieben, es selbst spielen oder eins auf dem Dachboden stehen haben, wissen die wenigsten Leute von der wilden Kariere und dem weltweiten Einfluss dieser eigenwilligen Wunderkiste. Wie kaum ein zweites Instrument hat sich das vergleichsweise junge Akkordeon (erfunden 1829) über Landes- und Kontinentalgrenzen hinweg in einer atemberaubenden Geschwindigkeit verbreitet.

Durch massenweisen Export in die Kolonien und eingeschleppt im Handgepäck von Emigranten schuf es sich einen nicht mehr wegzudenkenden Platz in der Musik der ganzen Welt. Man kann eigentlich nicht von dem Akkordeon sprechen, da das Instrument immer wieder umgebaut, verändert, verfeinert und an die lokalen Bedürfnisse angepasst wurde – daraus entstanden verschiedene Instrumententypen, die sich durch unterschiedliche Systeme, Größen, Form, Tonumfang und Spieltechnik unterscheiden.

Songs wie „Du bist wunderschön“ oder „Dieter – das Regeltagebuch“ haben bereits Kultstatus und sind virale Hits. Hinzu kommen zeitlose Liedermacherballaden wie „Gelernt ham‘ wir nicht viel“ und fantasievolle Popsongs wie „Immer wieder fallen“, die die musikalische Bandbreite der Songpoetin zeigen. Diese Bandbreite wird durch musikalische Stand Ups komplettiert. Sie hat „Funny Bones“ und so verwundert es nicht, dass sie als Musikerin auch regelmäßig in Comedyformaten zu sehen ist.

Miss Allie stand bereits mehrfach mit Carolin Kebekus auf der Bühne. Olli Schulz empfahl ihr letztes Album im Podcast mit Jan Böhmermann, ein ARTE Concert durfte sie schon spielen. Sie ist zahlreich preisgekrönt und regelmäßig präsent in TV und Radio, zudem gerngesehener Gast in Talkshows. Nach drei Alben und immer umfangreicheren Tourneen ist im September Miss Allies 4. Album Paradiesvogel erschienen. Damit geht sie auf große Paradiesvogel-Tour in Deutschland, Österreich und der Schweiz.

Wichtige Hinweise für unsere Gäste:

• Keine Schirme erlaubt: Aufgrund von Verletzungsgefahr und Sichteinschränkungen sind Schirme auf dem Gelände nicht gestattet. Bitte bringen Sie bei Regen einen geeigneten Regenschutz mit.

• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

• Mitbringen von Getränken und Speisen: Das Mitbringen von eigenen Getränken und Speisen ist nicht erlaubt.

• Verzicht auf größere Taschen: Wenn möglich, verzichten Sie bitte auf größere Taschen und Rucksäcke, um die Sicherheitskontrollen zu erleichtern.

• Foto- und Videokameras: Professionelle Foto- und Videokameras dürfen nicht mitgeführt werden. Handy- und Pocketkameras sind jedoch erlaubt.

• Awareness-Hinweis: Auf dem Veranstaltungsgelände steht Ihnen unser Awareness-Team jederzeit zur Verfügung. Bitte wenden Sie sich an unser Team, wenn Sie Unterstützung benötigen oder unangenehme Situationen erleben.

Und dann macht‘s mit einem mal Peng! – und es beginnt ein fruchtiges Klang-Chaos, das sich dann plötzlich zu einer Allianz zusammenschließt und vor Kraft strotzend in die sowieso schon heruntergefallenen Kinnladen des ebenfalls schweißnassen Publikums geschleudert wird. Punktgenau, wie ein gezielter Golfschlag ins Loch. Klingt übertrieben? Mag sein, aber wer das mitgemacht hat, weiß wovon hier die Rede ist!

Die Band vermag es, eine Art gesunden und lange vermissten Schmutz in die Jazzmusik zurückzuführen. Und das Publikum reibt sich gerne damit ein – und zwar von der Tschechischen Republik über Deutschland bis nach Spanien und Portugal! Bandintern und für das zweite Album namensgebend, nennen die Sieben ihren Sound übrigens “JUNK”. Und ob man sich damit jetzt einreibt, es im Ganzen verschlingt oder sich mitten hinein wirft, ist einem selbst überlassen – ein Booster für das eingeschlafene Tanzbein ist es in jedem Fall!

In den Jahren ihres Spielens haben sich Liebespaare gefunden, Folgebands gegründet, Platten verkauft, Autos sind kaputt gegangen und Hotelpools wurden getestet. Bühnen wurden mit der Spur besprüht, die kaum zu fassen ist.

Botticelli Baby Kurs auf die Erdbevölkerung und fegt den eigenen Staub erneut ab. Der Körper steigt aus den letzten Jahren und der warmen Badewanne empor. In das brühwarme Hitzefutur mutmaßlicher Anhängerscharen, um wieder alles zum Kochen zu bringen…Hä? - Ja, komm rum, lass laufen.

Obwohl die Gruppe zahlreiche Studio- und Live-Aufnahmen veröffentlichte, lernten viele ihrer Fans Tangerine Dream durch ihre Filmmusiken kennen, von denen es insgesamt über sechzig gibt, darunter Sorcerer (William Friedkin), Thief (Michael Mann), Risky Business, The Keep, Firestarter, Legend (Ridley Scott), Near Dark (Kathryn Bigelow), Shy People und Miracle Mile. Im Jahr 2013 komponierte Tangerine Dream die Originalmusik für das Videospiel Grand Theft Auto V von Rockstar und gewann den begehrten VGX-Award für den besten Soundtrack in einem Spiel.

Insgesamt erhielt Tangerine Dream in den letzten Jahrzehnten sieben Grammy-Nominierungen für ihre einzigartigen Kompositionen. Nach dem Tod von Edgar Froese im Jahr 2015 besteht Tangerine Dream nun aus Thorsten Quaeschning (seit 2005) als musikalischem Leiter, Hoshiko Yamane (seit 2011) und Paul Frick (seit 2020). Letzterer ersetzte Ulrich Schnauss, der die Band 2019 nach fünf Jahren verlassen hatte. Die Band ist nun zum klassischen sequenzergesteuerten Sound zurückgekehrt und Quantum Gate (2017) ist ihr meistverkauftes Album seit 1987. Tangerine Dream trat kürzlich live beim Dekmantel Festival Amsterdam, in der Elbphilharmonie Hamburg und in der Barbican Hall in London auf. Jede Performance endet mit einer Live-Session, einer Echtzeitkomposition, die zwischen 20 und 45 Minuten dauern kann.

Ihr aktuelles Studioalbum „Raum“ erschien im Februar 2022 und wurde auf ihrer Tour „From Virgin to Quantum Years“ vorgestellt. Das Album stieg unter anderem auf Platz 39 der deutschen Albumcharts und auf Platz 1 der offiziellen britischen Dance-Albumcharts ein. „Raum“ ist das erfolgreichste Album der Band seit den 1980er Jahren und wurde von der Presse hoch gelobt („Das beste Tangerine-Dream-Album seit Jahrzehnten“ – Resident Advisor). Derzeit arbeitet die Band an ihrem dritten Studioalbum nach dem Tod von Edgar Froese und feiert ihr umfangreiches Musikrepertoire live mit ihrer CONTINUUM TOUR 2026 rund um den Globus.

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Das Sextett um Sänger Tim und Sängerin Shan ist seit 2013 nicht mehr aus der englischen Folkpunk-Szene wegzudenken. Die Band aus der südenglischen Grafschaft Dorset ist für ihre spektakulären und energiegeladenen Live-Auftritte bekannt. Black Water County spielen Eigenkompositionen, greifen aber auch auf bekannte Traditionals und Shantys zurück. Traditionelle Folkinstrumente wie Tin Whistle, Banjo und Geige werden von der Band mit schnellen und kräftigen Punkrhythmen gekonnt in Szene gesetzt.

Zu den bisherigen Auftritten der Band auf britischen Festivals zählen WOMAD, Boomtown Fair, Beautiful Days, Belladrum, Black Deer, Tunes in the Dunes, Camp Bestival, Larmer Tree und Teddy Rocks sowie Hunderte kleinerer britischer Festivals und Festival-Slots in Deutschland, Belgien, der Schweiz, den Niederlanden und Frankreich.

2017 veröffentlichten sie unabhängig ihr erstes Album "Taking Chances" und begaben sich auf ihre erste UK-Tour, bevor sie im folgenden Jahr bei der Booking-Agentur Midnight Mango unterschrieben. In den beiden darauffolgenden Jahren gab es drei nationale Headline-Tourneen mit einer stetig wachsenden Anzahl an ausverkauften Veranstaltungsorten, sowie eine Reihe von hochkarätigen Support-Slots in ganz Großbritannien und Genres, die von modernem Folk bis hin zu klassischem Ska-Punk reichen.

Sowohl 2016 als auch 2018 gewann Black Water County einen Platz auf der "Fuelling the Fire Tour" von Fireball, bei der sie unter anderem Less Than Jake, Flogging Molly, The Bronx und The Skints begleiteten. In der Folge erschienen sie in der Online-Berichterstattung von Kerrang! über die Tour, erhielten eine Empfehlung von Fireball UK und traten mit der Single "Rise and Fall" auch bei BBC-Radiosendern auf.

Das zweite Studioalbum der Band, "Comedies and Tragedies", wurde im März 2020 veröffentlicht, mit einer zweiten ausverkauften Show in The Old Firestation, Bournemouth (die erste im Jahr 2019). Allerdings wurde die Albumtournee plötzlich abgebrochen, als nur drei Tage später die globale Pandemie ausbrach und die Welt der Live-Musik auf den Kopf stellte.

Wenn "Taking Chances" eine post-universitäre Geschichte über das Leben in den frühen Zwanzigern ist, in der man gegen alles rebelliert, was einer guten Zeit im Wege steht, dann ist "Comedies and Tragedies" eine Fortsetzung des Realitätschecks, voller Unsicherheit und dem Kampf um die eigene Identität.

Stella Sommer aka Die Heiterkeit steht mit ihrem unverwechselbaren Sound zwischen Dream-Pop-Melancholie und literarischer Gravitas. Stella Sommer ist die Künstlerin, die man hört, wenn David Lynch und Patti Smith zusammen eine Playlist kuratieren würden. Dunkel glänzend, poetisch scharf, mit einem Humor, der einem wie ein perfekter Plot Twist erwischt. Wer sie hört, denkt an Cinematic Universes, nur eben in Musik: mystisch, minimal, maximal wirkend. Schwarze Magie eben.
Camille Jensen, Singer-Songwriterin und Model, verbindet den Spirit von Bob Dylan mit dem Flair eines Sofia-Coppola-Films. Zwischen Paris und L.A. hat sie Millionen Streams gesammelt und eine visuelle Sprache entwickelt, die Fashion-Redaktionen und Musiknerds gleichermaßen ausflippen lässt. Camille Jensen schwebt zwischen den Metropolen wie eine Heldin aus einem modernen Nouvelle-Vague-Film: Vintage-Glam, Folk-Poesie, Fashion-Intuition. Sie singt mit der Ruhe eines Menschen, der weiß, dass die Kamera sie ohnehin liebt.

Der aus Tallinn stammende Berliner Künstler Kennet Lekko zeigt Arbeiten, die wirken wie Memes auf LSD – hell, frech, niedlich –, während darunter der ganze emotionale Adrenalinmix des 21. Jahrhunderts brodelt. Kunst für die Gegenwart, die sich selbst dauernd refreshed. Pop-Art auf dem Billboard: grell, groß, glamourös – und doch gnadenlos ehrlich. Gefühle im Cinemascope-Format.
Die Einführung übernimmt Holm Friebe, Publizist und Protagonist der Netzkultur. Gemeinsam mit Annette Walter stellt er außerdem das neue Editionsprojekt WORKS ON SKIN vor, das Kunst so nah an den Menschen bringt wie ein Stick-and-Poke-Tattoo. Kunst, die so tragbar ist wie Haute Couture, nur dauerhaft.
Popkultur, Laufsteg, Kunstclash, Tattoo-Art und Jet-Set-Energie. Ein Abend wie ein Indie-Film mit Oscar-Attitüde: Elegant, geheimnisvoll, strahlend – und trotzdem ganz nah am Herzen. Feiert mit!

Die neun neuen Stücke zeigen: Am Ende hat sich all das gelohnt. Die Bandbreite reicht vom frechen Slacker-Rock von „Stick It“ über den dröhnenden Moloch von „K.A.D.A.V.A.R.“ bis zur Thrash-Metal-Keule (!) „Total Annihilation“. Vielfältiger und zugleich archetypischer klangen Kadavar wahrscheinlich noch nie. Aber so ist das eben, wenn wirklich jedes Bandmitglied gleichberechtigt Songs und Ideen beisteuert. „K.A.D.A.V.A.R.“ klingt vertraut und neu zugleich, würdigt das Gestern ohne darin verhaftet zu sein. Und ist vor allem eines: Ein Album übervoll mit Spielfreude. „Wir wollten die Leichtigkeit zurück, die wir vor 15 Jahren hatten“, betont Lindemann. „Die Naivität der ersten beiden Platten bekommen wir natürlich nicht zurück, aber wir können uns immerhin annähern. Es ist wie unser Debüt, nur diesmal eben als Quartett.“ Furios, groß, verdichtet. Kadavar sind wieder die Alten. Und doch ganz neu. Willkommen zuhause.

Elder ist eine genreübergreifende Rockband, die schwere psychedelische Klänge mit progressiven Elementen und stimmungsvollen Soundscapes verbindet. Die Band wurde Mitte der 2000er Jahre in einer kleinen Küstenstadt in Massachusetts gegründet und hat ihren Sound im Laufe von fünf Alben immer wieder neu erfunden, um sich von einem Urgestein der Stoner/Doom-Szene zu einer der markantesten Stimmen der Rock-Underground-Szene zu entwickeln. Ihre lang angelegten Kompositionen entfalten sich wie Reisen, die innerhalb eines einzigen Songs die gesamte Bandbreite der Stile von den 70er Jahren bis zur Gegenwart abdecken, mit einer Vorliebe für „die schiere Pracht der Gatefold-Ära“ (Rolling Stone). Mit ihrer im Oktober 2025 erschienenen EP "Liminalty/Dream State Return" stürzen sie sich im Sommer 2026 endlich auf's Publikum im Süd-Westen.

Wichtige Hinweise für unsere Gäste:

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• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

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• Foto- und Videokameras: Professionelle Foto- und Videokameras dürfen nicht mitgeführt werden. Handy- und Pocketkameras sind jedoch erlaubt.

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Geboren in Mexico und als Sohn eines Fallenstellers in der Wildnis Alaskas aufgewachsen, begann Tito Larrivas Karriere in Los Angeles. Mit den PLUGZ und später den CRUZADOS nahm diese schnell Fahrt auf. Eine Top10 Single und ein Cover auf dem Billboard Magazin später wurde Larriva Teil der L.A. Musik- und Filmszene der 80er Jahre. Im Probenraum nebenan machten die Red Hot Chili Peppers ihre ersten Gehversuche. Emmylou Harris, Jeff Porcaro (der früh verstorbene TOTO Drummer) waren seine Nachbarn. Zeitgleich begann auch die Schauspielkarriere des ausgebildeten Ballett-Tänzers. Nach dem Debüt als „Hammy“ in der „Pee-wee Herman Show“ (1981) arbeitete er mit Patrick Swayze (Roadhouse), Johnny Depp (Once Upon A Time In Mexico), Antonio Banderas (Desperados 2), mit Mel Gibson und Milla Jovovic in Wim Wenders ́ „The Million Dollar Hotel“, David Byrne (True Stories), Cheech Marin (Born In East LA), in dem Oscar-prämierten Kurzfilm „Session Man“ sowie mit R. Rodriguez (Grindhouse).
Tito Larriva schrieb Musik für über 50 Filme (u.a. die Titelsongs für „Machete“ 2010 und „Machete kills“ 2013) und Fernsehserien. Der Startschuss für Tito & Tarantula war Robert Rodriguez ́ Angebot an „From Dusk Till Dawn“ (1995) mitzuarbeiten. Die legendäre Performance als Vampire Hausband der „Titty Twister“ Bar und der weltweite Erfolg des Films brachte die Band (als Support von Joe Cocker) erstmals nach Europa. Der Europa-Release des Debüt Albums „Tarantism“ mit den Klassiker Songs aus „From Dusk Till Dawn“, „After Dark“, „Angry Cockroaches“, sowie „Strange face of love“ folgte 1997. Diese Songs markieren den Beginn einer neuen Ära amerikanischer Filmmusik und stellen Tito Larrivas außergewöhnliche Fähigkeiten als Sänger und Komponist unter Beweis.

Tito & Tarantula entstand aus den wöchentlichen Sessions, die Larriva unter dem Namen Tito & Friends mit stets herausragenden Musikern der L.A. Szene veranstaltete. Neben den Gitarristen Steven Hufsteter von dem gesagt wird, er hätte Bob Dylans Angebot, in seine Band einzusteigen abgelehnt, war die Band mit Hochkarätern wie dem Gitarristen Peter Atanasoff (Norah Jones, Ricky Lee Jones) und den Drummern Alfredo Ortiz (Beastie Boys/Gogol Bordello) und Rafael Gayol (A-ha, Leonard Cohen) in Europa, Asien Nord und Südamerika auf Tournee.

Für dieses Projekt hat die Brigade renommierte Gäste eingeladen, darunter Mitglieder legendärer Bands wie Radio Bemba Sound System, La Ruda, Les Hurlements d’Léo, Saï Saï, Les Zingueurs, Cartoon Machine und Giramundo.

Die Tournee 2026 wird das 10-jährige Jubiläum der Band zelebrieren – ein Jahrzehnt voller energiegeladener Konzerte, begeisterter Fans und gemeinsamem KIF. Sie erstreckt sich vom Frühling bis zum Spätsommer und führt durch Frankreich und mehrere europäische Länder.

Macht euch bereit: La Brigade du Kif war noch nie so bereit, richtig Lärm zu machen.

Die Songs wechseln sich ab mit rasanten Instrumentalstücken, die vom virtuosen Zusammenspiel von Fiddle und Uilleann Pipes leben. Der 2017 zum UNESCO Weltkulturerbe erhobene irische Dudelsack wird gespielt von Simon Pfisterer, der dieses außergewöhnliche Instrument an der Universität in Limerick studiert hat. Das elegante und ausdrucksstarke Fiddle-Spiel von Gudrun Walther wird im In- und Ausland von der Fachpresse hoch gelobt. Was CARA außerdem besonders macht, sind die Interaktion von Gitarre und Piano und die ausgefallenen und rhythmisch und harmonisch reichhaltigen Arrangements der Band. Sie tragen die Handschrift von Jürgen Treyz, Gitarrist, Produzent und musikalisches Mastermind der Band.

Vom Opener bis zur Zugabe setzen CARA in ihren Konzerten Glanzpunkte, nicht zuletzt durch die packenden Soli, die jedes Bandmitglied beisteuert, und sie überraschen das Publikum mit immer neuen Klängen. Abgerundet durch die charmant-humorvolle Präsentation garantiert ein Abend mit Cara höchsten musikalischen Genuss und beste Unterhaltung. Tourneen und umjubelte Konzerte in den USA, Australien, Irland, Schottland, Dänemark, Deutschland, Frankreich, Benelux, Österreich, Italien und der Schweiz belegen die Erfolgsgeschichte der Band.

Auf der internationalen Kulturbörse in Freiburg gewannen CARA Anfang 2018 die „Freiburger Leiter“ in der Sparte Musik, und wurden 2020 mit dem „Kaarster Stern“ ausgezeichnet, dem Kulturpreis der Stadt Kaarst.

Im Dezember 2020 lud Star-Geiger Daniel Hope die beiden Gründer von CARA zu sich nach Berlin ein, und das „Wohnzimmerkonzert“ wurde live europaweit auf ARTE concert ausgestrahlt.

Im Oktober 2021 veröffentlichten CARA ihr lange erwartetes neues Album Grounded, welches mit euphorischen Rezensionen begrüßt wurde. Das renommierte Musikmagazin The Living Tradition setze CARA im November 2021 als Titelstory aufs Cover.

2022 feierte die Band ihr 20-jähriges Jubiläum u.a. mit einem großen Konzertabend im Rahmen des Festivals Celtic Connections in Schottland, zu dem prominente Gastmusiker und ehemalige Bandmitglieder eingeladen waren. 2023 begeisterte die Band mit ihrer 20th Anniversary Tour das Publikum in über 50 Spielorten.

Die Musikerinnen und Musiker:

Gudrun Walther, lead vocals, fiddle, diatonic accordion

In einer musikalischen Familie u.a. mit deutscher, irischer und französischer Folkmusik aufgewachsen, begann Gudrun im Alter von sechs Jahren Folkmusik auf der Geige zu spielen. Sie ist heute eine der gefragtesten und angesehensten Musikerinnen in der deutschen Folkszene. Zusammen mit Jürgen Treyz spielt sie in der Band Deitsch deutsche traditionelle Musik. Als Duo arbeiten die beiden gerne mit Musikern aus ganz Europa zusammen - mit Aaron Jones und Claire Mann als The 2duos/Litha, mit Oisín MacDiarmada und Samatha Harvey als Fiddles & Feet, mit VÄSEN sowie mit Nuala Kennedy, Kirstine Elise Pedersen, Albin Paulus und Andy Cutting im Rahmen des Projekts „plus one“.

Gudrun gewann mit ihrer Musik und ihren Aufnahmen zahlreiche Preise, gastierte auf genreübergreifenden Alben (El Houssaine Kili, Söhne Mannheims, Le Concert Spirituel), trat als Solistin mit Orchester auf (Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz) und arbeitete als Produzentin und Co-Produzentin im Studio. Im Jahr 2024 wurde sie mit Deitsch gebeten, im Rahmen des Rudolstadt Festivals ein Sonderkonzert zum Länderschwerpunkt Deutschland mit einem Sinfonieorchester (Thüringer Symphoniker) zu geben, welches live im MDR gesendet wurde. Ihre eigenen Lieder und Melodien sind ein fester Bestandteil von Cara und wurden bereits von Folkbands in den USA und Großbritannien gecovert und aufgenommen. 2016 vertrat sie bei einem Festivalauftritt den bekannten Sligo-Fiddler Oisín MacDiarmada bei seiner Band Téada.

Im Jahr 2022 veröffentlichte sie „High Doh“, ein Trio-Album mit Damian McKee (Beoga) und Aaron Jones (Old Blind Dogs), und begann in ihrem neuen Duo mit dem weltbekannten Knopfakkordeonisten Andy Cutting aus England zu touren. Ihr Duo-Album „Conversations“ gewann im Februar 2024 den renommierten „Preis der deutschen Schallplattenkritik“ und wurde u.a. von Songlines (UK), Concerto (A), Folk London Magazine (UK) und Folk Wales (UK) mit 5 von 5 Sternen ausgezeichnet.

Kim Edgar, lead vocals, piano

Kim stammt aus Edinburgh in Schottland und ihre Karriere als Solokünstlerin hat ihr den Titel „Scotland’s very own Tori Amos“ (Sunday Herald) eingebracht. Ihre Songs spiegeln ihre Begeisterung für Horror, Mythen und Märchen, Feminismus und Geschichte - alles Themen, mit denen sie sich in ihrem Studium für Englische Sprache und Literatur eingehend beschäftigte. Das Fundament ihrer Songs legt sie am Klavier, an welchem sie eine klassische Ausbildung genossen hat. Ihr Debut-Album „Butterflies and Broken Glass“ wurde von „Scotland on Sunday“ mit fünf von fünf Sternen ausgezeichnet. Ihr zweites Album „The Ornate Lie“ erreichte Platz 11 der „Sunday Herald’s Top Scottish Albums of 2012“ und wurde von „Spiral Earth“ für das beste Album 2012 nominiert. BBC Radio Scotland kürte sie als „Songwriter of the week“. Kim war Mitglied der „Burns Unit“, mit denen sie unter anderem in der Show von TV-Ikone Jools Holland und vor der Queen höchstselbst auftrat. Ihr Album „Held“ aus dem Jahr 2020 wurde während der Pandemie aufgenommen und veröffentlicht, und ihr neuestes Album „Consequences“, das Kollaborationen mit Ron Sexsmith, Boo Hewerdine und Rachel Sermanni enthält, wurde bei den Celtic Connections 2023 vorgestellt und erhielt her- vorragende Kritiken.

Simon Pfisterer, uilleann pipes, flute, whistles

Simon hat an der Universität in Limerick Uilleann Pipes studiert und einen Abschluss als Bachelor of Arts in Irish Traditional Music and Dance (first class honours). Er ging im Juli 2021 als Ersatz für den verletzungsbedingt ausgefallenen Hendrik Morgenbrodt mit CARA auf Tournee und konnte bis Ende des Jahres bereits auf beeindruckende 27 Konzerte zurückblicken. Seit Januar 2022 gehört Simon offiziell zur Stammbesetzung von CARA und trägt mit seinem unverwechselbaren Stil auf den Uilleann Pipes, welcher von seinem Lehrer Blackie O’Connell und musikalischen Vorbildern wie Paddy Keenan beeinflusst wurde, zum Sound der Band bei.

Er spielt auch im irischen Quartett „3 on the bund“ und im Duo mit seiner Frau Susan Coleman. Sein Doppel-Solo-Album „Half Way There“ und „Another Way to Go” wurde 2022 veröffentlicht und katapultierte ihn an die Spitze der jungen Generation irischer Musiker. Das Irish Music Magazine schrieb: „sizzles with a wild youthful burst of energy”, und die NPU (irische Gesellschaft für Uilleann Pipes) nahm Simon 2023 offiziell in ihr online-Archiv mit Live-Videos wichtiger zeitgenössischer Piper auf!

Jürgen Treyz, guitar, dobro, backing vocals

Jürgen studierte Jazz-Gitarre am MGI München, beschäftigte sich daneben jedoch intensiv mit traditioneller und mittelalterlicher Musik. Er gründete 1993 das artes Tonstudio in Esslingen, das sich auf Folk und akustische Musik spezialisiert hat. Als Gitarrist, Komponist und Arrangeur von Hörspielmusiken, TV- und Theatermusik hat er bislang mehr als 90 CDs mit eigener Musik veröffentlicht und erhielt für die hörbar Folk-beeinflussten Produktionen mehrfach Preise und Auszeichnungen. 2006 rief er zusammen mit Gudrun Walther das Projekt „Deitsch“ ins Leben, welches sich mit traditioneller Musik aus Deutschland beschäftigt. Die erste CD „Königskinder“ wurde von den Kritikern in den höchsten Tönen gelobt und als wichtiger Bestandteil zur Erhaltung der deutschen Folkmusikkultur gefeiert. Das zweite Album „Heimat“ wurde mit dem „Preis der deutschen Schallplattenkritik“ ausgezeichnet, „Mittsommer-Sessions“ von 2019 wurde im FOLKER als „Die Besondere“ CD gekürt.

Diese Arbeit führen Jürgen Treyz und Gudrun Walther mittlerweile auch im Duo fort, ihr Doppel-Album „DUO“ (2017) bekam herausragende Rezensionen. Das 2022 erschienene Album „plus one“ featured Kirstine Elise Pedersen (DK), Albin Paulus (A), Andy Cutting (UK), Aaron Jones (UK) und Nuala Kennedy (IRE) und setzt einen weiteren Glanzpunkt in der wachsenden Liste der internationalen Kollaborationen mit namhaften Musikern („Litha“ mit Claire Mann und Aaron Jones, „Fiddles & Feet“ mit Oisín MacDiarmada und Samantha Harvey sowie die Zusammenarbeit mit Olov Johansson und Mikael Marin von „VÄSEN“).

2018 veröffentlichte er im Verlag von Acoustic Music ein Gitarren-Lehrbuch mit CD, für welches er deutsche Tanzstücke aus alten Handschriften für Fingerstyle-Gitarre aufbereitet hat. Aus seiner Zusammenarbeit mit Kabarettist und Autor Bernd Kohlhepp entstanden einige Audio-CDs und Hörspiele für Kinder, zuletzt erschien „Kokolores“ im Jahr 2022.

HEISSKALT genießen einen Ruf als besonders mitreißender Live-Act und spielen ihre ganz eigene Kombination aus explosiven Drums, flirrenden Gitarrenlandschaften und immer ausdrucksstarken Vocals. Mal singen, mal sprechen sie und mal schreien sie sich die Seele aus dem Leib - zwischen Post-Hardcore und Indie, zwischen Postrock und Pop, zwischen brachialem Lärm und herzzerreißender Zärtlichkeit.

Fans dürfen sich auf tropfende Clubdecken, eine elektrisierende Atmosphäre und ein Live-Gefühl freuen, das sich nicht streamen lässt. Neben vier Shows in Deutschland spielt die Band im Frühjahr außerdem drei Konzerte in Österreich und zwei in der Schweiz. Wie immer wird HEISSKALT das Publikum mit neuen und alten Songs gleichermaßen in Ekstase versetzen – mitreißend, energiegeladen und voller Emotionen.

Schon früh in ihrer Karriere machten HEISSKALT mit erfolgreichen Support-Touren, eigenen Clubshows, TV-Auftritten und Festivalbühnen – unter anderem beim Hurricane und Southside – auf sich aufmerksam. Auf ihr in die Charts eingestiegenes Debütalbum „Vom Stehen und Fallen“ folgten drei weitere Releases, bevor die Band 2018 eine Auszeit einlegte. Nach dem gefeierten Comeback 2024 und der anschließenden Tour zum aktuellen Album „Vom Tun und Lassen“ (VÖ Januar 2025) kehren HEISSKALT 2026 zu ihren Wurzeln zurück – in die kleinen Clubs, in denen alles begann.

Zwischen Schwarzwald und Südamerika: El Flecha Negra feiern musikalische Vielfalt Dass El Flecha Negras musikalische Vielfalt nicht von ungefähr kommt, zeigt ein Blick auf die Zusammensetzung der Band: Die fünf Musiker aus Deutschland, Chile, Brasielie und Peru umspannen mit ihren Songs vier Länder und zwei Kontinente. Kein Wunder also, dass ihr Sound vor kultureller Fülle nur so strotzt. Und nicht nur aus musikalischer Sicht gehen El Flecha Negra als waschechte Weltbürger durch. Auch in ihren Texten spricht sich die Band für Offenheit, Toleranz und Zusammenhalt aus – auf Spanisch und mit jeder Menge Optimismus. Mit dieser Botschaft haben sie sich in den vergangenen Jahren ein großes Publikum erspielt und sich als feste Größe in der europäischen Festivallandschaft etabliert (u.a.Fusion, Tollwood und Das Fest, Concert at Sea)

Angefangen haben El Flecha Negra als Straßenmusik-Trio: Ausgestattet mit Gitarre, Kontrabass und Cajon schlagen sie 2014 in den Gassen der Freiburger Altstadt eine musikalische Brücke ins knapp 9.000 Kilometer entfernte Südamerika. Mit ihrem unverstellten Klang und Charisma entwickeln sie sich schnell zu einer gefragten Live-Band – auch über die Grenzen der Breisgau-Metropole hinaus.Ihrer Wahlheimat bleiben die Musiker dennoch treu und widmen ihr 2015 mit dem Debütalbum “Schwarzwald” eine musikalische Liebeserklärung. Es folgen über 500 Konzerte in Deutschland und Europa sowie eine fulminante Tour durch Chile. Auf ihrem zweiten Longplayer “Tropikal Passport” präsentieren sich El Flecha Negra als Quintett, erweitern ihren Sound um Trompeten, traditionelle Flöten und psychedelische Chicha-Gitarre. 2020 veröffentlichen sie schließlich ihre langersehnte Live-Platte, doch die Corona-Pandemie setzt der überbordenden Spielfreude der Musiker ein jähes Ende. Umso energiegeladener das Bühnen-Comeback mit dem dritten Studioalbum “Renacer”: Tiefer denn je verbeugt sich die Band vor ihren musikalischen Einflüssen – Bachata, Zoca, Merengue, Mambo Urbano, Balada, Latín Hip-Hop und natürlich Cumbia.

Ab Herbst 2024 feierte El Flecha Negra mit einer großen Jubiläums-Tour zehn Jahre Bandgeschichte. Diese sehr erfolgreiche Tour, mit über 60 Konzerten, motivierte die 5 Musiker mehr denn je, ihre neue Show – eine feurige Fiesta voller Latin Roots und Karibischer Leichtigkeit - vorzubereiten.

Minnie Marks ist nicht nur eine begnadete Gitarristin, die mit ihrer Musik die Welt elektrisiert. Sie ist auch eine seltene Dreifachbegabung: Sängerin, Songwriterin und Multi-Instrumentalistin. Manche bezeichnen sie als „akustischen Tsunami”. Unmöglich zu ignorieren.

Mit ihrer alten Goldtop über der Schulter und einem revolutionären Fußtrommel an den Füßen tourt sie unermüdlich um die Welt. Marks erweitert ständig musikalische Grenzen mit ihrer wilden, atemberaubenden, dynamischen Gitarrenkunst und ihrer wahnsinnig kraftvollen, souligen Stimme, die ihre Wahrheit durch ihre Songs herausbrüllt, als hinge ihr Leben davon ab. Und als ob das noch nicht genug wäre, erzeugt sie gleichzeitig mit ihren freien Gliedmaßen auf ihrem Foot Drum-Kit Grooves, die einem das Mark in den Knochen erschüttern. Schließlich verbinden sich alle drei Bestien zu einer gigantischen Klangwand, die man gesehen haben muss, um sie zu glauben.

Seit seinen ersten Schritten am klassischen Klavier im Alter von sechs Jahren hat André Cavalcante ein außergewöhnliches musikalisches Talent gezeigt. Im Alter von zehn Jahren weitete sich seine Leidenschaft für Musik auf die Gitarre aus und führte schließlich zu einem Bachelor-Abschluss in klassischer Gitarre an der UFRJ, der Universität von Rio de Janeiro. André fand jedoch seine wahre Berufung im Bereich der Musikproduktion, wodurch er sich als einer der angesehensten Musikproduzenten im religiösen Segment Brasiliens etablierte.

Andre arbeitet mit Giganten der Musikindustrie wie Universal Music, Sony und Somlivre. Darüber hinaus hat André Cavalcante mit einigen der größten Namen der brasilianischen Musikszene zusammengearbeitet, darunter Gabriela Rocha, Paula Fernandes, Sandy und Zé Neto e Cristiano. Seine Fähigkeiten und sein Engagement wurden mit drei Grammy-Nominierungen als Musikproduzent und Mixing/Mastering-Ingenieur sowie mehreren Auszeichnungen bei großen Musikfestivals in Brasilien gewürdigt.

Als Solokünstler zeichnet sich André Cavalcante durch seine Fingerstyle-Technik aus, eine Gitarrentechnik, bei der die Saiten mit den Fingern gezupft werden, wodurch eine einzigartige Komplexität und harmonische Fülle entsteht. Seine digitalen Veröffentlichungen, darunter mehrere Singles und ein Instrumentalalbum, waren äußerst erfolgreich. Sein erstes Fingerstyle-Gitarren-Instrumentalalbum hat über 8 Millionen Aufrufe auf YouTube erzielt und damit seine Position als charismatischer und talentierter Musiker gefestigt.

Niwel Tsumbu ist ein virtuoser, im Kongo geborener und in Irland lebender Gitarrist. Er hat einen einzigartigen und mitreißenden Stil geschaffen, der sich aus so unterschiedlichen Einflüssen wie Jazz, Klassik, Rock, Folk und Rumba speist. Manchmal ist Tsubus Musik ein tiefer emotionaler Brunnen, der Freude und Traurigkeit aus universellen menschlichen Quellen schöpft. Zu anderen Zeiten ist sie ein Hightech-Vehikel, das voller Begeisterung über Nationen, Kontinente und den Kosmos hinwegflitzt. Tsumbu hat sein internationales Profil in den letzten zehn Jahren stetig ausgebaut und wurde von All About Jazz für seine „exquisite und fast nahtlose“ globale Fusion gelobt. Er hat mit Künstlern wie Nigel Kennedy, Sinead O’Connor, Buena Vista Social Club und Baaba Maal aufgenommen und ist mit ihnen aufgetreten. Im Jahr 2021 festigte Tsumbu seine globale Reichweite mit seinem Gitarrenspiel auf dem Grammy-prämierten Album „They’re Calling Me Home“ von Rhiannon Giddens und Francesco Turrisi. Er ist nun Mitglied der Band von Rhiannon Giddens.

Die Eckpfeiler von Tsubus Musik sind sein ausgefeiltes Rhythmusgefühl, sein virtuoses Gitarrenspiel und seine mitreißenden Improvisationen. Ob Rumba oder Jazz, gezupfte Nylonsaiten oder verstärkte E-Gitarre – Tsubus komplexes Gitarrenspiel lädt immer wieder zum erneuten Hören ein. Tsubu ist daher als afrikanischer Gitarrenlehrer für die World Music Method sehr gefragt, und seine beliebten Instagram-Reels-Videos erzielen bis zu Hunderttausende von Aufrufen.

Roxane Elfasci ist eine französische klassische Gitarristin mit Wohnsitz in Paris. Sie schloss ihr Musikstudium am Pôle Supérieur de Paris bei Jérémy Jouve und Gérard Abiton ab. Mit Abschlüssen in Musikperformance und Musikwissenschaft sowie einem Diplôme d’État in Pädagogik widmet sie sich nun ganz ihrer künstlerischen Karriere und ihren Schülern.

RUE OBERKAMPF
Die deutsch-französische Electro-/EBM-Formation Rue Oberkampf bringt ihre energiegeladenen, neon-dunklen Klangwelten auf die Bühne! Mit treibenden Beats, atmosphärischen Synthflächen und einer Performance voller Sinnlichkeit und Spannung erschafft die Band eine elektrisierende Mischung aus Darkwave, Techno und New Wave. Songs wie “Hope and Fear”, “Solitude” oder “ Deine Augen” haben Rue Oberkampf zu einem der aufregendsten Acts der aktuellen Underground-Clubszene gemacht. Live vereinen sie pulsierende Rhythmen, ekstatische Vocals und eine visuelle Ästhetik, die jede Show zu einem intensiven Erlebnis macht.

DUCTAPE
Die türkische Dark-Wave/Shoegaze-Sensation Ductape kommt auf die Bühne und bringt ihren unverwechselbaren, melancholisch-treibenden Sound endlich live zu uns! Das Duo aus Istanbul verbindet pulsierende Post-Punk-Rhythmen mit hypnotischen Gitarrenflächen und eindringlichem Gesang – ein Klang, der zugleich roh, emotional und absolut mitreißend ist. Mit Songs wie “Veil of Lies”, “Red Scar” und ihrem aktuellen Album, das international gefeiert wird, hat sich Ductape in kürzester Zeit zu einem der spannendsten Acts der alternativen Musikszene entwickelt. Ihre Shows sind intensiv, atmosphärisch und hinterlassen garantiert Gänsehaut.

STAHLNETZ
Die legendäre Neue-Deutsche-Welle-Band Stahlnetz kehrt zurück auf die Bühne – mit ihrem unverwechselbaren Mix aus elektronischen Beats, kantigen Gitarren und klarer 80er-Attitüde! Erlebt die Musiker, die mit ihrem einzigartigen Sound und Songs wie „Vor all den Jahren“ eine ganze Ära geprägt haben, endlich wieder live.

PHILEAS FOGG
Phileas Fogg sind eine deutsche (Post-)Punk-Band aus Baden-Württemberg. Benannt nach der Hauptfigur aus Jules Vernes „In 80 Tagen um die Welt“ steht die Band seit ihrem Debüt „Kopf, unten“ für einen eigenständigen Sound zwischen kühler Dringlichkeit und existenzieller Klarheit. Mit dem aktuellen Album „ALLESMUSSSEINENDEFINDEN“ zeigen sie, dass Punk nicht laut sein muss, um relevant zu bleiben: klare Strukturen, kantige Riffs, minimale Elektronik und eine sachliche, beinahe dokumentarische Erzählweise. Ihre Texte kreisen um Verlust, gesellschaftliche Leere und Angst – ohne Pathos, aber mit Haltung.

Ähnlich wie die isländische Kultur selbst bewegt sich die Musik von Árstíðir zwischen Geschichte und Moderne und verbindet altes isländisches Kulturerbe mit zeitgenössischem Songwriting und Arrangements. Bekannt für ihre unverwechselbaren Gesangsharmonien, den Einsatz von Streichinstrumenten und ihre intensiven Live-Auftritte, wechseln die Konzerte von Árstíðir zwischen intimen A-cappella-Momenten und kraftvollen, weitläufigen Klanglandschaften. Ihre Musik findet besonders großen Anklang bei Liebhabern nordischer Folkmusik, zieht jedoch ebenso Publikum aus der Klassik- und sogar der Metal-Szene an. Seit ihrem internationalen Durchbruch im Jahr 2010 – begleitet von einer viral gegangenen Darbietung einer isländischen Hymne aus dem 13. Jahrhundert – touren Árstíðir weltweit und haben sich eine treue Fangemeinde aufgebaut. Im Jahr 2026 wird die Band ihr zehntes Studioalbum Sólmyrkvi („Sonnenfinsternis“) veröffentlichen, gefolgt von ihrer jährlichen europäischen Vetrarsól-Tour („Wintersonne“).

Vives - auf Ladinisch übersetzt bedeutet es schlicht "Du sollst leben!" Dieser Ausdruck, vom Lateinischen "vivus" abgeleitet, wird gerne genutzt, um in geselliger Runde anzustoßen. Doch für die ladinische Band Ganes ist "VIVES" weitaus mehr als nur ein Trinkspruch. Es ist Ausdruck des Lebenswillens, eine lebendige Hymne an das Leben selbst.

Die Musik wird lebhaft und gewagt - man kann sich förmlich vorstellen, wie die Musiker auf einem Tisch in der örtlichen „ostaria" springen, singen und tanzen. Geschichten werden erzählt und getratscht in der alten Dorfwirtschaft, während die Atmosphäre von Freude und Unterhaltung durchtränkt ist. Man kann spüren, dass die „stories" packend sind, selbst wenn man sie nicht bis ins Detail versteht. Dieses Album ist eine Ode an das gemeinsame Feiern und an das Aufeinandertreffen von Menschen.

Die Lieder auf "VIVES" sind voller Geschichten und Erinnerungen an das Leben im Dorf, an diejenigen, die gegangen sind und diejenigen, die zurückgekehrt sind, an Traditionen und die Weisheit der "Alten". Manchmal auch mit einer ordentlichen Portion Humor, Aberglauben und Selbstironie.

Die Inspiration für dieses Album stammt aus dem alten Kern von La Val, einer Quelle reicher Tradition und Kultur. In diesem idyllischen Ort, umgeben von majestätischen Bergen und einer jahrhundertealten Geschichte, schöpft Ganes die kreativen Impulse für "VIVES". Diese Verbindung zur Heimat und ihren tief verwurzelten Werten spiegelt sich in jedem Ton des Albums wider.

"VIVES" ist somit nicht nur ein musikalisches Erlebnis, sondern auch ein tiefer Einblick in die ladinische Seele und die Weisheit, die aus den Erfahrungen und Erzählungen erwächst.

Ganes' Musik ist ein lebendiges Erbe, das die Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft schlägt. "VIVES" ist die klingende Verbindung zwischen Generationen, ein Soundtrack für das Zusammentreffen, das Wachstum und das gemeinsame Feiern, ebenso wie für die Momente des Trauerns.

Vielleicht lässt man sich auch ein wenig von der Melancholie treiben und schwelgt in längst vergangenen Erinnerungen, als die Dorfwirtschaften noch ein wesentlicher Bestandteil des täglichen Lebens waren und die modernen Hotelbars sie noch nicht fast verdrängt hatten. In diesen Augenblicken wird "VIVES" zu einer Zeitreise, die uns die Vergangenheit auf lebendige Weise nahebringt und uns daran erinnert, wie das Leben einst gewesen ist. Der Wirt wird fast zu einem Zeugen und Beichtvater, zu einem Tröster und Zuhörer, ganz in der Tradition von Dionysos. "VIVES" ist ein musikalisches Fest, ein wahres Feuerwerk, bei dem die Grenzen zwischen Künstlern und Publikum verschwimmen. Es ist eine Hymne an das Leben, wie es war, ist und sein wird.
"VIVES" - ein Album, das das Leben in all seinen Farben zelebriert.

Ganes entführt das Publikum von großen Bühnen in gemütliche Stuben mit ihrem neuen Programm "Or brüm - cordes y flé", das von Originalität, Echtheit und Authentizität geprägt ist. Die Musik wird intim, warm und holzig - man fühlt sich fast, als säße man zwischen den Musikerinnen in einer alten Mühle in Rumestluns und lauschte den zauberhaften Klängen der Wasserfrauen. Die drei Stimmen werden von sanften, aber mitreißenden Saitenklängen begleitet. Es ist ein lebendiger und authentischer Genuss, ohne jegliches Streben nach Effekthascherei.

Drei international erfolgreiche Studioalben und einige EPs zeugen von ihrem Ansatz. Im Mai 2020 feierte die Band ihr zehnjähriges Jubiläum mit dem Remix-Album „X”, das Remixe von Boy Harsher, The Soft Moon, Clan of Xymox, Front 242, Lebanon Hanover und vielen anderen enthält.

Jan Hauf erhielt seit seinem fünften Lebensjahr Schlagzeugunterricht an der Musikschule Pfullingen. Mit 15 Jahren nahm er parallel zur Schule am Pre-College- Programm der Musikhochschule Mannheim teil, wo er Unterricht bei Prof. Peter Gall bekam. Dort begann er auch mit 17 sein Bachelorstudium. Jan konnte bei verschiedenen Wettbewerben zahlreiche Preise gewinnen, unter anderem einen ersten Preis sowie einen Sonderpreis beim Bundeswettbewerb Jugend musiziert. Konzertreisen führten ihn bereits in zahlreiche Städte wie Hamburg, Reykjavík, Schwerin, Saarbrücken und viele weitere. Neben dem Schlagzeugspiel widmet er sich mittlerweile auch intensiv dem Komponieren.

Philipp Schuhmacher begann vor zwei Jahren gemeinsam mit Jan Hauf an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Mannheim sein Klavierstudium bei Prof. Rainer Böhm. Er ist Mitglied des LandesJugendJazzOrchesters Rheinland-Pfalz und tourte mit diesem bereits international.

Max Preis schloss seinen Bachelor im Fach Jazz-Bass in Osnabrück ab und setzt sein Masterstudium nun an der Musikhochschule Mannheim bei Prof. Mathias Nowak fort. Mittlerweile blickt er auf 15 Jahre Bühnenerfahrung in Jazz, Rock, Pop, Reggae, Latin und Hip-Hop in unterschiedlichsten Formationen zurück. Heute komponiert und arrangiert er für sein eigenes Quartett, spielt in diversen Jazzensembles, ist als Studiomusiker aktiv und hat an verschiedenen Theaterproduktionen und Performances mitgewirkt. Zudem war er als Tutor am Institut für Musik im Bereich Jazz mit dem Schwerpunkt Entwicklung von Walking Bass tätig.

STOPPOK ist ein Sänger und Musiker, hoch geschätzt von renommierten Kolleginnen und Kollegen, der loses Mundwerk mit stupendem Handwerk (seine Saiteninstrumente beherrscht er meisterlich mit höchst persönlicher Note) kombiniert. In den vergangenen Jahren ergänzt durch originelles Fußwerk, wenn er per Fußmaschine seinen in Folk, Blues und Rock grundiertem Sound mit rhythmischer Dynamik unterfüttert.

Deshalb kann es sich STOPPOK auch leisten, solo auf Tour zu gehen, weil er als Unterhalter, Musiker und Geschichtenerzähler im Alleingang besteht. Seine akustischen Konzerte sind daher legendär, für den Künstler selbst „pure Freiheit“. Im Dezember steht die Solo-Variante der „RUND-Reise“ durch meist bestuhlte Häuser an. Passend zu einem neuen Song aus dem zur Tour erscheinenden Album: „Je länger wir zusammen geh’n, umso besser werden wir uns versteh’n“.

STOPPOK bleibt dran, beharrlich, lustvoll, launig. Überrascht uns mit besonderen Live-Abenden, bei denen Spontaneität, Spott und Seelenmassage triumphieren. Nix gibt sich mit Siebzich. Welch Glück!

Nach wie vor erwartet den Konzertbesucher diese unnachahmliche Melange aus coolen Clubsounds, Psychedelic Pop und NuJazz die als druckvolle Liveversionen der besten HATTLER Titel zu Gehör gebracht werden. Hellmut Hattler dazu: „Wir sind eine echte Live-Band und es geht bei unseren Konzerten immer, und ohne Beweislast, nur um Musik, Rhythmus und alles was Gehirnzellen und Füße bewegt“. Das Ganze wird zusätzlich von perfekten Live-Videoprojektionen unterstützt – kurz:

HATTLER Musik ist kraft- und druckvoll, aber auch sehr smooth & mellow, mit einem sicheren Gefühl für besondere Melodien, die einem nicht mehr aus dem Kopf gehen wollen. Durchweg intelligente und vor allem absolut eigenständige Unterhaltung die fast immer auch tanzbar ist - und seit vielen Jahren auf den angesagtesten Lifestyle- und Lounge- Compilationalben zu finden ist.

Diese einerseits musikalisch-technische und andererseits menschliche Mischung "funk"tioniert, ja, mehr noch, sie ist musikalisch hochexplosiv. Das beweisen nicht nur die genannten Alben, sondern das zeigen auch die alljährlichen Tourneen, die die Band wiederholt auch auf Festivals in Asien gebracht hat.

Dieses Jahr wird das 25-jährige Bestehen der Band mit einer Tournee und der Veröffentlichung eines Best-Of-Albums mit dem Titel “Happy Birthday Baby“ mit ganz neuen, den erfolgreichsten und mit bislang unveröffentlichten Live-Titeln gefeiert.

HATTLER Live Line Up: Fola Dada: Vocals - Torsten de Winkel: Guitar - Oli Rubow: Drums - Hellmut Hattler: Bass

Support NOISE CHURCH:
“Hmmm. Da habt ihr also Jello Biafra im skandinavischen Herbst in ein Zimmer mit Fenster zum Hinterhof gesperrt und ihm ausschließlich "no hope for the kids" zum hören gegeben?” – so könnte man die Energiebombe der Ungarisch-Deutschen Noise Church beschreiben, gegründet von Menschen, die schon seit längerem in der DIY-Punk Szene kleben geblieben sind. Das Projekt begann zunächst als elektronisches Dröhnen während der Coronavirus-Epidemie. Doch am Ende blieb nur Punk-Rock übrig. Und zwar in allen Geschmacksrichtungen: Die Atmosphäre von Red Dons oder Sedatives wird über den deutlich spürbaren Dead Kennedys-Einfluss gelegt und mit der Verrücktheit australischer Garagenbands wie The Chats, Stiff Richards oder C.O.F.F.I.N übergossen.

REPRESENT versteht sich nicht als Wettbewerb und nicht als klassisches Showcase, sondern als Plattform auf Augenhöhe. Hier treffen Newcomer auf erfahrene Acts, unterschiedliche Stile aufeinander und Bands aus Reutlingen, Tübingen und der Zollernalb teilen sich eine Bühne. Indierock trifft auf Punk, Pop auf Metal, Polka auf Post-Grunge – der wilde Mix ist kein Nebeneffekt, sondern Programm. Genau diese Offenheit hat REPRESENT über die Jahre geprägt und zu dem gemacht, was es heute ist: ein Schaufenster der regionalen Musikszene und ein Ort für Entdeckungen. Auch 2026 bleibt REPRESENT diesem Konzept treu. An zwei Abenden präsentieren sich jeweils vier Bands aus der Region, jede davon mit 45 Minuten Spielzeit – genug Raum, um nicht nur anzuteasen, sondern wirklich gehört zu werden. Die Reihenfolge der Auftritte bleibt bewusst offen, damit Neugier wichtiger ist als Gewohnheit und das Publikum eingeladen ist, sich auf neue Sounds einzulassen.

Line-Up:
Samstag, 04. April 2026

• Die Gebrauchten – Indierock

• don’t listen to dAVE. – Metal-Schlager

• The Snouts – Punkrock

• Underscore – Rock / Pop

Sonntag, 05. April 2026

• Aquarianer – Pop Polka Punk

• HADDOX – Pop-Alternative-Elektro

• Sally Can’t Wait – Post-Grunge

• ZAMP – Metal

Vorstellung der Bands

Die Gebrauchten

„Die Gebrauchten", Indierock aus Reutlingen, spielen eigene Songs mit melancholischen Texten und Melodien und Covers, hauptsächlich von der Australischen Band „The Go-Betweens", aber auch Stücke von „Die Sterne", „Tocotronic", Wire, Cure, etc.

don’t listen to dAVE.

don't listen to dAVE. ist eine neue deutschsprachige Gruppe aus 4 sehr erfahrenen und vernetzten Musikern aus unserer Stadt und einer größeren Uni-Stadt in der Nähe. Die Band hat bereits in den ersten 3 Monaten eine EP und ein Musikvideo produziert und veröffentlicht, und sich grundsätzlich eindrucksvollen Live-Performances und einer Art „Publikumserziehung" verschrieben. So heißt auch ihre erste EP, die an Silvester'25 rauskam. Mitsingen, springen, mitklatschen und umarmen: harten Riffs und geschmeidigen Melodien. —> new niche downloaded: „Metal-Schlager"

The Snouts

Versiffte Verstärker, mit Rotz überzogene Drums und der Hauch von Schimmel, Bier und Kippenrauch im Proberaum, der dir mit voller Wucht ins Gesicht schlägt. Das sind The Snouts. Punkrock, wie er sein muss. Einfach, aber authentisch. Laut und mit ganz viel Herz. Melodiöse Hooks, donnernde Drums und fette Riffs, die den Ohrwurm zum Platzen bringen. Mischt man das alles zusammen mit einer großen Prise Selbstironie, entsteht eine 4-köpfige, energiegeladene Kanone, die nur darauf wartet, abgefeuert zu werden.

Underscore

Wir sind Underscore, wir spielen eine Kombination aus moderner Rockmusik, Musical-ähnlichen Passagen, Popmusik mit intelligenten Texten, progressiver Gitarrenarbeit und energetischen Gesangspassagen. Wir legen wert darauf unsere Musik möglichst abwechslungsreich zu gestalten, was, unter anderem, immer wieder zu unvergesslichen Live Auftritten führt.

Zwischen den Sets, im Saal, an der Bar und vor der Bühne entsteht bei REPRESENT jedes Jahr das, was das Festival seit jeher ausmacht: Begegnung, Austausch und gemeinsames Erleben. Bands lernen sich kennen, Publikum entdeckt neue Lieblingsacts und die regionale Szene rückt für ein Wochenende in den Mittelpunkt. Ostern 2026 heißt es also wieder: Vorhang auf für Your Hometown Music. Zwei Abende, acht Bands, ein Ort – und ein musikalischer Mix, der genau so vielfältig ist wie die Region selbst.

Aquarianer

Laute Aquarianer – Normalerweise ist die Aquaristik ja ein eher leises Geschäft. Nicht aber wenn die »Aquarianer« aus Reutlingen auf der Bühne stehen. Pop, Polka, Punk und Elektro wuseln hier munter im strömenden Becken der Lebensfreude und versetzen die Anwesenden schnell ins Mit-Rudern. Sehr schnell wird klar: Bei dieser Band handelt es sich weder um Salz-, Kalt- oder Warmwasser-Spezialisten – musikalisches Heißwasser ist angesagt!

Fünf Leute, sieben Instrumente: In der Besetzung Schlagzeug, Bass, Trompete, Akkordeon, Gitarre, Tuba und Synthesizer bringen satte Beats und treibende Riffs schnell den eigenen Fluss der Gefühle in Wallung und versetzen hier Herz und Beine gleichermaßen in strudelige Bewegungsfreude. Zusätzlich verschärft eine gehörige Portion Selbstironie in den Texten der Band noch die hitzige Liveatmosphäre und ist damit der berühmte Tropfen, der das Konzert-Fass – oder besser gesagt das Konzert-Aquarium – zum Überlaufen bringt.

HADDOX

Pop meets Alternative! Elektro meets Handarbeit! Das Ergebnis: eine supermelodische Mischung aus Mitsing-Ohrwürmern, Hymnen zum Eskalieren und der ein oder anderen ruhigen Nummer, bei der man einfach nur entspannt zuhören möchte.

HADDOX um die charismatische Frontfrau Bella schaffen mit fetten Synthiesounds, wuchtigen Gitarren und mehrstimmigen Gesängen ein ganz neues Genre. Wie sich das nennt? Keine Ahnung, scheißegal! Passt in jede Schublade und wird dennoch keinem Klischee gerecht.

In ihren Songs haben unbeschwerte und satirische Texte gleichberechtigt ihren Platz neben gesellschaftsrelevanten und ernsten Themen. Den erhobenen Zeigefinger packen die 4 nicht aus – Musik von HADDOX macht Spaß, treibt an und dient nicht nur der Band, sondern auch ihrem Publikum als Auszeit in unruhigen Zeiten wie diesen.

HADDOX aus der Region Stuttgart/Tübingen haben sich 2025 zusammengetan und bestehen aus MusikerInnen, die sich seit Jahren auf den großen und kleinen Bühnen dieser Welt austoben. Eine wuchtige Liveshow, bei der nicht nur die Songs in Erinnerung bleiben – das sind HADDOX!

Sally can’t wait

Im Januar 2025 gründete sich die vierköpfige Band Sally Can't Wait. Nach 6-monatigem intensivem Songwriting entstand ihr allererstes Set als Band. So unterschiedlich wie die Vier sind, sind auch ihre Songs. Zwischen poppigen Melodien treiben verzerrte Gitarren und gängige Refrains die Leute zum Tanzen an. Laut und schräg, aber überraschend melodisch verarbeiten sie in ihren Texten gesellschaftskritische und feministische Themen und zeigen dabei klare Kante.

Ihre ersten Auftritte hatte die Band im Sommer 2025. Im Epplehaus Tübingen und im Komma Esslingen wurde gesungen, getanzt und geschwitzt! Im Winter 2025 wurde es wieder etwas ruhiger um die Band und die ersten Demo-Aufnahmen entstehen. 2026 wollen Leo, Janine, Marie und Jonas wieder raus auf die Bühne und live spielen! Denn Blut geleckt haben die vier Sallys alle Male.

ZAMP

ZAMP – 2025 in Reutlingen gegründet, beeinflusst von klassischem Heavy-Metal und modernem Metalcore, verwirrt von Punk- und Rockabilly-Bands der frühen 2000er Jahre und abgelenkt von vielen verschiedenen Biersorten. Mit ihrer Debut Single 'ZAMPed!' verbinden sie Stile des Heavy Metals, Punkrocks und Chaos zu Wahnsinn und purer Energie! 'We are ZAMPED – and soon you will be too!'

https://represent-festival.de/

https://www.instagram.com/representfestival/

Zwischen den Sets, im Saal, an der Bar und vor der Bühne entsteht bei REPRESENT jedes Jahr das, was das Festival seit jeher ausmacht: Begegnung, Austausch und gemeinsames Erleben. Bands lernen sich kennen, Publikum entdeckt neue Lieblingsacts und die regionale Szene rückt für ein Wochenende in den Mittelpunkt. Ostern 2026 heißt es also wieder: Vorhang auf für Your Hometown Music. Zwei Abende, acht Bands, ein Ort – und ein musikalischer Mix, der genau so vielfältig ist wie die Region selbst.

REPRESENT versteht sich nicht als Wettbewerb und nicht als klassisches Showcase, sondern als Plattform auf Augenhöhe. Hier treffen Newcomer auf erfahrene Acts, unterschiedliche Stile aufeinander und Bands aus Reutlingen, Tübingen und der Zollernalb teilen sich eine Bühne. Indierock trifft auf Punk, Pop auf Metal, Polka auf Post-Grunge – der wilde Mix ist kein Nebeneffekt, sondern Programm. Genau diese Offenheit hat REPRESENT über die Jahre geprägt und zu dem gemacht, was es heute ist: ein Schaufenster der regionalen Musikszene und ein Ort für Entdeckungen. Auch 2026 bleibt REPRESENT diesem Konzept treu. An zwei Abenden präsentieren sich jeweils vier Bands aus der Region, jede davon mit 45 Minuten Spielzeit – genug Raum, um nicht nur anzuteasen, sondern wirklich gehört zu werden. Die Reihenfolge der Auftritte bleibt bewusst offen, damit Neugier wichtiger ist als Gewohnheit und das Publikum eingeladen ist, sich auf neue Sounds einzulassen.

Line-Up:
Samstag, 04. April 2026

• Die Gebrauchten – Indierock

• don’t listen to dAVE. – Metal-Schlager

• The Snouts – Punkrock

• Underscore – Rock / Pop

Sonntag, 05. April 2026

• Aquarianer – Pop Polka Punk

• HADDOX – Pop-Alternative-Elektro

• Sally Can’t Wait – Post-Grunge

• ZAMP – Metal

Vorstellung der Bands

Die Gebrauchten

„Die Gebrauchten", Indierock aus Reutlingen, spielen eigene Songs mit melancholischen Texten und Melodien und Covers, hauptsächlich von der Australischen Band „The Go-Betweens", aber auch Stücke von „Die Sterne", „Tocotronic", Wire, Cure, etc.

don’t listen to dAVE.

don't listen to dAVE. ist eine neue deutschsprachige Gruppe aus 4 sehr erfahrenen und vernetzten Musikern aus unserer Stadt und einer größeren Uni-Stadt in der Nähe. Die Band hat bereits in den ersten 3 Monaten eine EP und ein Musikvideo produziert und veröffentlicht, und sich grundsätzlich eindrucksvollen Live-Performances und einer Art „Publikumserziehung" verschrieben. So heißt auch ihre erste EP, die an Silvester'25 rauskam. Mitsingen, springen, mitklatschen und umarmen: harten Riffs und geschmeidigen Melodien. —> new niche downloaded: „Metal-Schlager"

The Snouts

Versiffte Verstärker, mit Rotz überzogene Drums und der Hauch von Schimmel, Bier und Kippenrauch im Proberaum, der dir mit voller Wucht ins Gesicht schlägt. Das sind The Snouts. Punkrock, wie er sein muss. Einfach, aber authentisch. Laut und mit ganz viel Herz. Melodiöse Hooks, donnernde Drums und fette Riffs, die den Ohrwurm zum Platzen bringen. Mischt man das alles zusammen mit einer großen Prise Selbstironie, entsteht eine 4-köpfige, energiegeladene Kanone, die nur darauf wartet, abgefeuert zu werden.

Underscore

Wir sind Underscore, wir spielen eine Kombination aus moderner Rockmusik, Musical-ähnlichen Passagen, Popmusik mit intelligenten Texten, progressiver Gitarrenarbeit und energetischen Gesangspassagen. Wir legen wert darauf unsere Musik möglichst abwechslungsreich zu gestalten, was, unter anderem, immer wieder zu unvergesslichen Live Auftritten führt.

Zwischen den Sets, im Saal, an der Bar und vor der Bühne entsteht bei REPRESENT jedes Jahr das, was das Festival seit jeher ausmacht: Begegnung, Austausch und gemeinsames Erleben. Bands lernen sich kennen, Publikum entdeckt neue Lieblingsacts und die regionale Szene rückt für ein Wochenende in den Mittelpunkt. Ostern 2026 heißt es also wieder: Vorhang auf für Your Hometown Music. Zwei Abende, acht Bands, ein Ort – und ein musikalischer Mix, der genau so vielfältig ist wie die Region selbst.

Aquarianer

Laute Aquarianer – Normalerweise ist die Aquaristik ja ein eher leises Geschäft. Nicht aber wenn die »Aquarianer« aus Reutlingen auf der Bühne stehen. Pop, Polka, Punk und Elektro wuseln hier munter im strömenden Becken der Lebensfreude und versetzen die Anwesenden schnell ins Mit-Rudern. Sehr schnell wird klar: Bei dieser Band handelt es sich weder um Salz-, Kalt- oder Warmwasser-Spezialisten – musikalisches Heißwasser ist angesagt!

Fünf Leute, sieben Instrumente: In der Besetzung Schlagzeug, Bass, Trompete, Akkordeon, Gitarre, Tuba und Synthesizer bringen satte Beats und treibende Riffs schnell den eigenen Fluss der Gefühle in Wallung und versetzen hier Herz und Beine gleichermaßen in strudelige Bewegungsfreude. Zusätzlich verschärft eine gehörige Portion Selbstironie in den Texten der Band noch die hitzige Liveatmosphäre und ist damit der berühmte Tropfen, der das Konzert-Fass – oder besser gesagt das Konzert-Aquarium – zum Überlaufen bringt.

HADDOX

Pop meets Alternative! Elektro meets Handarbeit! Das Ergebnis: eine supermelodische Mischung aus Mitsing-Ohrwürmern, Hymnen zum Eskalieren und der ein oder anderen ruhigen Nummer, bei der man einfach nur entspannt zuhören möchte.

HADDOX um die charismatische Frontfrau Bella schaffen mit fetten Synthiesounds, wuchtigen Gitarren und mehrstimmigen Gesängen ein ganz neues Genre. Wie sich das nennt? Keine Ahnung, scheißegal! Passt in jede Schublade und wird dennoch keinem Klischee gerecht.

In ihren Songs haben unbeschwerte und satirische Texte gleichberechtigt ihren Platz neben gesellschaftsrelevanten und ernsten Themen. Den erhobenen Zeigefinger packen die 4 nicht aus – Musik von HADDOX macht Spaß, treibt an und dient nicht nur der Band, sondern auch ihrem Publikum als Auszeit in unruhigen Zeiten wie diesen.

HADDOX aus der Region Stuttgart/Tübingen haben sich 2025 zusammengetan und bestehen aus MusikerInnen, die sich seit Jahren auf den großen und kleinen Bühnen dieser Welt austoben. Eine wuchtige Liveshow, bei der nicht nur die Songs in Erinnerung bleiben – das sind HADDOX!

Sally can’t wait

Im Januar 2025 gründete sich die vierköpfige Band Sally Can't Wait. Nach 6-monatigem intensivem Songwriting entstand ihr allererstes Set als Band. So unterschiedlich wie die Vier sind, sind auch ihre Songs. Zwischen poppigen Melodien treiben verzerrte Gitarren und gängige Refrains die Leute zum Tanzen an. Laut und schräg, aber überraschend melodisch verarbeiten sie in ihren Texten gesellschaftskritische und feministische Themen und zeigen dabei klare Kante.

Ihre ersten Auftritte hatte die Band im Sommer 2025. Im Epplehaus Tübingen und im Komma Esslingen wurde gesungen, getanzt und geschwitzt! Im Winter 2025 wurde es wieder etwas ruhiger um die Band und die ersten Demo-Aufnahmen entstehen. 2026 wollen Leo, Janine, Marie und Jonas wieder raus auf die Bühne und live spielen! Denn Blut geleckt haben die vier Sallys alle Male.

ZAMP

ZAMP – 2025 in Reutlingen gegründet, beeinflusst von klassischem Heavy-Metal und modernem Metalcore, verwirrt von Punk- und Rockabilly-Bands der frühen 2000er Jahre und abgelenkt von vielen verschiedenen Biersorten. Mit ihrer Debut Single 'ZAMPed!' verbinden sie Stile des Heavy Metals, Punkrocks und Chaos zu Wahnsinn und purer Energie! 'We are ZAMPED – and soon you will be too!'

https://represent-festival.de/

https://www.instagram.com/representfestival/

Zwischen den Sets, im Saal, an der Bar und vor der Bühne entsteht bei REPRESENT jedes Jahr das, was das Festival seit jeher ausmacht: Begegnung, Austausch und gemeinsames Erleben. Bands lernen sich kennen, Publikum entdeckt neue Lieblingsacts und die regionale Szene rückt für ein Wochenende in den Mittelpunkt. Ostern 2026 heißt es also wieder: Vorhang auf für Your Hometown Music. Zwei Abende, acht Bands, ein Ort – und ein musikalischer Mix, der genau so vielfältig ist wie die Region selbst.

Abou-Khalil studierte arabische und westliche Musik an der Beiruter Kunstakademie. 1978 flüchtete er vor dem libanesischen Bürgerkrieg nach München, wo er Querflöte bei Walter Theurer studierte. Sein Hauptinstrument blieb aber die Oud, die orientalische Kurzhalslaute.

Mit über 500.000 verkauften Tonträgern gehört Abou-Kahlil auf dem deutschen Jazzmarkt zur Spitze bei den Verkäufen. Allein im Jahr 1999 verlieh ihm aufgrund der verkauften Menge die Deutsche Phono-Akademie fünf German Jazz Awards. Durch seine Schallplatten und CDs wurden auch darauf mitmusizierende Künstler bekannt, etwa Howard Levy und Ramesh Shotham. Rhythmusgeber seiner frühen Musikprojekte waren die Rahmentrommel-Spieler Glen Velez bzw. Nabil Khaiat; in den letzten 15 Jahren trat Jarrod Cagwin an ihre Stelle.

Im Jahr 2006 trat Abou-Khalil auch zusammen mit dem BBC Symphony Orchestra auf; das zugehörige Album erschien erst 2010. In diesem Jahr war er auch mit dem ARTE Quartett zu hören.
Abou-Khalil wurde 2005 mit RUTH – Der deutsche Weltmusikpreis ausgezeichnet. In der Kategorie „Besondere Instrumente“ erhielt er den Deutschen Jazzpreis 2023.

Wie der Titel schon zeigt, werden auf der Tour nicht nur die zwölf Songs des Albums präsentiert. Darüber hinaus gewährt Lina Maly in persönlicher Atmosphäre auch Einblicke in den künstlerischen Prozess und ihre Gefühlswelt rund um das Werk. Der Talk findet im Austausch mit Daniela Ammermann (DASDING/WDR 1Live) als Moderatorin und dem Publikum statt.

Präsentiert wird die Tour von kulturnews und DIFFUS.

Tamikrest ist eine der bedeutendsten Sahara-Rockbands der Gegenwart, gegründet 2006 von Ousmane Ag Mossa, Cheikh Ag Tiglia und Aghaly Ag Mohamedine im abgelegenen Tinzawaten an der Grenze zwischen Algerien und Mali. Inspiriert von den Pionieren des Tuareg-Rocks, Tinariwen, und angetrieben vom Wunsch, der unterdrückten Stimme der Kel Tamasheq (Tuareg) eine globale Bühne zu geben, entwickelte die Band schnell einen eigenen, unverwechselbaren Sound.

Ihre ersten beiden Alben, Adagh (2010) und Toumastin (2011), zeigten bereits ihr außergewöhnliches Gespür für eingängige Melodien und tiefgründiges Songwriting. Mit dem Einstieg des französischen Gitarristen Paul Salvagnac für das dritte Album Chatma (2013) verstärkte sich die Band klanglich: Der Sound wurde rockiger, energiegeladener, ohne die Wurzeln in der Tamasheq-Tradition zu verlieren. Chatma, das den Kämpfen der Frauen in der Sahara gewidmet ist, wurde von der Fachpresse als Meilenstein des Ishumar-Genres gefeiert und 2013 mit dem renommierten Songlines Award für das beste Album des Jahres ausgezeichnet.

Die folgenden Alben Kidal (2017) und Tamotait (2020) festigten Tamikrests Ruf als musikalische Brückenbauer zwischen Tradition und Moderne. Ihre Musik verbindet hypnotische Trance-Elemente mit psychedelischem Rock und der rohen Energie der Wüste – ein Sound, der vor allem live seine volle Wucht entfaltet. Nach unzähligen Tourneen durch Europa, Afrika, Nord- und Südamerika, Japan, Südkorea und Australien gilt Tamikrest heute als eine der prägendsten Stimmen der afrikanischen Musikszene und als wichtiger Akteur der internationalen Rockkultur. Ihre Musik ist nicht nur Klang, sondern auch politisches Statement und kulturelles Erbe.

Malphino entführt in die mystische Welt eines fiktiven tropischen Inselstaats – ein Kollektiv aus Londoner Musikern und Künstlern, das mit „Visit Malphino“ ein filmreifes Debütalbum schuf. Hier verschmelzen hypnotische Cumbia-Rhythmen, digitale Triller, Akkordeonklänge und der raunende Charme von Voodoo zu einer einzigartigen Soundkulisse. Wer durch den imaginären Torbogen schreitet, betritt eine Idylle, die zum Entdecken einlädt.

Das Album ist ein episches Werk mit 17 Titeln, die wie ein Klangteppich die Mythologie der Insel erzählen. Jeder Track steht für ein eigenes Element, spiegelt das Wachstum einer Idee: vom lockeren Gedankenkreis weniger Freunde hin zu einer lebendigen, kollektiven Fantasie.

Nach dem Debüt kehrte Malphino 2021 mit einer Single auf Bongo Joe Records (Club Coco Compilation von Coco Maria) und einer neuen EP auf Lex Records zurück – und festigte so den Ruf als eine der kreativsten Formationen zwischen Tropik-Klängen und moderner Experimentierfreude.

Die Band setzt auf theatralische Performances mit Kostümen, die an tropische Rituale und Kolonialzeit-Romantik anknüpfen. Ihre Videos sind oft collageartig, kombinieren Animationen mit Live-Aufnahmen und schaffen so eine traumhafte, fast rituelle Atmosphäre.

Bei Konzerten wird die „Insel Malphino“ durch Lichtinstallationen, Projektionen von Dschungel- und Meeresmotiven sowie interaktive Elemente zum Leben erweckt. Das Publikum wird Teil einer fiktiven Expedition – zwischen Tiki-Kultur, Voodoo-Andeutungen und futuristischen Akzenten.

Malphino schafft ein Gesamtkunstwerk – die Musik ist nur ein Teil einer größeren, sinnlichen Erzählung. Die visuelle Sprache ist so einzigartig wie ihr Sound: eine Hommage an exotische Fantasien, durchzogen von moderner Kunst und DIY-Charme.
MADANII ist eine Genre-Rebellin, eine Künstlerin, die Grenzen verwischt und kreative Impulsgeberin aus Berlin. Mit einer künstlerischen Vision, die tief in der persischen Kultur verwurzelt ist und geprägt von ihrer Kindheit als Tochter politischer Geflüchtete in Deutschland, verwebt MADANII Rhythmen, Sprachen, Politik, Formen und Klänge zu einem neuartigen musikalischen und visuellen Mosaik.

In ihrer Musik erzählt MADANII eine autobiografische Geschichte des Andersseins, des Nicht-Dazugehörens und der Zerrissenheit zwischen Kulturen, generationenübergreifenden Träumen, politischen Absurditäten und queerer Liebe – all das spiegelt sich in einem einzigartigen Stil wider, der Einflüsse aus Avant-Pop, Alternative R&B und Trap vereint.

Bekannt für ihren interdisziplinären Ansatz, kreiert MADANII für jeden ihrer Songs eine zutiefst persönliches audiovisuelle Werk. Mit ihrem unverwechselbaren Stil haben ihr bereits Vergleiche mit Künstlerinnen wie Sevdaliza, FKA Twigs oder Rosalía eingebracht.

COSMICA BANDIDA ist ein kolumbianisch-deutsches Duo, bestehend aus Manuela Illera und David Blitz, das hypnotische Rhythmen, rohe Energie und kosmische Texturen mit dem Klanggeist tropischer Psychedelia verbindet. Mit analogen Disco-Synthesizern, kolumbianischen Cumbia-Grooves, peruanischen Chicha-Echos und elektrischen Beats ist ihr Sound sowohl ursprünglich als auch futuristisch. Ihre Live-Auftritte sind immersive Rituale, bei denen verzerrte Gitarren, sich wiederholende Melodien und tiefe Percussion mit stampfenden Basslines verschmelzen und sowohl den Körper als auch die Seele ansprechen. Sie sind bereits in mehreren Städten Europas aufgetreten und haben Konzerte für internationale Bands der globalen Psychedelic-Szene wie Meridian Brothers, Conjunto Media Luna und Altin Gün eröffnet.

Auf dem Debutalbum Fieras von 2025, erschienen bei TRIKONT, entfaltet sich ein musikalisches Universum voller Mythen, Rituale und sinnlicher Visionen. Psychedelische Texturen sorgen für mentale Frische und körperliche Zuckungen dank der unwiderstehlichen Macht der im Midtempo gehaltenen Cumbia-Grooves, zu denen sich verrückte Gitarre und Orgellines und Illera singt und flüstert dazu. Jeder Track öffnet eine neue Tür: von surreal über feurig bis zu hypnotisch reicht das Repertoire. Einflüssen aus Italo Disco, Trap und Latin Alternative kommen mal subtiler, mal offensichtlicher zu Tragen auf einem Album wie ein klangliches Ritual, das Körper, Schatten und Stimmen auf einer tropisch-kosmischen Tanzfläche vereint.

Los Babriks: Die aus allen Ecken der Welt stammende, sechsköpfige Band spielt eigene Kompositionen. Mit​ ​einer Mischung aus Cumbia, Chicha und Cumbia Psicodelica ziehen Los Babriks das Publikum in​ ​ihren Bann und laden ein zum Tanzen und Feiern.​ ​Die treibende Percussion-Sektion, bestehend aus Timbale, Conga und Bongo/Guiro,​ ​verschmelzen mit hypnotischen Basslines und bilden das Fundament für eine spannende​ ​Konversation zwischen E-Gitarre, Orgel und Gesang.​

​Die ursprünglich aus Kolumbien stammende Musikrichtung Cumbia verbindet afrikanische​ ​Rhythmen mit indigenen Melodien und spanischer Lyrik. Im Laufe der Zeit hat sich die Cumbia​ ​über den gesamten lateinamerikanischen Kontinent verbreitet und sich dabei immer weiter​ ​entwickelt bzw verändert.​ ​Durch die unterschiedlichen Einflüsse der Bandmitglieder entsteht eine interessante Mischung,​ ​wobei der Peruanische Style Chicha deutlich heraussticht. Während in der Kolumbianischen​ ​Cumbia Flöten und Akkordeon einen dominanten Platz einnehmen, sind es bei der Chicha​ ​E-Gitarre und Orgel.​
​Durch den Einfluss von Surf und Rockmusik der 60/70er Jahren, die zu dieser Zeit klanglich stark​ ​geprägt ist von Soundeffekten wie Overdrive, Echo, Delay, Wahwah und Vibrato/Chorus etc. ,​ ​entsteht auch in diesem Style ein psychedelisch anmutender Vibe, daher auch der Name Cumbia​ ​Psicodelica.​

​Das Projekt Los Babriks entsteht 2022. Gegründet durch Mauricio-Joran Ceseña und Hector Tapia,​ ​die sich vorerst zu zweit im Studio treffen, um an ihrem ersten Album zu arbeiten.​ ​Weitere Musiker schließen sich dem Projekt an: Jose Maldonado an den Congas, John Marinelli an​ ​der Orgel, Gonzalo Blasco an der E Gitarre und Minori Shimayama an den Timbales.​ ​2023 spielen die Babriks ihr erstes Konzert im Café Sonderbar auf dem Kultfestival Dachau.​ ​Im​ ​April​ ​releast​ ​die​ ​Band​ ​ihr​​Debütalbum​​„El​​Vuelo​​del​​Babrik“​​über​​OneWorldRecords​​auf​ ​allen Streaming Plattformen​​und auf Vinyl.​

​Im​ ​Laufe​ ​des​ ​Jahres​ ​erscheinen​ ​zwei​ ​Live-Sessions​ ​auf​ ​YouTube​.​ ​Los​ ​Babriks​ ​spielen​ ​zahlreiche​ ​Konzerte,​ ​angefangen​ ​von​ ​einer​ ​ausverkauften​ ​Album-Release-Party​ ​über​ ​Straßenfestivals und Clubkonzerte bis hin zu Elektrofestivals begeistert die Band ihr Publikum.​

Cumbia Dub Club ist ein Projekt, das 2009 innerhalb der Wohnprojekte und der alternativen Szene in Tübingen entstanden ist. „Your local cumbia dealer“ – Petardo – ist Peruaner und legt Musik von Vinyl bis hin zu digitalen Formaten auf. Eine musikalische Reise von Kuba nach New York, von Cartagena nach Lima und von Buenos Aires nach Mexiko – Cumbia, Guaracha, Salsa, Boogaloo sind nur einige der Stilrichtungen, die in dieser musikalischen Auswahl erklingen.

Yagody inszeniert ihre Konzerte wie Theaterstücke – ritualistisch, tranceartig und voller lebendiger Energie, die an die Stimmen der Ahnen und die Naturgebundenheit der Menschheit erinnert. Die Band überzeugt durch eine einzigartige Mischung aus Folklore, zeitgenössischer Musik und visueller Bühnenshow, die das Publikum in einen „musikalischen Rausch“ versetzt. Ihr Name bedeutet „Beeren“ – und so ist auch ihre Musik: erdverbunden, süß und mit einem Kick. Die Band hat sich auch international einen Namen gemacht, unter anderem als Teilnehmer am ukrainischen Vorentscheid für den Eurovision Song Contest 2024.

Zu jedem Moment im Leben eines Menschen passt ein Song – sagt Zoryana Dybovska, die Yagody im Jahr 2016 im westukrainischen Lwiw mit Studentinnen der Theater-Fakultät gegründet hat. Die vier reisten durch mehrere Oblaste der Ukraine, um dort die musikalischen Überlieferungen der Menschen aufzuspüren. Aus dieser unerschöpflichen Anzahl an Melodien, Rhythmen und Themen kreieren Yagody ihren spannenden und unverwechselbaren Sound, unterstützt von Musikern an Schlagzeug, Gitarre, Akkordeon oder der Drymba, eine Maultrommel der Huzulen aus den Karpaten.

2020 brachten Yagody ihr Debüt-Album heraus, und es folgten große Auftritte wie zum Pannonica Folk Festival in Polen, KunstFestSpiele in Hannover, Telemarkfestivalen in Norwegen oder zum Lodžie Worldfest in Jičín, Tschechien. Yagody sind im Theater zu Hause und verwirklichen ihre musikalischen Ideen für die Bühne nach dramaturgischen Prinzipien; ein Konzert ist wie eine Performance in einem Akt. Als ein Conférencier die bis dahin noch namenlose Band bei ihrem ersten Konzert ankündigte, nannte er sie spontan 'Yagody', auf Deutsch 'Beeren'. Anfang 2024 gewannen sie in der Endrunde des ukrainischen Vorentscheides zum Eurovision Song Contest den fünften Platz und die Herzen von Millionen Zuschauern.

Ein Konzert mit Yagody ist ein Ritual. Es ist das Hineinhören in das innere Ich. Da ist das Atmen des Windes im Felde, ein Klang wie die Stimme unserer Vorfahren. Die Zuhörer sind umhüllt von lebendiger Energie und musikalischer Trance. Ein Tanz der Stimmen im Puls des Menschseins. Die Lieder von Yagody sind wie Liebesbriefe aus der Vergangenheit, die noch nicht angekommen sind. Yagody ist zweifellos eine der charismatischsten ukrainischen Folk-Bands!

Frikun ist ein Afro-Rock-Quartett aus dem Baskenland, das mit seiner Musik Brücken zwischen Kontinenten und Genres schlägt. Ihr Sound lebt von mitreißenden Melodien und treibenden, oft ungeraden Rhythmen – eine fesselnde Mischung aus westafrikanischen Grooves, Psychedelic Rock und modernem Jazz. Statt auf Folklore-Klischees zu setzen, kreiert die Band einen unverwechselbaren, kosmopolitischen Klang: vertraut und doch voller Überraschungen, traditionell inspiriert, aber stets frisch und eigenwillig.

Mit der Veröffentlichung ihres Albums „Ezerezko Herria“ („Das Land der Leere“) im Jahr 2022 gelang Frikun der Durchbruch – und damit der Sprung auf internationale Bühnen und renommierte Festivals wie EHZ, MusicaLagos oder Musikolore. Dort teilten sie sich die Stage mit Größen wie Grupo Compay Segundo, Ryon oder Ah! Kwantou. 2025 folgten vier neue Singles, aufgenommen im Etxepare-Studio (bekannt für Produktionen von Esne Beltza, Vendetta u. a.), die bereits einen vielversprechenden Ausblick auf das für 2026 geplante Album geben.

Riserva Moac wurde 2003 in Bojano, einer kleinen Stadt etwa 80 km nordöstlich von Neapel in der italienischen Region Molise, gegründet. Der Name „Moac“ steht als Akronym für „Molise Oriente Africa Cuba“ – ein Symbol für die globale Verbundenheit, die die Band durch ihre Musik schaffen möchte. Ursprünglich als Folk-Rock-Band gestartet, mischte das Kollektiv von Anfang an lokale Musiktraditionen mit Rock-Elementen. Mittlerweile sind ihre Einflüsse noch vielfältiger: von Hip-Hop über Balkanbeat bis hin zu Polka, Jazz und irischer Musik. Die Band singt nicht nur auf Italienisch, sondern auch in lokalen Dialekten, die sie als Brücke zu kulturellen Traditionen und zur Geschichte Süditaliens versteht.

Die Band ist bekannt für ihre lebendigen Live-Auftritte und hat bereits in vielen europäischen Ländern (Frankreich, Schweiz, Niederlande, Deutschland, Österreich) sowie in den USA getourt. Riserva Moac setzt sich für soziale Themen ein und versteht ihre Musik als Mittel, um auf Missstände aufmerksam zu machen und Menschen zu verbinden. Die Band gilt als eine der wichtigsten Vertreter der italienischen Weltmusik-Szene.

Bisher hat Riserva Moac vier offizielle Alben veröffentlicht: Bienvenido (2005) La musica dei popoli (2009) Babilonia (2015) Tintilia Gran Riserva (2019). 2025 erschien die neue Single „Revolution“.

Ihr Album „No Place Is Home“ (2018) generierte über 375 Millionen Streams und machte die fünfköpfige Band international bekannt. Ihre aktuelle Platte „Wasted Words & Bad Decisions“ (2023), aufgenommen in einem abgelegenen Farmhaus nahe Cleveland, zeigt eine gereifte und persönlichere Klangästhetik.

2025 veröffentlichten WELSHLY ARMS zwei neue Singles: „Glorious“ und „In Chills“. Die Songs zeigen zwei unterschiedliche Seiten der Band: „Glorious“ ist eine kraftvolle Hymne über Durchhaltevermögen, inneres Feuer und Triumph über schwierige Zeiten, während „In Chills“ den Sound der Band auf seine emotionale Essenz reduziert und verletzliche, intime Momente zwischen Kontrolle, Hingabe und Unsicherheit einfängt. Gemeinsam verdeutlichen die Singles die Balance zwischen Stärke und Verletzlichkeit, die die Band ausmacht.

WELSHLY ARMS, deren Songs auch in populären Medien wie Quentin Tarantinos preisgekröntem Film The Hateful Eight (Trailer), Underground 6 (Netflix), Empire (Fox) und FIFA (EA Sports) zu hören sind, freuen sich darauf, ihre Hits und aktuellen Singles im Sommer 2026 wieder live auf die Bühne zu bringen. Neben zwei Terminen in Deutschland, darunter das Deichbrand Festival und eine Open- Air-Veranstaltung in Reutlingen, treten sie auch in Polen und Tschechien auf und werden Musikfans in ganz Europa begeistern.

Wichtige Hinweise für unsere Gäste:

• Keine Schirme erlaubt: Aufgrund von Verletzungsgefahr und Sichteinschränkungen sind Schirme auf dem Gelände nicht gestattet. Bitte bringen Sie bei Regen einen geeigneten Regenschutz mit.

• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

• Mitbringen von Getränken und Speisen: Das Mitbringen von eigenen Getränken und Speisen ist nicht erlaubt.

• Verzicht auf größere Taschen: Wenn möglich, verzichten Sie bitte auf größere Taschen und Rucksäcke, um die Sicherheitskontrollen zu erleichtern.

• Foto- und Videokameras: Professionelle Foto- und Videokameras dürfen nicht mitgeführt werden. Handy- und Pocketkameras sind jedoch erlaubt.

• Awareness-Hinweis: Auf dem Veranstaltungsgelände steht Ihnen unser Awareness-Team jederzeit zur Verfügung. Bitte wenden Sie sich an unser Team, wenn Sie Unterstützung benötigen oder unangenehme Situationen erleben.