Folk

Yann Honoré – One man Celtic orchestra
Der bretonische Multiinstrumentalist Yann Honoré spielt Whistles, Cello, E-Bass, E-Gitarre und Percussion. Er ist ein Meister der Loops. Yann spielt ein Riff, nimmt dieses auf und lässt es in einer Wiederholungsschleife laufen. Dann setzt er weitere Riffs dazu, bis er eine pulsierende und vielschichtige Klanglandschaft aus Loops geschaffen hat. Last but not least wählt er ein Instrument aus, mit dem er sich als Solist an die Spitze dieses orchestralen Klanges begibt und seine Virtuosität ausspielt.
Seine Kompositionen sind sowohl in der bretonischen, irischen aber auch nordafrikanischen traditionellen Musik verwurzelt. Yann hat sich in seiner gut vierzigjährigen Laufbahn in der Bretagne viel Respekt erspielt. So war er unter anderem Gitarrist und Bassist der Celtic Rock Band Glaz, dann Produzent der charismatischen Sängerin Gwennyn und ist auch aktuell Mitglied der traditionellen Band Buzz Buddies. Er wird Eigenkompositionen seines wunderbaren Albums „Autoportrait“ spielen und die Zuschauer als ein „One man Celtic orchestra“ verzaubern.

Eva Coyle & Band – a musical secret from the Emerald Isle
Die Singer-Songwriterin Eva Coyle aus Athlone besitzt eine Stimme von außergewöhnlichem Timbre – sanft, doch kraftvoll, berührend und zugleich erfrischend. Wie der ­Morgentau, der sich auf herbstliche Blätter legt und das Licht der aufgehenden Sonne einfängt, kühlt und belebt ihr Gesang die Sinne. Wenn sie ihre Texte ins Mikrofon haucht – eine kunstvolle Balance zwischen Realität und Fiktion – entfaltet sich eine Magie, die das Publikum in ihren Bann zieht.
Besonders eindrucksvoll ist ihr Spiel am Keyboard, mit dem sie ihre Stimme meisterhaft begleitet. Doch sie ist auch eine Akkordeonistin, die bei den Instrumentals so richtig in die Tasten greift. Doch Eva blickt musikalisch über Irlands Grenzen hinaus: Ihre Vorliebe für die skandinavische Folktradition verleiht manchen Arrangements eine nordische Erdigkeit, die ihre Musik noch facettenreicher macht. Ein Sound, den man nicht mehr loslassen will. Ein Sound der einen nicht loslässt.
Ihr Quartett kreiert einen Klang, der sich anfühlt wie eine wohlige Wärmflasche an kalten Wintertagen – ein Sound, den man an sich drückt und nicht mehr hergeben mag. Stilistisch eher „folky“ als streng traditionell, doch unverkennbar irisch durch den Einsatz von Fiddle und Akkordeon. Gleichzeitig bringt die Band mit einem Drummer ordentlich Druck auf die Bühne, sodass sich der folkige Sound tanzbar und poppig entfaltet. Nach ihrer EP „Feels like Rain“ (2018) begeisterte das Album „Down to the Shore“ (2022) Publikum und Kritiker gleichermaßen. Mark Redcliff von BBC Sounds schwärmte: „I adore Eva’s sound and look forward to hear more.“
Die Musiker – Meister ihres Fachs
Zum unverwechselbaren Klang der Band tragen vier herausragende Musiker bei:
Sean O’Dalaigh (Fiddle, Gesang) – Er verleiht den Songs orchestrale Tiefe, setzt markante Harmony Vocals und entfacht mit energiegeladenen Jigs & Reels pure Lebensfreude. Bei diesen zeigt Eva ihre Virtuosität am Akkordeon.
John Shanagher (Gitarre) – Sein Gitarrenspiel wirkt wie ein sanftes, luftiges Kissen, auf dem sich jede Stimme perfekt entfalten kann. Mit seiner Begleitung klingt alles entspannt und mühelos.

Stephen Shanly (Drums) – Ein Schlagzeuger mit Feingefühl und Wucht zugleich. Mit subtilen Impulsen und treibenden Grooves gibt er dem Sound der Band eine packende Dynamik.
Ein Geheimtipp, den man nicht verpassen sollte! Eva Coyle und ihre Band gehören zu den bestgehüteten Geheimnissen der Grünen Insel – noch. Wer sie einmal gehört hat, wird sie nicht vergessen.

Billow Wood – Old Ireland meets new Ireland

Man muss die Vergangenheit gut kennen um die Gegenwart zu verstehen und die Zukunft deuten zu können. Die fünf aus der nordwestlichen Grafschaft Mayo sind musikalische Wünschelrutengänger, die all diese Strömungen unter der kulturellen Oberfläche der grünen Insel ertasten und ans Tageslicht bringen. Ihre Musik ist sowohl modern, hip als auch respektvoll in der irischen Tradition verwurzelt. Seit über einem Jahrzehnt sind sie auf Tour bzw. Mission: Old Ireland meets new Ireland.
Sie schreiben den überwiegenden Teil ihrer Songs selbst, aber sie interpretieren diese auf traditionellen Instrumenten wie Harfe, Fiddle, Tin Whistle, Bodhrán, Akkordeon. Aber auch Schlagzeug und Gitarre. So haben neue musikalische Ideen trotzdem eine Anbindung an den Sound, den man vom Irish Folk her kennt. Aber auch die Inhalte der Lieder sind am Irland von heute orientiert und an dem, was junge Iren aktuell umtreibt. Das absolute Markenzeichen der „WOODIES“ – wie sie liebevoll ihre Fans nennen –, ist der überragende mehrstimmige Gesang.
Eine rein traditionelle Irish Folk Band wird leider dank unseren verkrusteten Medienlandschaft nie einen Hit haben, aber Singer/Songwriter vom Kaliber wie BILLOW WOOD können es mit ihrem teils poppigen, teils Indie-Unterton schaffen. Bereits über ihre Debüt-EP schwärmte das renommierte HotPress Magazin, das z.B. U2 vor vielen Jahren entdeckte: _„A rising act you should keep an eye and ear on.“
_In Irland sind die „WOODIES“ Jahr für Jahr gern gesehene Gäste beim größten irischen Festival – dem Electric Picknick mit gut 160.000 Besuchern. Das können wir Ihnen in Deutschland zwar nicht bieten, aber die Fans des Irish Heartbeat werden die „Woodies“ feiern, die eine ganz besondere St. Patrick’s Day Stimmung in die Säle zaubern.

Zu ihrem 40-jährigen Jubiläum gehen die sechs Musikerinnen und Musiker von 2025 bis 2027 auf weltweite Tournee, die sie neben USA und Kanada vor allem nach Europa führen wird, denn schließlich nahm die Geschichte der Band in den 80er Jahren hier ihren Lauf. Nebenbei produzieren die Klezmatics ihr ambitioniertestes Studioprojekt „The New York Sessions“, ein Album als Hommage an den kulturellen Schmelztiegel New York. Das Album enthält neu interpretierte Hymnen, kraftvolle neue Eigenkompositionen und mehrsprachige Kompositionen, die Jiddisch mit Uigurisch, Kurdisch, Arabisch, Armenisch, Ukrainisch und weiteren Sprachen zusammen führen. Neben diesem Album ist auch die Wiederveröffentlichung von einigen ihrer relevantesten CDs geplant. The Klezmatics haben im Verlauf ihrer spannenden Bandgeschichte viele musikalische Kooperationen realisiert, und werden auf ihrer Jubiläums-Welttournee die ein oder andere Überraschung auf der Bühne herbeizaubern. Jede Show wird mit bekannten und neuen Songs zu einer ekstatischen Würdigung des umfangreichen Schaffens der Klezmatics und steht für eine frohe Zukunft der Klezmermusik!

The Klezmatics sind die einzige Klezmer-Band, die jemals einen Grammy-Award gewonnen hat. Den gab es im Jahr 2007 in der Kategorie „Best Contemporary World Music Album“ für ihr herausragendes Projekt „Wonder Wheel: Lyrics by Woody Guthrie“, bei dem sie sich mit den gesellschaftskritischen Texten von Woody Guthrie auseinandersetzten. Heraus kam ein Album und ein bis heute weltweit immer wieder aufgeführtes und gefeiertes Konzertprogramm. Die Band hat insgesamt 13 erfolgreiche Alben veröffentlicht, sind an die Spitze der Billboard World Music Charts gelangt und haben zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter den deutschen Kritikerpreis oder den New York Jewish Music Award. The Klezmatics sind in über 20 Ländern und an den renommiertesten Konzerthäusern und Festivals der Welt aufgetreten, von der Carnegie Hall über europäische Kathedralen bis hin zu großen Rockfestivals. Die Musik der Klezmatics ist regelmäßig Teil von Filmen, TV-Produktionen, Theaterstücken und Performances. So waren ihre Songs z.B. bei der Late-Night-Show mit David Letterman oder in HBOs 'Sex and the City' zu hören. The Klezmatics haben mit einer großen Bandbreite von Künstlern zusammengearbeitet, darunter mit dem Violinisten Itzhak Perlman, dem israelischen Star Chava Alberstein, dem Gospelsänger Joshua Nelson, Arlo Guthrie, dem Dichter Allen Ginsberg, Theodore Bikel und vielen mehr.

Kooperationspartner:
yidishland - Musik & Kultur Organisation e.V. & yidish-festival - SPRACHE · KULTUR · KLEZMER · MUSIK.
dai - Das Deutsch-Amerikanische Institut Tübingen stärkt die transatlantische Verständigung zwischen Deutschland und den USA – offen, demokratisch und bürgernah.

LISÆ ist der Sound von Wut und Zärtlichkeit, von Power und Widerstand. Ihre Musik ist eine Kampfansage ans Patriarchat und eine Liebeserklärung an kollektive Heilung. Seit 2024 steht die queerfeministische Band LISÆ auf Bühnen – mit Pop, Rap, Indie und Rock. Ihre Musik ist gefühlvoll und empowernd und richtet sich an alle, die genug von gesellschaftlichen Ungerechtigkeiten haben.

2022 erscheint „Emilie“ als Urknall-Single, die erste EP „Fühlst du dich allein“ landet im März `23 und Support-Slots für Ok Kid, Mayberg, Betterov oder JEREMIAS folgen. LENA&LINUS verkaufen ihre erste Headliner-Tour aus und finden sich auf unzähligen renommierten Festival-Bills wieder. Im September `23 schließt sich EP #2 „Sekundenschlaf“ und 2024 die zweite Tour an: Mit Band auf der Bühne und lust for live spielen LENA&LINUS Sets zwischen druckvoll und zärtlich. 2025 peakt schließlich für LENA&LINUS, denn ihr langerwartetes Debüt-Album „Wir verglühen“ erscheint im März!

Die Songs darauf sind der ein coming of age-Soundtrack, der sich irgendwo zwischen den melancholischen Weiten des Universums, intimen Momenten des Alltags, sehnsüchtiger Wehmut und Jugend-Nostalgie abspielt. LENA&LINUS‘ Lieder sind ehrlich, direkt und tragen die Schwere und Leichtigkeit des Wachstumsschmerzes der Jugend in sich. „Unsere Lieder sind genauso geschrieben, wie wir es auch sagen würden“, betont das Duo, und das fühlt man auch. Jeder einzelne LENA&LINUS-Song ist ein vertrauter Dialog zwischen zwei Freunden, die einander ihr Innerstes und Heiligstes anvertrauen. Und genau so entstehen auch ihre Songs: zu zweit, intim, im WG-Zimmer.

Daher verwundert es nicht, dass sich „Wir verglühen“ anhört wie Momentaufnahmen aus Selbstgesprächen und Freundschafts-Dialogen, in denen man gemeinsam über vergangene Abenteuer, verlorene Momente und die Suche nach Identität reflektiert. Dabei wechseln sich nachdenkliche Texte mit euphorischen Melodien ab – und schaffen es, den ungreifbaren Prozess des Erwachsenwerdens, den jeder durchläuft, aber nur die wenigsten beschreiben können, fassbar zu machen.

Buntspecht sind eine mitreißende Live-Band, wer sie einmal gesehen hat, wird das nicht wieder vergessen. Beinahe jeder ihrer Songs öffnet ein neues Universum, weist in eine andere Richtung, aber alle zusammen bilden sie auf nahezu magische Weise eine Einheit, ein homogenes Werk. Buntspecht gelingt es, aus der Vielzahl ihrer Einflüsse ein stimmiges Ganzes und somit einen zauberhaft schwelgerischen Indie-Kammerpop-Sound zu formen. Niemand klingt aktuell wie Buntspecht. Sie sind ganz allein da draußen.

Wichtige Hinweise für unsere Gäste:

• Keine Schirme erlaubt: Aufgrund von Verletzungsgefahr und Sichteinschränkungen sind Schirme auf dem Gelände nicht gestattet. Bitte bringen Sie bei Regen einen geeigneten Regenschutz mit.

• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

• Mitbringen von Getränken und Speisen: Das Mitbringen von eigenen Getränken und Speisen ist nicht erlaubt.

• Verzicht auf größere Taschen: Wenn möglich, verzichten Sie bitte auf größere Taschen und Rucksäcke, um die Sicherheitskontrollen zu erleichtern.

• Foto- und Videokameras: Professionelle Foto- und Videokameras dürfen nicht mitgeführt werden. Handy- und Pocketkameras sind jedoch erlaubt.

• Awareness-Hinweis: Auf dem Veranstaltungsgelände steht Ihnen unser Awareness-Team jederzeit zur Verfügung. Bitte wenden Sie sich an unser Team, wenn Sie Unterstützung benötigen oder unangenehme Situationen erleben.

Das Sextett um Sänger Tim und Sängerin Shan ist seit 2013 nicht mehr aus der englischen Folkpunk-Szene wegzudenken. Die Band aus der südenglischen Grafschaft Dorset ist für ihre spektakulären und energiegeladenen Live-Auftritte bekannt. Black Water County spielen Eigenkompositionen, greifen aber auch auf bekannte Traditionals und Shantys zurück. Traditionelle Folkinstrumente wie Tin Whistle, Banjo und Geige werden von der Band mit schnellen und kräftigen Punkrhythmen gekonnt in Szene gesetzt.

Zu den bisherigen Auftritten der Band auf britischen Festivals zählen WOMAD, Boomtown Fair, Beautiful Days, Belladrum, Black Deer, Tunes in the Dunes, Camp Bestival, Larmer Tree und Teddy Rocks sowie Hunderte kleinerer britischer Festivals und Festival-Slots in Deutschland, Belgien, der Schweiz, den Niederlanden und Frankreich.

2017 veröffentlichten sie unabhängig ihr erstes Album "Taking Chances" und begaben sich auf ihre erste UK-Tour, bevor sie im folgenden Jahr bei der Booking-Agentur Midnight Mango unterschrieben. In den beiden darauffolgenden Jahren gab es drei nationale Headline-Tourneen mit einer stetig wachsenden Anzahl an ausverkauften Veranstaltungsorten, sowie eine Reihe von hochkarätigen Support-Slots in ganz Großbritannien und Genres, die von modernem Folk bis hin zu klassischem Ska-Punk reichen.

Sowohl 2016 als auch 2018 gewann Black Water County einen Platz auf der "Fuelling the Fire Tour" von Fireball, bei der sie unter anderem Less Than Jake, Flogging Molly, The Bronx und The Skints begleiteten. In der Folge erschienen sie in der Online-Berichterstattung von Kerrang! über die Tour, erhielten eine Empfehlung von Fireball UK und traten mit der Single "Rise and Fall" auch bei BBC-Radiosendern auf.

Das zweite Studioalbum der Band, "Comedies and Tragedies", wurde im März 2020 veröffentlicht, mit einer zweiten ausverkauften Show in The Old Firestation, Bournemouth (die erste im Jahr 2019). Allerdings wurde die Albumtournee plötzlich abgebrochen, als nur drei Tage später die globale Pandemie ausbrach und die Welt der Live-Musik auf den Kopf stellte.

Wenn "Taking Chances" eine post-universitäre Geschichte über das Leben in den frühen Zwanzigern ist, in der man gegen alles rebelliert, was einer guten Zeit im Wege steht, dann ist "Comedies and Tragedies" eine Fortsetzung des Realitätschecks, voller Unsicherheit und dem Kampf um die eigene Identität.

Die Songs wechseln sich ab mit rasanten Instrumentalstücken, die vom virtuosen Zusammenspiel von Fiddle und Uilleann Pipes leben. Der 2017 zum UNESCO Weltkulturerbe erhobene irische Dudelsack wird gespielt von Simon Pfisterer, der dieses außergewöhnliche Instrument an der Universität in Limerick studiert hat. Das elegante und ausdrucksstarke Fiddle-Spiel von Gudrun Walther wird im In- und Ausland von der Fachpresse hoch gelobt. Was CARA außerdem besonders macht, sind die Interaktion von Gitarre und Piano und die ausgefallenen und rhythmisch und harmonisch reichhaltigen Arrangements der Band. Sie tragen die Handschrift von Jürgen Treyz, Gitarrist, Produzent und musikalisches Mastermind der Band.

Vom Opener bis zur Zugabe setzen CARA in ihren Konzerten Glanzpunkte, nicht zuletzt durch die packenden Soli, die jedes Bandmitglied beisteuert, und sie überraschen das Publikum mit immer neuen Klängen. Abgerundet durch die charmant-humorvolle Präsentation garantiert ein Abend mit Cara höchsten musikalischen Genuss und beste Unterhaltung. Tourneen und umjubelte Konzerte in den USA, Australien, Irland, Schottland, Dänemark, Deutschland, Frankreich, Benelux, Österreich, Italien und der Schweiz belegen die Erfolgsgeschichte der Band.

Auf der internationalen Kulturbörse in Freiburg gewannen CARA Anfang 2018 die „Freiburger Leiter“ in der Sparte Musik, und wurden 2020 mit dem „Kaarster Stern“ ausgezeichnet, dem Kulturpreis der Stadt Kaarst.

Im Dezember 2020 lud Star-Geiger Daniel Hope die beiden Gründer von CARA zu sich nach Berlin ein, und das „Wohnzimmerkonzert“ wurde live europaweit auf ARTE concert ausgestrahlt.

Im Oktober 2021 veröffentlichten CARA ihr lange erwartetes neues Album Grounded, welches mit euphorischen Rezensionen begrüßt wurde. Das renommierte Musikmagazin The Living Tradition setze CARA im November 2021 als Titelstory aufs Cover.

2022 feierte die Band ihr 20-jähriges Jubiläum u.a. mit einem großen Konzertabend im Rahmen des Festivals Celtic Connections in Schottland, zu dem prominente Gastmusiker und ehemalige Bandmitglieder eingeladen waren. 2023 begeisterte die Band mit ihrer 20th Anniversary Tour das Publikum in über 50 Spielorten.

Die Musikerinnen und Musiker:

Gudrun Walther, lead vocals, fiddle, diatonic accordion

In einer musikalischen Familie u.a. mit deutscher, irischer und französischer Folkmusik aufgewachsen, begann Gudrun im Alter von sechs Jahren Folkmusik auf der Geige zu spielen. Sie ist heute eine der gefragtesten und angesehensten Musikerinnen in der deutschen Folkszene. Zusammen mit Jürgen Treyz spielt sie in der Band Deitsch deutsche traditionelle Musik. Als Duo arbeiten die beiden gerne mit Musikern aus ganz Europa zusammen - mit Aaron Jones und Claire Mann als The 2duos/Litha, mit Oisín MacDiarmada und Samatha Harvey als Fiddles & Feet, mit VÄSEN sowie mit Nuala Kennedy, Kirstine Elise Pedersen, Albin Paulus und Andy Cutting im Rahmen des Projekts „plus one“.

Gudrun gewann mit ihrer Musik und ihren Aufnahmen zahlreiche Preise, gastierte auf genreübergreifenden Alben (El Houssaine Kili, Söhne Mannheims, Le Concert Spirituel), trat als Solistin mit Orchester auf (Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz) und arbeitete als Produzentin und Co-Produzentin im Studio. Im Jahr 2024 wurde sie mit Deitsch gebeten, im Rahmen des Rudolstadt Festivals ein Sonderkonzert zum Länderschwerpunkt Deutschland mit einem Sinfonieorchester (Thüringer Symphoniker) zu geben, welches live im MDR gesendet wurde. Ihre eigenen Lieder und Melodien sind ein fester Bestandteil von Cara und wurden bereits von Folkbands in den USA und Großbritannien gecovert und aufgenommen. 2016 vertrat sie bei einem Festivalauftritt den bekannten Sligo-Fiddler Oisín MacDiarmada bei seiner Band Téada.

Im Jahr 2022 veröffentlichte sie „High Doh“, ein Trio-Album mit Damian McKee (Beoga) und Aaron Jones (Old Blind Dogs), und begann in ihrem neuen Duo mit dem weltbekannten Knopfakkordeonisten Andy Cutting aus England zu touren. Ihr Duo-Album „Conversations“ gewann im Februar 2024 den renommierten „Preis der deutschen Schallplattenkritik“ und wurde u.a. von Songlines (UK), Concerto (A), Folk London Magazine (UK) und Folk Wales (UK) mit 5 von 5 Sternen ausgezeichnet.

Kim Edgar, lead vocals, piano

Kim stammt aus Edinburgh in Schottland und ihre Karriere als Solokünstlerin hat ihr den Titel „Scotland’s very own Tori Amos“ (Sunday Herald) eingebracht. Ihre Songs spiegeln ihre Begeisterung für Horror, Mythen und Märchen, Feminismus und Geschichte - alles Themen, mit denen sie sich in ihrem Studium für Englische Sprache und Literatur eingehend beschäftigte. Das Fundament ihrer Songs legt sie am Klavier, an welchem sie eine klassische Ausbildung genossen hat. Ihr Debut-Album „Butterflies and Broken Glass“ wurde von „Scotland on Sunday“ mit fünf von fünf Sternen ausgezeichnet. Ihr zweites Album „The Ornate Lie“ erreichte Platz 11 der „Sunday Herald’s Top Scottish Albums of 2012“ und wurde von „Spiral Earth“ für das beste Album 2012 nominiert. BBC Radio Scotland kürte sie als „Songwriter of the week“. Kim war Mitglied der „Burns Unit“, mit denen sie unter anderem in der Show von TV-Ikone Jools Holland und vor der Queen höchstselbst auftrat. Ihr Album „Held“ aus dem Jahr 2020 wurde während der Pandemie aufgenommen und veröffentlicht, und ihr neuestes Album „Consequences“, das Kollaborationen mit Ron Sexsmith, Boo Hewerdine und Rachel Sermanni enthält, wurde bei den Celtic Connections 2023 vorgestellt und erhielt her- vorragende Kritiken.

Simon Pfisterer, uilleann pipes, flute, whistles

Simon hat an der Universität in Limerick Uilleann Pipes studiert und einen Abschluss als Bachelor of Arts in Irish Traditional Music and Dance (first class honours). Er ging im Juli 2021 als Ersatz für den verletzungsbedingt ausgefallenen Hendrik Morgenbrodt mit CARA auf Tournee und konnte bis Ende des Jahres bereits auf beeindruckende 27 Konzerte zurückblicken. Seit Januar 2022 gehört Simon offiziell zur Stammbesetzung von CARA und trägt mit seinem unverwechselbaren Stil auf den Uilleann Pipes, welcher von seinem Lehrer Blackie O’Connell und musikalischen Vorbildern wie Paddy Keenan beeinflusst wurde, zum Sound der Band bei.

Er spielt auch im irischen Quartett „3 on the bund“ und im Duo mit seiner Frau Susan Coleman. Sein Doppel-Solo-Album „Half Way There“ und „Another Way to Go” wurde 2022 veröffentlicht und katapultierte ihn an die Spitze der jungen Generation irischer Musiker. Das Irish Music Magazine schrieb: „sizzles with a wild youthful burst of energy”, und die NPU (irische Gesellschaft für Uilleann Pipes) nahm Simon 2023 offiziell in ihr online-Archiv mit Live-Videos wichtiger zeitgenössischer Piper auf!

Jürgen Treyz, guitar, dobro, backing vocals

Jürgen studierte Jazz-Gitarre am MGI München, beschäftigte sich daneben jedoch intensiv mit traditioneller und mittelalterlicher Musik. Er gründete 1993 das artes Tonstudio in Esslingen, das sich auf Folk und akustische Musik spezialisiert hat. Als Gitarrist, Komponist und Arrangeur von Hörspielmusiken, TV- und Theatermusik hat er bislang mehr als 90 CDs mit eigener Musik veröffentlicht und erhielt für die hörbar Folk-beeinflussten Produktionen mehrfach Preise und Auszeichnungen. 2006 rief er zusammen mit Gudrun Walther das Projekt „Deitsch“ ins Leben, welches sich mit traditioneller Musik aus Deutschland beschäftigt. Die erste CD „Königskinder“ wurde von den Kritikern in den höchsten Tönen gelobt und als wichtiger Bestandteil zur Erhaltung der deutschen Folkmusikkultur gefeiert. Das zweite Album „Heimat“ wurde mit dem „Preis der deutschen Schallplattenkritik“ ausgezeichnet, „Mittsommer-Sessions“ von 2019 wurde im FOLKER als „Die Besondere“ CD gekürt.

Diese Arbeit führen Jürgen Treyz und Gudrun Walther mittlerweile auch im Duo fort, ihr Doppel-Album „DUO“ (2017) bekam herausragende Rezensionen. Das 2022 erschienene Album „plus one“ featured Kirstine Elise Pedersen (DK), Albin Paulus (A), Andy Cutting (UK), Aaron Jones (UK) und Nuala Kennedy (IRE) und setzt einen weiteren Glanzpunkt in der wachsenden Liste der internationalen Kollaborationen mit namhaften Musikern („Litha“ mit Claire Mann und Aaron Jones, „Fiddles & Feet“ mit Oisín MacDiarmada und Samantha Harvey sowie die Zusammenarbeit mit Olov Johansson und Mikael Marin von „VÄSEN“).

2018 veröffentlichte er im Verlag von Acoustic Music ein Gitarren-Lehrbuch mit CD, für welches er deutsche Tanzstücke aus alten Handschriften für Fingerstyle-Gitarre aufbereitet hat. Aus seiner Zusammenarbeit mit Kabarettist und Autor Bernd Kohlhepp entstanden einige Audio-CDs und Hörspiele für Kinder, zuletzt erschien „Kokolores“ im Jahr 2022.

Minnie Marks ist nicht nur eine begnadete Gitarristin, die mit ihrer Musik die Welt elektrisiert. Sie ist auch eine seltene Dreifachbegabung: Sängerin, Songwriterin und Multi-Instrumentalistin. Manche bezeichnen sie als „akustischen Tsunami”. Unmöglich zu ignorieren.

Mit ihrer alten Goldtop über der Schulter und einem revolutionären Fußtrommel an den Füßen tourt sie unermüdlich um die Welt. Marks erweitert ständig musikalische Grenzen mit ihrer wilden, atemberaubenden, dynamischen Gitarrenkunst und ihrer wahnsinnig kraftvollen, souligen Stimme, die ihre Wahrheit durch ihre Songs herausbrüllt, als hinge ihr Leben davon ab. Und als ob das noch nicht genug wäre, erzeugt sie gleichzeitig mit ihren freien Gliedmaßen auf ihrem Foot Drum-Kit Grooves, die einem das Mark in den Knochen erschüttern. Schließlich verbinden sich alle drei Bestien zu einer gigantischen Klangwand, die man gesehen haben muss, um sie zu glauben.

Seit seinen ersten Schritten am klassischen Klavier im Alter von sechs Jahren hat André Cavalcante ein außergewöhnliches musikalisches Talent gezeigt. Im Alter von zehn Jahren weitete sich seine Leidenschaft für Musik auf die Gitarre aus und führte schließlich zu einem Bachelor-Abschluss in klassischer Gitarre an der UFRJ, der Universität von Rio de Janeiro. André fand jedoch seine wahre Berufung im Bereich der Musikproduktion, wodurch er sich als einer der angesehensten Musikproduzenten im religiösen Segment Brasiliens etablierte.

Andre arbeitet mit Giganten der Musikindustrie wie Universal Music, Sony und Somlivre. Darüber hinaus hat André Cavalcante mit einigen der größten Namen der brasilianischen Musikszene zusammengearbeitet, darunter Gabriela Rocha, Paula Fernandes, Sandy und Zé Neto e Cristiano. Seine Fähigkeiten und sein Engagement wurden mit drei Grammy-Nominierungen als Musikproduzent und Mixing/Mastering-Ingenieur sowie mehreren Auszeichnungen bei großen Musikfestivals in Brasilien gewürdigt.

Als Solokünstler zeichnet sich André Cavalcante durch seine Fingerstyle-Technik aus, eine Gitarrentechnik, bei der die Saiten mit den Fingern gezupft werden, wodurch eine einzigartige Komplexität und harmonische Fülle entsteht. Seine digitalen Veröffentlichungen, darunter mehrere Singles und ein Instrumentalalbum, waren äußerst erfolgreich. Sein erstes Fingerstyle-Gitarren-Instrumentalalbum hat über 8 Millionen Aufrufe auf YouTube erzielt und damit seine Position als charismatischer und talentierter Musiker gefestigt.

Niwel Tsumbu ist ein virtuoser, im Kongo geborener und in Irland lebender Gitarrist. Er hat einen einzigartigen und mitreißenden Stil geschaffen, der sich aus so unterschiedlichen Einflüssen wie Jazz, Klassik, Rock, Folk und Rumba speist. Manchmal ist Tsubus Musik ein tiefer emotionaler Brunnen, der Freude und Traurigkeit aus universellen menschlichen Quellen schöpft. Zu anderen Zeiten ist sie ein Hightech-Vehikel, das voller Begeisterung über Nationen, Kontinente und den Kosmos hinwegflitzt. Tsumbu hat sein internationales Profil in den letzten zehn Jahren stetig ausgebaut und wurde von All About Jazz für seine „exquisite und fast nahtlose“ globale Fusion gelobt. Er hat mit Künstlern wie Nigel Kennedy, Sinead O’Connor, Buena Vista Social Club und Baaba Maal aufgenommen und ist mit ihnen aufgetreten. Im Jahr 2021 festigte Tsumbu seine globale Reichweite mit seinem Gitarrenspiel auf dem Grammy-prämierten Album „They’re Calling Me Home“ von Rhiannon Giddens und Francesco Turrisi. Er ist nun Mitglied der Band von Rhiannon Giddens.

Die Eckpfeiler von Tsubus Musik sind sein ausgefeiltes Rhythmusgefühl, sein virtuoses Gitarrenspiel und seine mitreißenden Improvisationen. Ob Rumba oder Jazz, gezupfte Nylonsaiten oder verstärkte E-Gitarre – Tsubus komplexes Gitarrenspiel lädt immer wieder zum erneuten Hören ein. Tsubu ist daher als afrikanischer Gitarrenlehrer für die World Music Method sehr gefragt, und seine beliebten Instagram-Reels-Videos erzielen bis zu Hunderttausende von Aufrufen.

Roxane Elfasci ist eine französische klassische Gitarristin mit Wohnsitz in Paris. Sie schloss ihr Musikstudium am Pôle Supérieur de Paris bei Jérémy Jouve und Gérard Abiton ab. Mit Abschlüssen in Musikperformance und Musikwissenschaft sowie einem Diplôme d’État in Pädagogik widmet sie sich nun ganz ihrer künstlerischen Karriere und ihren Schülern.

Ähnlich wie die isländische Kultur selbst bewegt sich die Musik von Árstíðir zwischen Geschichte und Moderne und verbindet altes isländisches Kulturerbe mit zeitgenössischem Songwriting und Arrangements. Bekannt für ihre unverwechselbaren Gesangsharmonien, den Einsatz von Streichinstrumenten und ihre intensiven Live-Auftritte, wechseln die Konzerte von Árstíðir zwischen intimen A-cappella-Momenten und kraftvollen, weitläufigen Klanglandschaften. Ihre Musik findet besonders großen Anklang bei Liebhabern nordischer Folkmusik, zieht jedoch ebenso Publikum aus der Klassik- und sogar der Metal-Szene an. Seit ihrem internationalen Durchbruch im Jahr 2010 – begleitet von einer viral gegangenen Darbietung einer isländischen Hymne aus dem 13. Jahrhundert – touren Árstíðir weltweit und haben sich eine treue Fangemeinde aufgebaut. Im Jahr 2026 wird die Band ihr zehntes Studioalbum Sólmyrkvi („Sonnenfinsternis“) veröffentlichen, gefolgt von ihrer jährlichen europäischen Vetrarsól-Tour („Wintersonne“).

STOPPOK ist ein Sänger und Musiker, hoch geschätzt von renommierten Kolleginnen und Kollegen, der loses Mundwerk mit stupendem Handwerk (seine Saiteninstrumente beherrscht er meisterlich mit höchst persönlicher Note) kombiniert. In den vergangenen Jahren ergänzt durch originelles Fußwerk, wenn er per Fußmaschine seinen in Folk, Blues und Rock grundiertem Sound mit rhythmischer Dynamik unterfüttert.

Deshalb kann es sich STOPPOK auch leisten, solo auf Tour zu gehen, weil er als Unterhalter, Musiker und Geschichtenerzähler im Alleingang besteht. Seine akustischen Konzerte sind daher legendär, für den Künstler selbst „pure Freiheit“. Im Dezember steht die Solo-Variante der „RUND-Reise“ durch meist bestuhlte Häuser an. Passend zu einem neuen Song aus dem zur Tour erscheinenden Album: „Je länger wir zusammen geh’n, umso besser werden wir uns versteh’n“.

STOPPOK bleibt dran, beharrlich, lustvoll, launig. Überrascht uns mit besonderen Live-Abenden, bei denen Spontaneität, Spott und Seelenmassage triumphieren. Nix gibt sich mit Siebzich. Welch Glück!

Abou-Khalil studierte arabische und westliche Musik an der Beiruter Kunstakademie. 1978 flüchtete er vor dem libanesischen Bürgerkrieg nach München, wo er Querflöte bei Walter Theurer studierte. Sein Hauptinstrument blieb aber die Oud, die orientalische Kurzhalslaute.

Mit über 500.000 verkauften Tonträgern gehört Abou-Kahlil auf dem deutschen Jazzmarkt zur Spitze bei den Verkäufen. Allein im Jahr 1999 verlieh ihm aufgrund der verkauften Menge die Deutsche Phono-Akademie fünf German Jazz Awards. Durch seine Schallplatten und CDs wurden auch darauf mitmusizierende Künstler bekannt, etwa Howard Levy und Ramesh Shotham. Rhythmusgeber seiner frühen Musikprojekte waren die Rahmentrommel-Spieler Glen Velez bzw. Nabil Khaiat; in den letzten 15 Jahren trat Jarrod Cagwin an ihre Stelle.

Im Jahr 2006 trat Abou-Khalil auch zusammen mit dem BBC Symphony Orchestra auf; das zugehörige Album erschien erst 2010. In diesem Jahr war er auch mit dem ARTE Quartett zu hören.
Abou-Khalil wurde 2005 mit RUTH – Der deutsche Weltmusikpreis ausgezeichnet. In der Kategorie „Besondere Instrumente“ erhielt er den Deutschen Jazzpreis 2023.

Yagody inszeniert ihre Konzerte wie Theaterstücke – ritualistisch, tranceartig und voller lebendiger Energie, die an die Stimmen der Ahnen und die Naturgebundenheit der Menschheit erinnert. Die Band überzeugt durch eine einzigartige Mischung aus Folklore, zeitgenössischer Musik und visueller Bühnenshow, die das Publikum in einen „musikalischen Rausch“ versetzt. Ihr Name bedeutet „Beeren“ – und so ist auch ihre Musik: erdverbunden, süß und mit einem Kick. Die Band hat sich auch international einen Namen gemacht, unter anderem als Teilnehmer am ukrainischen Vorentscheid für den Eurovision Song Contest 2024.

Zu jedem Moment im Leben eines Menschen passt ein Song – sagt Zoryana Dybovska, die Yagody im Jahr 2016 im westukrainischen Lwiw mit Studentinnen der Theater-Fakultät gegründet hat. Die vier reisten durch mehrere Oblaste der Ukraine, um dort die musikalischen Überlieferungen der Menschen aufzuspüren. Aus dieser unerschöpflichen Anzahl an Melodien, Rhythmen und Themen kreieren Yagody ihren spannenden und unverwechselbaren Sound, unterstützt von Musikern an Schlagzeug, Gitarre, Akkordeon oder der Drymba, eine Maultrommel der Huzulen aus den Karpaten.

2020 brachten Yagody ihr Debüt-Album heraus, und es folgten große Auftritte wie zum Pannonica Folk Festival in Polen, KunstFestSpiele in Hannover, Telemarkfestivalen in Norwegen oder zum Lodžie Worldfest in Jičín, Tschechien. Yagody sind im Theater zu Hause und verwirklichen ihre musikalischen Ideen für die Bühne nach dramaturgischen Prinzipien; ein Konzert ist wie eine Performance in einem Akt. Als ein Conférencier die bis dahin noch namenlose Band bei ihrem ersten Konzert ankündigte, nannte er sie spontan 'Yagody', auf Deutsch 'Beeren'. Anfang 2024 gewannen sie in der Endrunde des ukrainischen Vorentscheides zum Eurovision Song Contest den fünften Platz und die Herzen von Millionen Zuschauern.

Ein Konzert mit Yagody ist ein Ritual. Es ist das Hineinhören in das innere Ich. Da ist das Atmen des Windes im Felde, ein Klang wie die Stimme unserer Vorfahren. Die Zuhörer sind umhüllt von lebendiger Energie und musikalischer Trance. Ein Tanz der Stimmen im Puls des Menschseins. Die Lieder von Yagody sind wie Liebesbriefe aus der Vergangenheit, die noch nicht angekommen sind. Yagody ist zweifellos eine der charismatischsten ukrainischen Folk-Bands!

Frikun ist ein Afro-Rock-Quartett aus dem Baskenland, das mit seiner Musik Brücken zwischen Kontinenten und Genres schlägt. Ihr Sound lebt von mitreißenden Melodien und treibenden, oft ungeraden Rhythmen – eine fesselnde Mischung aus westafrikanischen Grooves, Psychedelic Rock und modernem Jazz. Statt auf Folklore-Klischees zu setzen, kreiert die Band einen unverwechselbaren, kosmopolitischen Klang: vertraut und doch voller Überraschungen, traditionell inspiriert, aber stets frisch und eigenwillig.

Mit der Veröffentlichung ihres Albums „Ezerezko Herria“ („Das Land der Leere“) im Jahr 2022 gelang Frikun der Durchbruch – und damit der Sprung auf internationale Bühnen und renommierte Festivals wie EHZ, MusicaLagos oder Musikolore. Dort teilten sie sich die Stage mit Größen wie Grupo Compay Segundo, Ryon oder Ah! Kwantou. 2025 folgten vier neue Singles, aufgenommen im Etxepare-Studio (bekannt für Produktionen von Esne Beltza, Vendetta u. a.), die bereits einen vielversprechenden Ausblick auf das für 2026 geplante Album geben.

Riserva Moac wurde 2003 in Bojano, einer kleinen Stadt etwa 80 km nordöstlich von Neapel in der italienischen Region Molise, gegründet. Der Name „Moac“ steht als Akronym für „Molise Oriente Africa Cuba“ – ein Symbol für die globale Verbundenheit, die die Band durch ihre Musik schaffen möchte. Ursprünglich als Folk-Rock-Band gestartet, mischte das Kollektiv von Anfang an lokale Musiktraditionen mit Rock-Elementen. Mittlerweile sind ihre Einflüsse noch vielfältiger: von Hip-Hop über Balkanbeat bis hin zu Polka, Jazz und irischer Musik. Die Band singt nicht nur auf Italienisch, sondern auch in lokalen Dialekten, die sie als Brücke zu kulturellen Traditionen und zur Geschichte Süditaliens versteht.

Die Band ist bekannt für ihre lebendigen Live-Auftritte und hat bereits in vielen europäischen Ländern (Frankreich, Schweiz, Niederlande, Deutschland, Österreich) sowie in den USA getourt. Riserva Moac setzt sich für soziale Themen ein und versteht ihre Musik als Mittel, um auf Missstände aufmerksam zu machen und Menschen zu verbinden. Die Band gilt als eine der wichtigsten Vertreter der italienischen Weltmusik-Szene.

Bisher hat Riserva Moac vier offizielle Alben veröffentlicht: Bienvenido (2005) La musica dei popoli (2009) Babilonia (2015) Tintilia Gran Riserva (2019). 2025 erschien die neue Single „Revolution“.

Ihr Album „No Place Is Home“ (2018) generierte über 375 Millionen Streams und machte die fünfköpfige Band international bekannt. Ihre aktuelle Platte „Wasted Words & Bad Decisions“ (2023), aufgenommen in einem abgelegenen Farmhaus nahe Cleveland, zeigt eine gereifte und persönlichere Klangästhetik.

2025 veröffentlichten WELSHLY ARMS zwei neue Singles: „Glorious“ und „In Chills“. Die Songs zeigen zwei unterschiedliche Seiten der Band: „Glorious“ ist eine kraftvolle Hymne über Durchhaltevermögen, inneres Feuer und Triumph über schwierige Zeiten, während „In Chills“ den Sound der Band auf seine emotionale Essenz reduziert und verletzliche, intime Momente zwischen Kontrolle, Hingabe und Unsicherheit einfängt. Gemeinsam verdeutlichen die Singles die Balance zwischen Stärke und Verletzlichkeit, die die Band ausmacht.

WELSHLY ARMS, deren Songs auch in populären Medien wie Quentin Tarantinos preisgekröntem Film The Hateful Eight (Trailer), Underground 6 (Netflix), Empire (Fox) und FIFA (EA Sports) zu hören sind, freuen sich darauf, ihre Hits und aktuellen Singles im Sommer 2026 wieder live auf die Bühne zu bringen. Neben zwei Terminen in Deutschland, darunter das Deichbrand Festival und eine Open- Air-Veranstaltung in Reutlingen, treten sie auch in Polen und Tschechien auf und werden Musikfans in ganz Europa begeistern.

Wichtige Hinweise für unsere Gäste:

• Keine Schirme erlaubt: Aufgrund von Verletzungsgefahr und Sichteinschränkungen sind Schirme auf dem Gelände nicht gestattet. Bitte bringen Sie bei Regen einen geeigneten Regenschutz mit.

• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

• Mitbringen von Getränken und Speisen: Das Mitbringen von eigenen Getränken und Speisen ist nicht erlaubt.

• Verzicht auf größere Taschen: Wenn möglich, verzichten Sie bitte auf größere Taschen und Rucksäcke, um die Sicherheitskontrollen zu erleichtern.

• Foto- und Videokameras: Professionelle Foto- und Videokameras dürfen nicht mitgeführt werden. Handy- und Pocketkameras sind jedoch erlaubt.

• Awareness-Hinweis: Auf dem Veranstaltungsgelände steht Ihnen unser Awareness-Team jederzeit zur Verfügung. Bitte wenden Sie sich an unser Team, wenn Sie Unterstützung benötigen oder unangenehme Situationen erleben.

All dem begegnet die Band mit der ihr eigenen Leichtigkeit, aus der eine Erkenntnis dringt: Dass wir im Miteinander Geborgenheit - und im Dasein Schönheit finden. Weil nichts bleibt und nichts aufhört, weil alles nichtig und alles wichtig ist, stoßen wir auf die Ewigkeit an! Von mitreißenden Roadmovie-Nummern über zarte Balladen bis hin zu ausufernden Festliedern findet sich im neuen Programm die ganze musikalische Bandbreite von Dreiviertelblut und malt eine klangliche Vielfalt, die das Leben in all seinen Farben feiert: Prost Ewigkeit!

PRESSESTIMMEN:

„Jazzige Improvisationen, meditative Klarinetten-Intros, harter Rock, Kinderlied Anleihen, gefühlvolle Balladen, Balkan-Fetzer, Reggae, Rap - alles ist möglich in diesen Liedern zwischen Himmel und Hölle.“ — Süddeutsche Zeitung, 7.4.2024

„Durch schonungslose Texte und eine Melange aus traditionellen Klängen und modernen Elementen schaffen sie eine einzigartige Atmosphäre, die das Publikum ab den ersten Tönen in den Bann zieht.“ — Donaukurier, 7.5.2024

„Der Sound gewaltig, die Performance umwerfend, der Gesang von Sänger Sebastian Horn sensationell, die Soli der Musiker hinreißend – was für ein Auftritt. Am Ende dürfen auch die bekannten Lieder nicht fehlen. Bei „Deifedanz“ sitzt niemand mehr im weiten Rund, da wird getanzt und geklatscht.“ — Passauer Neue Presse, 29.7.2024

BESETZUNG:
Sebastian Horn: Gesang
Gerd Baumann: Gitarre, Gesang
Dominik Glöbl: Flügelhorn, Trompete, Gesang
Flurin Mück: Schlagzeug
Luke Cyrus Goetze: Gitarre, Lapsteel, Dobro
Benny Schäfer: Kontrabass
Florian Riedl: Klarinette, Bassklarinette, Moog