Festivalbühne

Buntspecht sind eine mitreißende Live-Band, wer sie einmal gesehen hat, wird das nicht wieder vergessen. Beinahe jeder ihrer Songs öffnet ein neues Universum, weist in eine andere Richtung, aber alle zusammen bilden sie auf nahezu magische Weise eine Einheit, ein homogenes Werk. Buntspecht gelingt es, aus der Vielzahl ihrer Einflüsse ein stimmiges Ganzes und somit einen zauberhaft schwelgerischen Indie-Kammerpop-Sound zu formen. Niemand klingt aktuell wie Buntspecht. Sie sind ganz allein da draußen.

Wichtige Hinweise für unsere Gäste:

• Keine Schirme erlaubt: Aufgrund von Verletzungsgefahr und Sichteinschränkungen sind Schirme auf dem Gelände nicht gestattet. Bitte bringen Sie bei Regen einen geeigneten Regenschutz mit.

• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

• Mitbringen von Getränken und Speisen: Das Mitbringen von eigenen Getränken und Speisen ist nicht erlaubt.

• Verzicht auf größere Taschen: Wenn möglich, verzichten Sie bitte auf größere Taschen und Rucksäcke, um die Sicherheitskontrollen zu erleichtern.

• Foto- und Videokameras: Professionelle Foto- und Videokameras dürfen nicht mitgeführt werden. Handy- und Pocketkameras sind jedoch erlaubt.

• Awareness-Hinweis: Auf dem Veranstaltungsgelände steht Ihnen unser Awareness-Team jederzeit zur Verfügung. Bitte wenden Sie sich an unser Team, wenn Sie Unterstützung benötigen oder unangenehme Situationen erleben.

Die Münchener Freiheit hat deutsche und internationale Popgeschichte geschrieben und begeistert uns mit ihrem unverwechselbaren "Freiheit-Sound". Ihr Satzgesang, die wunderschönen Melodien und die mitreißenden Rock-Rhythmen sind unverkennbar. Schon nach wenigen Sekunden weiß jeder Musikfan: Das ist die Münchener Freiheit!

Jetzt ist die Zeit gekommen, diese legendäre Band wieder live zu erleben!
Aron Strobel, Michael Kunzi, Rennie Hatzke und Alex Grünwald werden zusammen mit ihrem neuen Frontmann Tim Wilhelm die Bühne rocken. Tim, der eine klassische Gesangsausbildung genossen hat, Schauspieler und Moderator in bekannten TV-Sendungen wie der ARD, BR, RTL und vielen mehr ist, hat sich bereits als perfekte Ergänzung zur Band erwiesen. Seine frische, mitreißende Art begeistert nicht nur die langjährigen Fans, sondern zieht auch neue Fans in seinen Bann.

Verpassen Sie nicht die Chance, diese musikalische Legende live zu erleben! Sichern Sie sich jetzt ihre Tickets und lassen sie sich von der einzigartigen Energie der Münchener Freiheit mitreißen. Jeder Auftritt ist ein unvergessliches Erlebnis – ein Fest für alle Sinne und ein Muss für jeden echten Fan.

Songs wie „Du bist wunderschön“ oder „Dieter – das Regeltagebuch“ haben bereits Kultstatus und sind virale Hits. Hinzu kommen zeitlose Liedermacherballaden wie „Gelernt ham‘ wir nicht viel“ und fantasievolle Popsongs wie „Immer wieder fallen“, die die musikalische Bandbreite der Songpoetin zeigen. Diese Bandbreite wird durch musikalische Stand Ups komplettiert. Sie hat „Funny Bones“ und so verwundert es nicht, dass sie als Musikerin auch regelmäßig in Comedyformaten zu sehen ist.

Miss Allie stand bereits mehrfach mit Carolin Kebekus auf der Bühne. Olli Schulz empfahl ihr letztes Album im Podcast mit Jan Böhmermann, ein ARTE Concert durfte sie schon spielen. Sie ist zahlreich preisgekrönt und regelmäßig präsent in TV und Radio, zudem gerngesehener Gast in Talkshows. Nach drei Alben und immer umfangreicheren Tourneen ist im September Miss Allies 4. Album Paradiesvogel erschienen. Damit geht sie auf große Paradiesvogel-Tour in Deutschland, Österreich und der Schweiz.

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Obwohl die Gruppe zahlreiche Studio- und Live-Aufnahmen veröffentlichte, lernten viele ihrer Fans Tangerine Dream durch ihre Filmmusiken kennen, von denen es insgesamt über sechzig gibt, darunter Sorcerer (William Friedkin), Thief (Michael Mann), Risky Business, The Keep, Firestarter, Legend (Ridley Scott), Near Dark (Kathryn Bigelow), Shy People und Miracle Mile. Im Jahr 2013 komponierte Tangerine Dream die Originalmusik für das Videospiel Grand Theft Auto V von Rockstar und gewann den begehrten VGX-Award für den besten Soundtrack in einem Spiel.

Insgesamt erhielt Tangerine Dream in den letzten Jahrzehnten sieben Grammy-Nominierungen für ihre einzigartigen Kompositionen. Nach dem Tod von Edgar Froese im Jahr 2015 besteht Tangerine Dream nun aus Thorsten Quaeschning (seit 2005) als musikalischem Leiter, Hoshiko Yamane (seit 2011) und Paul Frick (seit 2020). Letzterer ersetzte Ulrich Schnauss, der die Band 2019 nach fünf Jahren verlassen hatte. Die Band ist nun zum klassischen sequenzergesteuerten Sound zurückgekehrt und Quantum Gate (2017) ist ihr meistverkauftes Album seit 1987. Tangerine Dream trat kürzlich live beim Dekmantel Festival Amsterdam, in der Elbphilharmonie Hamburg und in der Barbican Hall in London auf. Jede Performance endet mit einer Live-Session, einer Echtzeitkomposition, die zwischen 20 und 45 Minuten dauern kann.

Ihr aktuelles Studioalbum „Raum“ erschien im Februar 2022 und wurde auf ihrer Tour „From Virgin to Quantum Years“ vorgestellt. Das Album stieg unter anderem auf Platz 39 der deutschen Albumcharts und auf Platz 1 der offiziellen britischen Dance-Albumcharts ein. „Raum“ ist das erfolgreichste Album der Band seit den 1980er Jahren und wurde von der Presse hoch gelobt („Das beste Tangerine-Dream-Album seit Jahrzehnten“ – Resident Advisor). Derzeit arbeitet die Band an ihrem dritten Studioalbum nach dem Tod von Edgar Froese und feiert ihr umfangreiches Musikrepertoire live mit ihrer CONTINUUM TOUR 2026 rund um den Globus.

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Die neun neuen Stücke zeigen: Am Ende hat sich all das gelohnt. Die Bandbreite reicht vom frechen Slacker-Rock von „Stick It“ über den dröhnenden Moloch von „K.A.D.A.V.A.R.“ bis zur Thrash-Metal-Keule (!) „Total Annihilation“. Vielfältiger und zugleich archetypischer klangen Kadavar wahrscheinlich noch nie. Aber so ist das eben, wenn wirklich jedes Bandmitglied gleichberechtigt Songs und Ideen beisteuert. „K.A.D.A.V.A.R.“ klingt vertraut und neu zugleich, würdigt das Gestern ohne darin verhaftet zu sein. Und ist vor allem eines: Ein Album übervoll mit Spielfreude. „Wir wollten die Leichtigkeit zurück, die wir vor 15 Jahren hatten“, betont Lindemann. „Die Naivität der ersten beiden Platten bekommen wir natürlich nicht zurück, aber wir können uns immerhin annähern. Es ist wie unser Debüt, nur diesmal eben als Quartett.“ Furios, groß, verdichtet. Kadavar sind wieder die Alten. Und doch ganz neu. Willkommen zuhause.

Elder ist eine genreübergreifende Rockband, die schwere psychedelische Klänge mit progressiven Elementen und stimmungsvollen Soundscapes verbindet. Die Band wurde Mitte der 2000er Jahre in einer kleinen Küstenstadt in Massachusetts gegründet und hat ihren Sound im Laufe von fünf Alben immer wieder neu erfunden, um sich von einem Urgestein der Stoner/Doom-Szene zu einer der markantesten Stimmen der Rock-Underground-Szene zu entwickeln. Ihre lang angelegten Kompositionen entfalten sich wie Reisen, die innerhalb eines einzigen Songs die gesamte Bandbreite der Stile von den 70er Jahren bis zur Gegenwart abdecken, mit einer Vorliebe für „die schiere Pracht der Gatefold-Ära“ (Rolling Stone). Mit ihrer im Oktober 2025 erschienenen EP "Liminalty/Dream State Return" stürzen sie sich im Sommer 2026 endlich auf's Publikum im Süd-Westen.

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Die Moving Shadows faszinieren seit ihrer Gründung mit ihrer einzigartigen Kunstform. Zu den Höhepunkten ihrer Karriere zählt der Gewinn des französischen Supertalents in Paris. Beim renommierten Comedy-Festival „Juste pour rire“ in Montreal schrieben sie Geschichte, indem sie als erste Gruppe in 40 Jahren gleich zwei der begehrten Auszeichnungen gewannen: den Kreativitätspreis und den Publikumspreis „Sieger der Herzen“. Auch im deutschsprachigen Fernsehen sind die Moving Shadows regelmäßig präsent. Ihre TV-Auftritte geben einen Vorgeschmack auf die beeindruckenden Live-Shows, die weltweit Zuschauer begeistern.
Erleben Sie die „World's Best Shadowshow“ – faszinierend, dynamisch und unvergleichlich!Die Moving Shadows sind ON FIRE!

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Tamikrest ist eine der bedeutendsten Sahara-Rockbands der Gegenwart, gegründet 2006 von Ousmane Ag Mossa, Cheikh Ag Tiglia und Aghaly Ag Mohamedine im abgelegenen Tinzawaten an der Grenze zwischen Algerien und Mali. Inspiriert von den Pionieren des Tuareg-Rocks, Tinariwen, und angetrieben vom Wunsch, der unterdrückten Stimme der Kel Tamasheq (Tuareg) eine globale Bühne zu geben, entwickelte die Band schnell einen eigenen, unverwechselbaren Sound.

Ihre ersten beiden Alben, Adagh (2010) und Toumastin (2011), zeigten bereits ihr außergewöhnliches Gespür für eingängige Melodien und tiefgründiges Songwriting. Mit dem Einstieg des französischen Gitarristen Paul Salvagnac für das dritte Album Chatma (2013) verstärkte sich die Band klanglich: Der Sound wurde rockiger, energiegeladener, ohne die Wurzeln in der Tamasheq-Tradition zu verlieren. Chatma, das den Kämpfen der Frauen in der Sahara gewidmet ist, wurde von der Fachpresse als Meilenstein des Ishumar-Genres gefeiert und 2013 mit dem renommierten Songlines Award für das beste Album des Jahres ausgezeichnet.

Die folgenden Alben Kidal (2017) und Tamotait (2020) festigten Tamikrests Ruf als musikalische Brückenbauer zwischen Tradition und Moderne. Ihre Musik verbindet hypnotische Trance-Elemente mit psychedelischem Rock und der rohen Energie der Wüste – ein Sound, der vor allem live seine volle Wucht entfaltet. Nach unzähligen Tourneen durch Europa, Afrika, Nord- und Südamerika, Japan, Südkorea und Australien gilt Tamikrest heute als eine der prägendsten Stimmen der afrikanischen Musikszene und als wichtiger Akteur der internationalen Rockkultur. Ihre Musik ist nicht nur Klang, sondern auch politisches Statement und kulturelles Erbe.

Malphino entführt in die mystische Welt eines fiktiven tropischen Inselstaats – ein Kollektiv aus Londoner Musikern und Künstlern, das mit „Visit Malphino“ ein filmreifes Debütalbum schuf. Hier verschmelzen hypnotische Cumbia-Rhythmen, digitale Triller, Akkordeonklänge und der raunende Charme von Voodoo zu einer einzigartigen Soundkulisse. Wer durch den imaginären Torbogen schreitet, betritt eine Idylle, die zum Entdecken einlädt.

Das Album ist ein episches Werk mit 17 Titeln, die wie ein Klangteppich die Mythologie der Insel erzählen. Jeder Track steht für ein eigenes Element, spiegelt das Wachstum einer Idee: vom lockeren Gedankenkreis weniger Freunde hin zu einer lebendigen, kollektiven Fantasie.

Nach dem Debüt kehrte Malphino 2021 mit einer Single auf Bongo Joe Records (Club Coco Compilation von Coco Maria) und einer neuen EP auf Lex Records zurück – und festigte so den Ruf als eine der kreativsten Formationen zwischen Tropik-Klängen und moderner Experimentierfreude.

Die Band setzt auf theatralische Performances mit Kostümen, die an tropische Rituale und Kolonialzeit-Romantik anknüpfen. Ihre Videos sind oft collageartig, kombinieren Animationen mit Live-Aufnahmen und schaffen so eine traumhafte, fast rituelle Atmosphäre.

Bei Konzerten wird die „Insel Malphino“ durch Lichtinstallationen, Projektionen von Dschungel- und Meeresmotiven sowie interaktive Elemente zum Leben erweckt. Das Publikum wird Teil einer fiktiven Expedition – zwischen Tiki-Kultur, Voodoo-Andeutungen und futuristischen Akzenten.

Malphino schafft ein Gesamtkunstwerk – die Musik ist nur ein Teil einer größeren, sinnlichen Erzählung. Die visuelle Sprache ist so einzigartig wie ihr Sound: eine Hommage an exotische Fantasien, durchzogen von moderner Kunst und DIY-Charme.
MADANII ist eine Genre-Rebellin, eine Künstlerin, die Grenzen verwischt und kreative Impulsgeberin aus Berlin. Mit einer künstlerischen Vision, die tief in der persischen Kultur verwurzelt ist und geprägt von ihrer Kindheit als Tochter politischer Geflüchtete in Deutschland, verwebt MADANII Rhythmen, Sprachen, Politik, Formen und Klänge zu einem neuartigen musikalischen und visuellen Mosaik.

In ihrer Musik erzählt MADANII eine autobiografische Geschichte des Andersseins, des Nicht-Dazugehörens und der Zerrissenheit zwischen Kulturen, generationenübergreifenden Träumen, politischen Absurditäten und queerer Liebe – all das spiegelt sich in einem einzigartigen Stil wider, der Einflüsse aus Avant-Pop, Alternative R&B und Trap vereint.

Bekannt für ihren interdisziplinären Ansatz, kreiert MADANII für jeden ihrer Songs eine zutiefst persönliches audiovisuelle Werk. Mit ihrem unverwechselbaren Stil haben ihr bereits Vergleiche mit Künstlerinnen wie Sevdaliza, FKA Twigs oder Rosalía eingebracht.

Randale
als ob DIE ÄRZTE gemeinsam mit den RAMONES und IGGY POP Kindermusik machen würden. Randale machen Rockmusik für Kinder. Eigentlich sogar Rockmusik für die ganze Familie. Manchmal sogar für Leute, die gar keine Kinder haben. Jedenfalls keine eigenen. Die leihen sich dann welche, damit sie bei den Konzerten nicht so auffallen.

Und das Konzept ist einfach: geradlinig gespielte Songs mit pfiffigen Texten, bei denen Erwachsene nicht schreiend weglaufen müssen. Bei Randale sitzen alle in einem Boot: Eltern, Kinder, Musiker. Alle haben Spaß, viel Spaß, sensationell viel Spaß.

Das liegt zum einen an der Vielfalt der gespielten Stile. Von Rock über Punk und Metal bis hin zu Reggae, Ska, Folk und Pop. Zum anderen natürlich auch an den gelungenen Texten. Die handeln vom Rock’n’Roll, vom Hardrockhasen Harald, vom ABC, von Pommes oder der Rettung von Hühnern aus der Legebatterie. Nebenbei lernen die Kids mit dem Punkpanda Peter alles über Stagedving, Crowdsurfing oder einen gelungenen Circle Pit. Immer mit Augenzwinkern. Nie mit erhobenem Zeigefinger.

Die Konzerte finden oft auf großen Bühnen und Festivals statt. Was 2004 als Idee für eigentlich nur eine einzige CD gedacht war, hat sich mittlerweile virusmäßig über große Teile Deutschlands ausgeweitet. 13CDs sind bislang erschienen. Beheimatet in Bielefeld / Ostwestfalen-Lippe, spielen die 4 Randale-Männer von Ulm bis Hamburg, von Köln bis Berlin, von Frankfurt bis Bremen.
Otsch
Eine Begegnung mit Otsch hat immer etwas Komisches und Faszinierendes. Mit seinem ungewöhnlichen und eindrucksvollen Requisitarium hat er, auch lautlos, die volle Aufmerksamkeit. Die Zuschauer werden von sich aus zu Beteiligten und treten in Interaktion mit Otsch. In Sekundenschnelle erfasst er, wieweit er bei jedem Einzelnen gehen kann. Entsprechend erfrischt er mit den Elementen Luft und Wasser oder droht mit örtlichem Niederschlag, schmückt Plätze und Gassen mit fliegenden Schaumwölckchen und begeistert mit seinem Riesenballon.
Otsch zaubert mit seiner legeren Art allen mindestens ein Lächeln ins Gemüt. Ganz charmant und frech sorgt er für eine lockere Stimmung und hat die besten Kommentare parat. Egal ob indoor oder outdoor- er ist ein abenteuerlicher Eycatcher. Ein Improvisationstalent mit den schönsten Ausreden der Welt!
Der Schaumvulkan

Hier staunt man wie leicht und trocken Schaum doch sein kann. In schillernder Farbenpracht tanzen Otsch‘s große und kleine Schneeflo- cken schwerelos über den Platz. Ab und an fliegen welche an Häuser- wänden entlang und entschwinden in den Weiten des Himmels. Otsch lässt es mitten im Sommer schneien, verteilt über- dimensionale Flocken oder platziert auf Wunsch auch Krönchen an die Schaulustigen. Sein fahrbarer Schaumvulkan macht keine Schmierereien und ist ein begehrtes Fotomotiv, denn gerne möchte man diesen faszinierenden und poetischen Moment festzuhalten. Ein staunenswertes Kunstwerk des Augenblicks.

Bands der Kulturwerkstatt e.V. präsentieren ihre Musik

Vier Bands aus der Kulturwerkstatt e.V. teilen sich in der Zeit von 16.45-17.45 Uhr die Bühne und zeigen dem Publikum, wie bunt Musik sein kann.

Tanzaufführung serbischer Kulturverein/ SKD Karadjordjevic

Tanzaufführung dialog e.V

und Mitmachangebote des görls e.V.

Yagody inszeniert ihre Konzerte wie Theaterstücke – ritualistisch, tranceartig und voller lebendiger Energie, die an die Stimmen der Ahnen und die Naturgebundenheit der Menschheit erinnert. Die Band überzeugt durch eine einzigartige Mischung aus Folklore, zeitgenössischer Musik und visueller Bühnenshow, die das Publikum in einen „musikalischen Rausch“ versetzt. Ihr Name bedeutet „Beeren“ – und so ist auch ihre Musik: erdverbunden, süß und mit einem Kick. Die Band hat sich auch international einen Namen gemacht, unter anderem als Teilnehmer am ukrainischen Vorentscheid für den Eurovision Song Contest 2024.

Zu jedem Moment im Leben eines Menschen passt ein Song – sagt Zoryana Dybovska, die Yagody im Jahr 2016 im westukrainischen Lwiw mit Studentinnen der Theater-Fakultät gegründet hat. Die vier reisten durch mehrere Oblaste der Ukraine, um dort die musikalischen Überlieferungen der Menschen aufzuspüren. Aus dieser unerschöpflichen Anzahl an Melodien, Rhythmen und Themen kreieren Yagody ihren spannenden und unverwechselbaren Sound, unterstützt von Musikern an Schlagzeug, Gitarre, Akkordeon oder der Drymba, eine Maultrommel der Huzulen aus den Karpaten.

2020 brachten Yagody ihr Debüt-Album heraus, und es folgten große Auftritte wie zum Pannonica Folk Festival in Polen, KunstFestSpiele in Hannover, Telemarkfestivalen in Norwegen oder zum Lodžie Worldfest in Jičín, Tschechien. Yagody sind im Theater zu Hause und verwirklichen ihre musikalischen Ideen für die Bühne nach dramaturgischen Prinzipien; ein Konzert ist wie eine Performance in einem Akt. Als ein Conférencier die bis dahin noch namenlose Band bei ihrem ersten Konzert ankündigte, nannte er sie spontan 'Yagody', auf Deutsch 'Beeren'. Anfang 2024 gewannen sie in der Endrunde des ukrainischen Vorentscheides zum Eurovision Song Contest den fünften Platz und die Herzen von Millionen Zuschauern.

Ein Konzert mit Yagody ist ein Ritual. Es ist das Hineinhören in das innere Ich. Da ist das Atmen des Windes im Felde, ein Klang wie die Stimme unserer Vorfahren. Die Zuhörer sind umhüllt von lebendiger Energie und musikalischer Trance. Ein Tanz der Stimmen im Puls des Menschseins. Die Lieder von Yagody sind wie Liebesbriefe aus der Vergangenheit, die noch nicht angekommen sind. Yagody ist zweifellos eine der charismatischsten ukrainischen Folk-Bands!

Frikun ist ein Afro-Rock-Quartett aus dem Baskenland, das mit seiner Musik Brücken zwischen Kontinenten und Genres schlägt. Ihr Sound lebt von mitreißenden Melodien und treibenden, oft ungeraden Rhythmen – eine fesselnde Mischung aus westafrikanischen Grooves, Psychedelic Rock und modernem Jazz. Statt auf Folklore-Klischees zu setzen, kreiert die Band einen unverwechselbaren, kosmopolitischen Klang: vertraut und doch voller Überraschungen, traditionell inspiriert, aber stets frisch und eigenwillig.

Mit der Veröffentlichung ihres Albums „Ezerezko Herria“ („Das Land der Leere“) im Jahr 2022 gelang Frikun der Durchbruch – und damit der Sprung auf internationale Bühnen und renommierte Festivals wie EHZ, MusicaLagos oder Musikolore. Dort teilten sie sich die Stage mit Größen wie Grupo Compay Segundo, Ryon oder Ah! Kwantou. 2025 folgten vier neue Singles, aufgenommen im Etxepare-Studio (bekannt für Produktionen von Esne Beltza, Vendetta u. a.), die bereits einen vielversprechenden Ausblick auf das für 2026 geplante Album geben.

Ihr Album „No Place Is Home“ (2018) generierte über 375 Millionen Streams und machte die fünfköpfige Band international bekannt. Ihre aktuelle Platte „Wasted Words & Bad Decisions“ (2023), aufgenommen in einem abgelegenen Farmhaus nahe Cleveland, zeigt eine gereifte und persönlichere Klangästhetik.

2025 veröffentlichten WELSHLY ARMS zwei neue Singles: „Glorious“ und „In Chills“. Die Songs zeigen zwei unterschiedliche Seiten der Band: „Glorious“ ist eine kraftvolle Hymne über Durchhaltevermögen, inneres Feuer und Triumph über schwierige Zeiten, während „In Chills“ den Sound der Band auf seine emotionale Essenz reduziert und verletzliche, intime Momente zwischen Kontrolle, Hingabe und Unsicherheit einfängt. Gemeinsam verdeutlichen die Singles die Balance zwischen Stärke und Verletzlichkeit, die die Band ausmacht.

WELSHLY ARMS, deren Songs auch in populären Medien wie Quentin Tarantinos preisgekröntem Film The Hateful Eight (Trailer), Underground 6 (Netflix), Empire (Fox) und FIFA (EA Sports) zu hören sind, freuen sich darauf, ihre Hits und aktuellen Singles im Sommer 2026 wieder live auf die Bühne zu bringen. Neben zwei Terminen in Deutschland, darunter das Deichbrand Festival und eine Open- Air-Veranstaltung in Reutlingen, treten sie auch in Polen und Tschechien auf und werden Musikfans in ganz Europa begeistern.

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Als Selig 1994 ihre Debütsingle „Sie hat geschrien“ veröffentlichten, war das Staunen groß. Eine Mischung aus Grunge und Rock, aber mit deutschen Texten – das hatte bisher noch niemand gemacht. „Ich weiß noch, wie wir damals immer im Lehmitz saßen und philosophiert haben – dass wir eine Bresche für den Rock’n’Roll schlagen müssen, dass wir auffallen und herausragend sein müssen“, blickt Jan Plewka amüsiert zurück. „Wir sind wirklich mit richtig großem Maul losgestiefelt, nichts konnte uns etwas anhaben. Wir waren die Reiter der Apokalypse.“ Das selbstbetitelte, von Franz Plasa produzierte Debütalbum bescherte der Band wenig später den kommerziellen Durchbruch, samt Dauerrotation im Musikfernsehen, ausverkauften Shows und einem Echo. Was dann folgte, ist die klassische Rock’n’Roll-Geschichte: Mit ihrem deutlich psychedelischeren Zweitwerk „Hier“ feierte die Band das neue Rockstar-Leben noch, doch dann wurden sie von ihrem eigenen Erfolg überrollt. Kurz nach Erscheinen ihres dritten Albums „Blender“, das in New York entstanden ist und sich stärker in Richtung Pop orientierte, verließ Sänger Jan Plewka im Streit die Band. 1999 gaben Selig ihre Trennung bekannt.

Neun Jahre widmeten Jan Plewka, Gitarrist Christian Neander, Bassist Leo Schmidhals und Schlagzeuger Stephan „Stoppel“ Eggert sich anderen Projekten, bevor sie 2008 ihr Comeback bekannt geben. Seitdem läuft es für Selig besser denn je: Mit „Und endlich unendlich“ (2009), das Goldstatus erreichte, „Von Ewigkeit zu Ewigkeit“ (2010), „Magma“ (2013) und „Kashmir Karma“ (2017) haben sie vier Alben veröffentlicht und es damit dreimal in die Top 10 der deutschen Charts geschafft. Sie haben am Bundesvision Song Contest teilgenommen, Lieder aus der Band-Historie für das Album „Die Besten (1994-2014)“ neu aufgenommen und für die Compilation „SELIG macht SELIG“ zuletzt befreundete Musiker wie Wolfgang Niedecken, Johannes Oerding und Olli Schulz gebeten, ihre Songs neu zu interpretieren. Ab April ist Jan Plewka in der neuen Staffel der VOX-Show „Sing meinen Song“ zu sehen, im Herbst soll das achte Album von Selig erscheinen. „Das verrückte ist: wir haben heute wieder ein ähnliches Gefühl, wie zu Beginn unserer Karriere“, sagt Leo Schmidhals. „Man ist aufgeregt über die Dinge, die man macht. Heute sind es natürlich ganz andere Themen, die uns bewegen. Aber es gibt so viel zu tun da draußen in der Gesellschaft – man kann nicht seine Klappe halten, sondern man muss etwas sagen.“

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• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

• Mitbringen von Getränken und Speisen: Das Mitbringen von eigenen Getränken und Speisen ist nicht erlaubt.

• Verzicht auf größere Taschen: Wenn möglich, verzichten Sie bitte auf größere Taschen und Rucksäcke, um die Sicherheitskontrollen zu erleichtern.

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Zum Start machen 2raumwohnung mit klassischen Singles Furore. Die deutsche Sprache im Pop bekommt eine neue, progressive Adresse. „Wir trafen uns in einem Garten“ und "Nimm mich mit - Das Abenteuer Liebe usw.“ sind luzide Songs, die das Lebensgefühl zum Millennium widerspiegeln. Nicht nur in Berlin. Ein Nerv ist getroffen, der unerwartete Erfolg beflügelt sie. Das Debutalbum „Kommt Zusammen“ im Sommer 2001 stärkt die Position zwischen Elektronik und Singer/Songwriter-Gitarren. Schon bald müssen 2raumwohnung in Interviews die Popkultur ihrer Zeit deuten. In der 2002er Remix-Version des Albums betonen sie ihre Nähe zur Underground-Szenerie in den Clubs. Die Nachfolgeplatte „In Wirklich“verstärkt diesen offenen, vielfach inspirierten Mix, der 2003 mit dem Deutschen Dance Award prämiert wird. Während die Single „Ich und Elaine“ zu einer Hymne der Nullerjahre wird, gehen 2raumwohnung mit ihrem Mix aus analoger Wärme und digitaler Präzision auf Langstrecke. Dabei experimentieren sie weiterhin mit den Formaten: Als DJ-Team widmen sie sich den härteren, funktionaleren Beats. Auf der Live-Bühne lassen sie sich von einem kompletten Band- LineUp begleiten.

Das Sommermix-Projekt „Melancholisch Schön“ (2005), bei dem 2raumwohnung in südamerikanischer Sehnsucht schwelgen, und das Charterfolg-Album „36 Grad“ (2007) stehen für die kontinuierliche Erweiterung des musikalischen Spektrums, aus dem sie ihre unverkennbaren Songs erschaffen. Eine künstlerische Ebene, die ihnen ausreichend Freiräume bietet, um mit mit jeder Platte Neuland zu betreten - ob sie nun den Retro- Futurismus der Siebziger aufgreifen wie bei „Der letzte Abend auf der Welt“ des Albums „Lasso“ (2009) oder in einer Art „Field Recording“ vor Ort den Flair der amerikanischen Westcoast zur Produktion des Albums „Achtung, Fertig“ (2013) nutzen. Californication, made in Berlin. Die enge Verbundenheit zur internationalen DJ-Szene war über diese Jahre stets präsent. Das zeigen zahlreiche Mix-Kooperationen, wie etwa mit Paul van Dyk („36 Grad“, 2007), Paul Kalkbrenner, Solomun (jeweils „Wir Werden Sehen“, 2011/12) oder Westbam („Bei Dir Ich Schön“, 2013).

Die Variationen ihres Doppelalbums „Nacht und Tag“ (2017), auf dem 2raumwohnung jeden Song zweifach auflösen, ist die Fortschreibung dieser musikalischen Biografie des stetigen Wandels. Auf ihrem ersten Doppelalbum werden zehn Songs jeweils in einer (dunklen) Club- und einer (hellen) Tagsüber-Variante interpretiert. Deutsche und englische Lyrics wechseln sich ab, noch so ein Novum in ihrem Werk, produziert in den heimischen Brunnen International Studios. Dass 2raumwohung Gitarren-Pop und moderne Elektronik nahtlos verweben können, zeigt sich hier noch einmal eindrucksvoll. Und einmal mehr beweisen Remixe, zuletzt am Beispiel der Single „Somebody Lonely And Me“, die DJ Koze, Ricardo Villalobos und Chi Thanh jeweils kongenial dekonstriert haben, das vielfältige Potenzial ihrer Kompositionen. Dass 2raumwohnung in ihrer Arbeit längst die Beständigkeit einer klassischen Rockband erreicht haben, finden die Beiden eher amüsant. Warum auch nicht? Auch elektronische Popmusik kann zum Lebenswerk werden.

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