Festival

Phantastische Uniformen, skurrile Rituale, retrofuturistische Tänze – der Strippenzieher hinter dieser irren Pop-Inszenierung trägt Muskel-Shirt und Sonnenbrille – und hat ein verschmitztes Lächeln. Denn ganz so ernst nimmt sich Kadebostany, der selbsternannte Präsident der kleinen Republik Kadebostan nicht. Die sagenhafte Pop-Republik liegt nördlich von Italien, östlich der Schweiz und westlich von der Türkei, erklärt er. Kadebostany wird von den verschiedensten Talenten bevölkert, von Sängerinnen und Sängern, von Instrumentalsten und Visual Artists. Aber alle Fäden laufen in dem musikalischen Superhirn zusammen: Kadesbostany komponiert die Songs, er produziert sie und er entwickelt das visuelle Konzept und die spektakulären Liveshows. Kadebostany trat bei einer Vielzahl von Festivals auf und gab ausverkaufte Konzerte in fast allen großen, europäischen Städten.

Unter der Flagge der konzeptuellen Republik Kadebostany hat Kadebostany mit seiner einzigartigen Marke von Popmusik, seiner unverwechselbaren visuellen Identität und seinen kolossalen Live-Auftritten schnell Aufmerksamkeit erregt. Die Songs von Kadebostany haben mehr als eine Milliarde Aufrufe auf YouTube erreicht, die Charts in mehr als 30 Ländern angeführt, mehr als 700 Live-Auftritte in mehr als 25 Ländern in den letzten Jahren absolviert und wurden von der internationalen Presse wie Vice, GQ, Spin, American Songwriter, CNN, Rolling Stone, Vogue, MixMag, EDM.com, Run The Trap, Time Out, Marie Claire... gefeiert.

Kadebostany ist mit zahlreichen Charterfolgen wie „Castle in the Snow“, „Mind if I Stay“, „Early Morning Dreams“, „Walking with a Ghost“, „Save Me“, der neuen Version von Beyoncés „Crazy in Love“ (50 Shades of Grey) oder zuletzt „Wild in Secret“ durch die Decke gegangen.

Yann Honoré – One man Celtic orchestra
Der bretonische Multiinstrumentalist Yann Honoré spielt Whistles, Cello, E-Bass, E-Gitarre und Percussion. Er ist ein Meister der Loops. Yann spielt ein Riff, nimmt dieses auf und lässt es in einer Wiederholungsschleife laufen. Dann setzt er weitere Riffs dazu, bis er eine pulsierende und vielschichtige Klanglandschaft aus Loops geschaffen hat. Last but not least wählt er ein Instrument aus, mit dem er sich als Solist an die Spitze dieses orchestralen Klanges begibt und seine Virtuosität ausspielt.
Seine Kompositionen sind sowohl in der bretonischen, irischen aber auch nordafrikanischen traditionellen Musik verwurzelt. Yann hat sich in seiner gut vierzigjährigen Laufbahn in der Bretagne viel Respekt erspielt. So war er unter anderem Gitarrist und Bassist der Celtic Rock Band Glaz, dann Produzent der charismatischen Sängerin Gwennyn und ist auch aktuell Mitglied der traditionellen Band Buzz Buddies. Er wird Eigenkompositionen seines wunderbaren Albums „Autoportrait“ spielen und die Zuschauer als ein „One man Celtic orchestra“ verzaubern.

Eva Coyle & Band – a musical secret from the Emerald Isle
Die Singer-Songwriterin Eva Coyle aus Athlone besitzt eine Stimme von außergewöhnlichem Timbre – sanft, doch kraftvoll, berührend und zugleich erfrischend. Wie der ­Morgentau, der sich auf herbstliche Blätter legt und das Licht der aufgehenden Sonne einfängt, kühlt und belebt ihr Gesang die Sinne. Wenn sie ihre Texte ins Mikrofon haucht – eine kunstvolle Balance zwischen Realität und Fiktion – entfaltet sich eine Magie, die das Publikum in ihren Bann zieht.
Besonders eindrucksvoll ist ihr Spiel am Keyboard, mit dem sie ihre Stimme meisterhaft begleitet. Doch sie ist auch eine Akkordeonistin, die bei den Instrumentals so richtig in die Tasten greift. Doch Eva blickt musikalisch über Irlands Grenzen hinaus: Ihre Vorliebe für die skandinavische Folktradition verleiht manchen Arrangements eine nordische Erdigkeit, die ihre Musik noch facettenreicher macht. Ein Sound, den man nicht mehr loslassen will. Ein Sound der einen nicht loslässt.
Ihr Quartett kreiert einen Klang, der sich anfühlt wie eine wohlige Wärmflasche an kalten Wintertagen – ein Sound, den man an sich drückt und nicht mehr hergeben mag. Stilistisch eher „folky“ als streng traditionell, doch unverkennbar irisch durch den Einsatz von Fiddle und Akkordeon. Gleichzeitig bringt die Band mit einem Drummer ordentlich Druck auf die Bühne, sodass sich der folkige Sound tanzbar und poppig entfaltet. Nach ihrer EP „Feels like Rain“ (2018) begeisterte das Album „Down to the Shore“ (2022) Publikum und Kritiker gleichermaßen. Mark Redcliff von BBC Sounds schwärmte: „I adore Eva’s sound and look forward to hear more.“
Die Musiker – Meister ihres Fachs
Zum unverwechselbaren Klang der Band tragen vier herausragende Musiker bei:
Sean O’Dalaigh (Fiddle, Gesang) – Er verleiht den Songs orchestrale Tiefe, setzt markante Harmony Vocals und entfacht mit energiegeladenen Jigs & Reels pure Lebensfreude. Bei diesen zeigt Eva ihre Virtuosität am Akkordeon.
John Shanagher (Gitarre) – Sein Gitarrenspiel wirkt wie ein sanftes, luftiges Kissen, auf dem sich jede Stimme perfekt entfalten kann. Mit seiner Begleitung klingt alles entspannt und mühelos.

Stephen Shanly (Drums) – Ein Schlagzeuger mit Feingefühl und Wucht zugleich. Mit subtilen Impulsen und treibenden Grooves gibt er dem Sound der Band eine packende Dynamik.
Ein Geheimtipp, den man nicht verpassen sollte! Eva Coyle und ihre Band gehören zu den bestgehüteten Geheimnissen der Grünen Insel – noch. Wer sie einmal gehört hat, wird sie nicht vergessen.

Billow Wood – Old Ireland meets new Ireland

Man muss die Vergangenheit gut kennen um die Gegenwart zu verstehen und die Zukunft deuten zu können. Die fünf aus der nordwestlichen Grafschaft Mayo sind musikalische Wünschelrutengänger, die all diese Strömungen unter der kulturellen Oberfläche der grünen Insel ertasten und ans Tageslicht bringen. Ihre Musik ist sowohl modern, hip als auch respektvoll in der irischen Tradition verwurzelt. Seit über einem Jahrzehnt sind sie auf Tour bzw. Mission: Old Ireland meets new Ireland.
Sie schreiben den überwiegenden Teil ihrer Songs selbst, aber sie interpretieren diese auf traditionellen Instrumenten wie Harfe, Fiddle, Tin Whistle, Bodhrán, Akkordeon. Aber auch Schlagzeug und Gitarre. So haben neue musikalische Ideen trotzdem eine Anbindung an den Sound, den man vom Irish Folk her kennt. Aber auch die Inhalte der Lieder sind am Irland von heute orientiert und an dem, was junge Iren aktuell umtreibt. Das absolute Markenzeichen der „WOODIES“ – wie sie liebevoll ihre Fans nennen –, ist der überragende mehrstimmige Gesang.
Eine rein traditionelle Irish Folk Band wird leider dank unseren verkrusteten Medienlandschaft nie einen Hit haben, aber Singer/Songwriter vom Kaliber wie BILLOW WOOD können es mit ihrem teils poppigen, teils Indie-Unterton schaffen. Bereits über ihre Debüt-EP schwärmte das renommierte HotPress Magazin, das z.B. U2 vor vielen Jahren entdeckte: _„A rising act you should keep an eye and ear on.“
_In Irland sind die „WOODIES“ Jahr für Jahr gern gesehene Gäste beim größten irischen Festival – dem Electric Picknick mit gut 160.000 Besuchern. Das können wir Ihnen in Deutschland zwar nicht bieten, aber die Fans des Irish Heartbeat werden die „Woodies“ feiern, die eine ganz besondere St. Patrick’s Day Stimmung in die Säle zaubern.

Bees Made Honey in the Vein Tree sind eine Post-Doom Band aus Stuttgart. Seit sie sich 2014 gründeten sind die Kontraste zwischen hell und dunkel, laut und leise, schnell und langsam untrennbarer Teil ihrer Musik geworden. Die Kompositionen vereinen brachiale Doom Riffs mit sphärischen Post-und Psychedelic Rock mit Ausflügen in Shoegaze. Darüber wird stark verhallter Gesang gelegt, der die Rolle eines weiteren Instruments einnimmt und der Musik Weite und Ästhetik verleiht, sowie durch die metaphorischen Texte eine visuelle Ebene schafft.
Ihr 2017 auf Pink Tank Records erschienenes Debütalbum Medicine vereint mehrere Genres miteinander und liefert dadurch ein abwechslungsreiches Hörerlebnis, welches einer Reise durch die verschiedenen Spielarten des Psychedelic Rocks gleicht. Zwei Jahre später waren die vier Stuttgarter mit ihrem zweiten Album Grandmother (Pink Tank Records) auf Tour, welches mit deutlich härterem Klang, schnelleren Passagen und tiefergestimmten Gitarren überzeugt, aber durch gleichzeitige effektbeladene Gitarren-Soli Räume schafft, in die es sich einzutauchen und verlieren lohnt. Mit "Aion" - das im August 2023 auf Magnetic Eye Records erschien - streben die Bees einen expansiveren und vielfältigeren Sound an, der Elemente von Ambient und Field Recording einbezieht, während sie dem Gesang eine prominentere Rolle als auf den vorherigen Alben einräumen.

Diese Show wird zu viel, zu doll und zu aufwändig. Zu queer, zu dick und zu laut. Sie wird zu spitz und zu nett, zu spezifisch und zu allgemein. Sie wird also alles, was Teresa Reichl ausmacht. Und dann werden wir ja sehen, wie grob man Unfug treiben kann!

Teresa Reichl wurde 1996 in Haunersdorf bei Simbach bei Landau an der Isar (ja so klein ist das Dorf) geboren. Sie hat in Regensburg Deutsch und Englisch Lehramt für Gymnasien studiert. Mit dem Abschluss in der Tasche hat sie das Klassenzimmer dann doch nicht zu ihrer Bühne gemacht, sondern ist als Live- Künstlerin durchgestartet. Seither tourt sie auf den Comedy- und Kabarettbühnen des deutschsprachigen Raumes, heimst Preise ein, macht klassische deutsche Literatur comedy- und social media-fähig.

Seit 2020 fasst sie ihrem Publikum Werke bedeutender deutscher Literaten auf TikTok zusammen, schlägt in ihrem Buch „Muss ich das gelesen haben“ einen alternativen Literaturkanon vor und setzt sich für die Demokratisierung des Diskurses über Hochkultur ein. Das tut sie auch, indem sie sich anmaßt, hoch geschätzte Größen der deutschen Kultur umgangssprachlich zum Thema ihrer Bühnenprogramme, TikTok-Videos oder Podcastgespräche zu machen.

Teresa Reichl erzählt von Feminismus; sie schildert Facetten des Außenseitertums und zeigt Wege aus dem stereotypen Denken.

• 2025: Deutscher Kleinkunstpreis

• 2024: Buchveröffentlichung „But make it classy" (Carlsen)

• 2023: Buchveröffentlichung „Muss ich das gelesen haben?" (Haymon Verlag)

• 2023: Bayerischer Kabarettpreis "Senkrechtstarter"

• 2022: Finalistin 20. Hamburger Comedy Pokal

• 2021: Jugendkulturpreis Dingolfing-Landau

• 2021: Kulturförderpreis Regensburg

• 2021: 3. Platz St. Prosper Kabarettwettbewerb

• Bayerische U20 Meisterin im Poetry Slam

LISÆ ist der Sound von Wut und Zärtlichkeit, von Power und Widerstand. Ihre Musik ist eine Kampfansage ans Patriarchat und eine Liebeserklärung an kollektive Heilung. Seit 2024 steht die queerfeministische Band LISÆ auf Bühnen – mit Pop, Rap, Indie und Rock. Ihre Musik ist gefühlvoll und empowernd und richtet sich an alle, die genug von gesellschaftlichen Ungerechtigkeiten haben.

2022 erscheint „Emilie“ als Urknall-Single, die erste EP „Fühlst du dich allein“ landet im März `23 und Support-Slots für Ok Kid, Mayberg, Betterov oder JEREMIAS folgen. LENA&LINUS verkaufen ihre erste Headliner-Tour aus und finden sich auf unzähligen renommierten Festival-Bills wieder. Im September `23 schließt sich EP #2 „Sekundenschlaf“ und 2024 die zweite Tour an: Mit Band auf der Bühne und lust for live spielen LENA&LINUS Sets zwischen druckvoll und zärtlich. 2025 peakt schließlich für LENA&LINUS, denn ihr langerwartetes Debüt-Album „Wir verglühen“ erscheint im März!

Die Songs darauf sind der ein coming of age-Soundtrack, der sich irgendwo zwischen den melancholischen Weiten des Universums, intimen Momenten des Alltags, sehnsüchtiger Wehmut und Jugend-Nostalgie abspielt. LENA&LINUS‘ Lieder sind ehrlich, direkt und tragen die Schwere und Leichtigkeit des Wachstumsschmerzes der Jugend in sich. „Unsere Lieder sind genauso geschrieben, wie wir es auch sagen würden“, betont das Duo, und das fühlt man auch. Jeder einzelne LENA&LINUS-Song ist ein vertrauter Dialog zwischen zwei Freunden, die einander ihr Innerstes und Heiligstes anvertrauen. Und genau so entstehen auch ihre Songs: zu zweit, intim, im WG-Zimmer.

Daher verwundert es nicht, dass sich „Wir verglühen“ anhört wie Momentaufnahmen aus Selbstgesprächen und Freundschafts-Dialogen, in denen man gemeinsam über vergangene Abenteuer, verlorene Momente und die Suche nach Identität reflektiert. Dabei wechseln sich nachdenkliche Texte mit euphorischen Melodien ab – und schaffen es, den ungreifbaren Prozess des Erwachsenwerdens, den jeder durchläuft, aber nur die wenigsten beschreiben können, fassbar zu machen.

Live entfalten ENGIN ihre volle Wucht: eine mitreißende Performance, die an die rohe Spielfreude und Originalität großer Acts der 70er erinnert, dabei aber einen frischen, zeitgenössischen Vibe versprüht und eine klare Haltung transportiert. Ihr Sound schafft mühelos den Spagat zwischen Nostalgie und Jetztzeit und öffnet Räume für Begegnung, Energie und Gemeinschaft.

Buntspecht sind eine mitreißende Live-Band, wer sie einmal gesehen hat, wird das nicht wieder vergessen. Beinahe jeder ihrer Songs öffnet ein neues Universum, weist in eine andere Richtung, aber alle zusammen bilden sie auf nahezu magische Weise eine Einheit, ein homogenes Werk. Buntspecht gelingt es, aus der Vielzahl ihrer Einflüsse ein stimmiges Ganzes und somit einen zauberhaft schwelgerischen Indie-Kammerpop-Sound zu formen. Niemand klingt aktuell wie Buntspecht. Sie sind ganz allein da draußen.

Wichtige Hinweise für unsere Gäste:

• Keine Schirme erlaubt: Aufgrund von Verletzungsgefahr und Sichteinschränkungen sind Schirme auf dem Gelände nicht gestattet. Bitte bringen Sie bei Regen einen geeigneten Regenschutz mit.

• Essensstände: Auf dem Veranstaltungsgelände finden Sie verschiedene Essensstände.

• Mitbringen von Getränken und Speisen: Das Mitbringen von eigenen Getränken und Speisen ist nicht erlaubt.

• Verzicht auf größere Taschen: Wenn möglich, verzichten Sie bitte auf größere Taschen und Rucksäcke, um die Sicherheitskontrollen zu erleichtern.

• Foto- und Videokameras: Professionelle Foto- und Videokameras dürfen nicht mitgeführt werden. Handy- und Pocketkameras sind jedoch erlaubt.

• Awareness-Hinweis: Auf dem Veranstaltungsgelände steht Ihnen unser Awareness-Team jederzeit zur Verfügung. Bitte wenden Sie sich an unser Team, wenn Sie Unterstützung benötigen oder unangenehme Situationen erleben.

Zur Geburtsstunde 2009 war die Akkordeonale noch damit beschäftigt, das Akkordeon aus seinem Nischendasein herauszuzerren und ins breite Bühnenlicht zu stellen. Schnell ist das Festival zu einem außergewöhnlichen Erlebnis quer durch sämtliche Kulturen und Stilarten geworden, immer innovativ, berauschend und erfrischend anders. Eine einzige Liebeserklärung an das – wie Akkordeonale-Gründer Servais Haanen sagt – schönste Instrument der Welt.

Für Servais wird dies die letzte Tournee sein, bevor er das Festival in jüngere Hände übergibt (...eine Ära geht weiter!). Gute Gründe um Musiker und Weggefährten aus verschiedenen Akkordeonale-Jahren einzuladen:

Musiker und Musikerinnen: 

Adriana de Los Santos (Brasilien) Gaucho-Frauen-Power
Zabou Guérin (Frankreich) Bunt – Lebendig – Virtuos
Maurizio Minardi (Italien) Fellini auf Akkordeon
Dimos Vougioukas (Griechenland) Spezialitäten vom Olymp
Servais Haanen (Niederlande) Der Meister feiner Klänge
Diogo Picão (Portugal) Saxophon
Johanna Stein (Deutschland) Cello

Adriana de Los Santos kommt aus dem Süden Brasiliens. Über ihr erstes Akkordeon sagt sie: „Ich merkte schnell, dass es unmöglich ist, das Instrument nicht anzufassen. Wenn man es spielt, ist es wie ein Lachen, dem eine Herzen und Seelen erobernde Musik entströmt.“

Seit über 20 Jahren behauptet sich Adriana in der von Männern dominierten Gaucho-Welt und repräsentierte als erste Frau die Gaucho-Kultur in Europa – auf der Akkordeonale 2014! Mit ihrer Frauenband „Gurias Gauchas“ spielt sie auf Rodeos und Festivals und tritt in diversen Shows in Brasilien, Argentinien und Europa auf. Adriana vermittelt mit ihrer Musik das immaterielle Weltkulturerbe des Chamamé.

Die Französin Zabou Guérin Die Französin Zabou Guérin wurde bereits im Mutterleib vom Klang des Akkordeons mitgerissen und wurde sozusagen als Akkordeonistin geboren. Aufgewachsen ist sie im Restaurant ihre Eltern, wo die Abende oft mit einer Jamsession verschiedenster Künstler endeten. Kein Wunder, dass sie sich nicht für einen Stil entscheiden wollte! Ob als Solistin oder in Bands, ob Klassik, Tango, Liedbegleitung, traditionelle Musik aus verschiedenen Ländern oder Swingwalzer ... Zabou spielt, was ihr gefällt. Sie arrangiert, sie transformiert, sie kreiert und wenn sie ein bisschen Freizeit hat, unterrichtet sie. Zu erleben ist Zabou aktuell mit ihrem Soloprogramm "Brèves de Bayan", im Duo “Hediyye“, im Sextett “Galeon Tango“, im Projekt "Missa Monica" und unterwegs mit dem “Cirque Pacotille“.

Der Italienische Komponist, Akkordeonist und Pianist Maurizio Minardi kombiniert und verwebt musikalische Einflüsse von minimalistischer Klassik, Jazz und Folk mit Tango und Rumba und kreiert so einen intimen expressiven Klang. Sein hoch gelobtes Album „The Cook, the Clown, the Monk and the Accordionist“ ist eine Parodie auf den Titel des Films „Der Koch, der Dieb, seine Frau und ihr Liebhaber“ von Peter Greenaway. Es hat die Qualitäten eines Soundtracks und steht in der Tradition von Komponisten wie Nino Rota, Yann Thiersen und Ennio Morricone. Neben eigenen Projekten spielte Maurizio u.a. mit Carmen Souza, Paolo Fresu, Enrico Rava und der Royal Shakespeare Company. Er lebt z.Z. in Paris.

Der Grieche Dimos Vougioukas begann sein Akkordeon-Studium schon im zarten Alter von 11 Jahren am Konservatorium von Vólos. Er promovierte mit Auszeichnung und hat sich auf die Musik seiner Heimat Griechenland und den Balkan spezialisiert. Dimos spielte mit erstklassigen Balkan-Akkordeonisten wie Petar Ralchev und Ionica Minune zusammen sowie mit diversen Koryphäen griechischer Musik (Nena Venetsanou, George Dalaras, Glykeria, Nana Mouskouri usw). Neben seinen solistischen Tätigkeiten (u.a. beim Estoudiantina Orchestra) und weltweiten Konzertauftritten ist er Leiter und Bandoneonist des Quintetts „Athen Tango Ensemble“. Dimos arbeitet als Komponist und Arrangeur und unterrichtet in Workshops den Balkan- und griechischen Stil auf Akkordeon.

Als musikalischer Mastermind ist Servais Haanen Drahtzieher und Organisator der Akkordeonale. Er komponiert und arrangiert die Ensemble-Stücke des Festivals und führt durchs Programm. Seine mit knochentrockenem Humor gespickten Moderationen haben Kultstatus. Schon lange arbeitet Servais daran, die Grenzen der Ziehharmonika zu sprengen und Elemente aus neuer Musik, Minimalstrukturen und andere ausgefallene Klänge zu integrieren. Dank seiner vielfältigen Bandarbeit (u.a. Appellation Contrôlée, Quatro Ventos, KlangWelten-Festival) und Komponistentätigkeit für Musiktheater-Produktionen und Dokumentarfilm bringt Servais unterschiedlichstes Musikmaterial ins Spiel. Neben der Akkordeonale und seiner Dozententätigkeit für Akkordeon ist die Ensemblearbeit mit außergewöhnlicher bis unmöglicher Besetzung eine seiner liebsten Beschäftigungen.

Der Portugiese Diogo Picão ist Musiker, Komponist und Texter. Er studierte Saxophon, wurde Singer-Songwriter und hofft, als Dichter und Bohemien alt zu werden. Seine Lieder handeln vom Alltag, sozialen Beziehungen, dem Zauber des Lebens, der Natur, der Illusionen der Liebe und einer ganzen Reihe anderer Dinge. Eine unglaublich vielfältige Zusammenarbeit mit Musikern und Musikerinnen, Big Bands, Jazz-Orchestern und Projekten aus dem portugiesischen Sprachraum kennzeichnen Diogos musikalischen Weg. Er ist Teil der Salsa-Band La Tremenda Sonora und gründete mit Olmo Marín das Duos Sambacalao.

Die multi-stilistische Cellistin und Sängerin Johanna Stein aus Köln fühlt sich auf jeder Bühne, in jeder Besetzung und in jedem Studio zu Hause: ob Klassik, Jazz, Rock, Pop, Fusion oder Weltmusik – kein Stil ist ihr fremd. Neben ihrem Soloprogramm spielt sie u.a. im avantgardistischen Streichquartett ‘Badz’, dem Chamber pop Duo ‘SteinMays’, dem Quinteto non-tipico ‘Tango de Minas’ und der Big Band ‘été large’. Viele kennen Johanna den aus vergangenen Jahren. Mit ihrer Leidenschaft für den unkonventionellen Einsatz des Cellos ist sie ein nicht mehr wegzudenkender Bestandteil der Akkordeonale.

Über das Akkordeon

Mehr oder weniger liebevoll tituliert als Quetschkommode, Schifferklavier, Schweineorgel, Blasebalg der Hölle oder asthmatischer Wurm, besitzt das Akkordeon mindestens eben so viel Charme, wie Namen. Und obwohl viele das Instrument lieben, es selbst spielen oder eins auf dem Dachboden stehen haben, wissen die wenigsten Leute von der wilden Kariere und dem weltweiten Einfluss dieser eigenwilligen Wunderkiste. Wie kaum ein zweites Instrument hat sich das vergleichsweise junge Akkordeon (erfunden 1829) über Landes- und Kontinentalgrenzen hinweg in einer atemberaubenden Geschwindigkeit verbreitet.

Durch massenweisen Export in die Kolonien und eingeschleppt im Handgepäck von Emigranten schuf es sich einen nicht mehr wegzudenkenden Platz in der Musik der ganzen Welt. Man kann eigentlich nicht von dem Akkordeon sprechen, da das Instrument immer wieder umgebaut, verändert, verfeinert und an die lokalen Bedürfnisse angepasst wurde – daraus entstanden verschiedene Instrumententypen, die sich durch unterschiedliche Systeme, Größen, Form, Tonumfang und Spieltechnik unterscheiden.

Songs wie „Du bist wunderschön“ oder „Dieter – das Regeltagebuch“ haben bereits Kultstatus und sind virale Hits. Hinzu kommen zeitlose Liedermacherballaden wie „Gelernt ham‘ wir nicht viel“ und fantasievolle Popsongs wie „Immer wieder fallen“, die die musikalische Bandbreite der Songpoetin zeigen. Diese Bandbreite wird durch musikalische Stand Ups komplettiert. Sie hat „Funny Bones“ und so verwundert es nicht, dass sie als Musikerin auch regelmäßig in Comedyformaten zu sehen ist.

Miss Allie stand bereits mehrfach mit Carolin Kebekus auf der Bühne. Olli Schulz empfahl ihr letztes Album im Podcast mit Jan Böhmermann, ein ARTE Concert durfte sie schon spielen. Sie ist zahlreich preisgekrönt und regelmäßig präsent in TV und Radio, zudem gerngesehener Gast in Talkshows. Nach drei Alben und immer umfangreicheren Tourneen ist im September Miss Allies 4. Album Paradiesvogel erschienen. Damit geht sie auf große Paradiesvogel-Tour in Deutschland, Österreich und der Schweiz.

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Obwohl die Gruppe zahlreiche Studio- und Live-Aufnahmen veröffentlichte, lernten viele ihrer Fans Tangerine Dream durch ihre Filmmusiken kennen, von denen es insgesamt über sechzig gibt, darunter Sorcerer (William Friedkin), Thief (Michael Mann), Risky Business, The Keep, Firestarter, Legend (Ridley Scott), Near Dark (Kathryn Bigelow), Shy People und Miracle Mile. Im Jahr 2013 komponierte Tangerine Dream die Originalmusik für das Videospiel Grand Theft Auto V von Rockstar und gewann den begehrten VGX-Award für den besten Soundtrack in einem Spiel.

Insgesamt erhielt Tangerine Dream in den letzten Jahrzehnten sieben Grammy-Nominierungen für ihre einzigartigen Kompositionen. Nach dem Tod von Edgar Froese im Jahr 2015 besteht Tangerine Dream nun aus Thorsten Quaeschning (seit 2005) als musikalischem Leiter, Hoshiko Yamane (seit 2011) und Paul Frick (seit 2020). Letzterer ersetzte Ulrich Schnauss, der die Band 2019 nach fünf Jahren verlassen hatte. Die Band ist nun zum klassischen sequenzergesteuerten Sound zurückgekehrt und Quantum Gate (2017) ist ihr meistverkauftes Album seit 1987. Tangerine Dream trat kürzlich live beim Dekmantel Festival Amsterdam, in der Elbphilharmonie Hamburg und in der Barbican Hall in London auf. Jede Performance endet mit einer Live-Session, einer Echtzeitkomposition, die zwischen 20 und 45 Minuten dauern kann.

Ihr aktuelles Studioalbum „Raum“ erschien im Februar 2022 und wurde auf ihrer Tour „From Virgin to Quantum Years“ vorgestellt. Das Album stieg unter anderem auf Platz 39 der deutschen Albumcharts und auf Platz 1 der offiziellen britischen Dance-Albumcharts ein. „Raum“ ist das erfolgreichste Album der Band seit den 1980er Jahren und wurde von der Presse hoch gelobt („Das beste Tangerine-Dream-Album seit Jahrzehnten“ – Resident Advisor). Derzeit arbeitet die Band an ihrem dritten Studioalbum nach dem Tod von Edgar Froese und feiert ihr umfangreiches Musikrepertoire live mit ihrer CONTINUUM TOUR 2026 rund um den Globus.

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Die neun neuen Stücke zeigen: Am Ende hat sich all das gelohnt. Die Bandbreite reicht vom frechen Slacker-Rock von „Stick It“ über den dröhnenden Moloch von „K.A.D.A.V.A.R.“ bis zur Thrash-Metal-Keule (!) „Total Annihilation“. Vielfältiger und zugleich archetypischer klangen Kadavar wahrscheinlich noch nie. Aber so ist das eben, wenn wirklich jedes Bandmitglied gleichberechtigt Songs und Ideen beisteuert. „K.A.D.A.V.A.R.“ klingt vertraut und neu zugleich, würdigt das Gestern ohne darin verhaftet zu sein. Und ist vor allem eines: Ein Album übervoll mit Spielfreude. „Wir wollten die Leichtigkeit zurück, die wir vor 15 Jahren hatten“, betont Lindemann. „Die Naivität der ersten beiden Platten bekommen wir natürlich nicht zurück, aber wir können uns immerhin annähern. Es ist wie unser Debüt, nur diesmal eben als Quartett.“ Furios, groß, verdichtet. Kadavar sind wieder die Alten. Und doch ganz neu. Willkommen zuhause.

Elder ist eine genreübergreifende Rockband, die schwere psychedelische Klänge mit progressiven Elementen und stimmungsvollen Soundscapes verbindet. Die Band wurde Mitte der 2000er Jahre in einer kleinen Küstenstadt in Massachusetts gegründet und hat ihren Sound im Laufe von fünf Alben immer wieder neu erfunden, um sich von einem Urgestein der Stoner/Doom-Szene zu einer der markantesten Stimmen der Rock-Underground-Szene zu entwickeln. Ihre lang angelegten Kompositionen entfalten sich wie Reisen, die innerhalb eines einzigen Songs die gesamte Bandbreite der Stile von den 70er Jahren bis zur Gegenwart abdecken, mit einer Vorliebe für „die schiere Pracht der Gatefold-Ära“ (Rolling Stone). Mit ihrer im Oktober 2025 erschienenen EP "Liminalty/Dream State Return" stürzen sie sich im Sommer 2026 endlich auf's Publikum im Süd-Westen.

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Ab März 2026 werden zwei Arbeiten des Künstlers Kennet Lekko ausgestellt. Er wurde von Encore! zur True Love Edition eingeladen.

Der aus Tallinn stammende Berliner Künstler zeigt Arbeiten, die wirken wie Memes auf LSD: hell, frech und niedlich, während darunter der ganze emotionale Adrenalinmix des 21. Jahrhunderts brodelt. Kunst für die Gegenwart, die sich selbst ständig erneuert. Pop-Art auf dem Billboard: grell, groß, glamourös – und doch gnadenlos ehrlich. Gefühle im Cinemascope-Format.

Diesmal wird es aber mehr als die großformatigen Bilder draußen geben. Kennet bringt noch eine Auswahl an Bildern mit, die im Saal des franz.K zu bewundern sind.

Im Anschluss bzw. gleichzeitig und zeitversetzt kann man bei der Encore! -Veranstaltung danach noch die Bands genießen und die Arbeit von „Works on skin” kennenlernen.

Die Einführung übernimmt Holm Friebe, Publizist und Protagonist der Netzkultur. Gemeinsam mit Annette Walter wird er außerdem das neue Editionsprojekt WORKS ON SKIN vorstellen, das Kunst so nah an die Menschen bringt wie ein Stick-and-Poke-Tattoo. Kunst, die so tragbar ist wie Haute Couture – nur dauerhaft.

Es sprechen:

• Holm Friebe: Einführung

• Kennet Lekko, Erläuterung zum Werk

Und, fragen sich die beiden, liegt nicht letztlich sowieso alles im Auge des Betrachters ? Für einen Diktator mag der Sinn darin bestehen, die alleinige Weltherrschaft zu erlangen. Einem Borkenkäfer reicht die kollektive Waldherrschaft. Für manche ist die Fettwegspritze im Institut für Medical Beauty die Lösung aller Probleme, für andere ist sie einfach nur der ganze andere Scheiß, also Unfug, Larifari oder eben Kokolores.

Sinn des Lebens? Während sie schon eine mögliche Antwort parat hat, hat er die Frage noch nicht verstanden. Da grätscht sich das Duo gerne auch mal gewaltfrei gegenseitig ins Wort, um im nächsten Moment wieder synchron zu rappen. Ob sie die Frage nach dem Sinn des Lebens beantworten? Klar! Und vor allem natürlich den ganzen anderen Scheiß.

Stimmen vor der Premiere. Der FOCUS der Republik liegt „voll auf diesem Paar“, das neue Programm ist der STERN „am dunklen Nachthimmel der Kabarettprogramme“, der SPIEGEL „beschlägt vor Begeisterung“ und die PETRA sieht da GLAMOUR „ohne Ende“.

Minnie Marks ist nicht nur eine begnadete Gitarristin, die mit ihrer Musik die Welt elektrisiert. Sie ist auch eine seltene Dreifachbegabung: Sängerin, Songwriterin und Multi-Instrumentalistin. Manche bezeichnen sie als „akustischen Tsunami”. Unmöglich zu ignorieren.

Mit ihrer alten Goldtop über der Schulter und einem revolutionären Fußtrommel an den Füßen tourt sie unermüdlich um die Welt. Marks erweitert ständig musikalische Grenzen mit ihrer wilden, atemberaubenden, dynamischen Gitarrenkunst und ihrer wahnsinnig kraftvollen, souligen Stimme, die ihre Wahrheit durch ihre Songs herausbrüllt, als hinge ihr Leben davon ab. Und als ob das noch nicht genug wäre, erzeugt sie gleichzeitig mit ihren freien Gliedmaßen auf ihrem Foot Drum-Kit Grooves, die einem das Mark in den Knochen erschüttern. Schließlich verbinden sich alle drei Bestien zu einer gigantischen Klangwand, die man gesehen haben muss, um sie zu glauben.

Seit seinen ersten Schritten am klassischen Klavier im Alter von sechs Jahren hat André Cavalcante ein außergewöhnliches musikalisches Talent gezeigt. Im Alter von zehn Jahren weitete sich seine Leidenschaft für Musik auf die Gitarre aus und führte schließlich zu einem Bachelor-Abschluss in klassischer Gitarre an der UFRJ, der Universität von Rio de Janeiro. André fand jedoch seine wahre Berufung im Bereich der Musikproduktion, wodurch er sich als einer der angesehensten Musikproduzenten im religiösen Segment Brasiliens etablierte.

Andre arbeitet mit Giganten der Musikindustrie wie Universal Music, Sony und Somlivre. Darüber hinaus hat André Cavalcante mit einigen der größten Namen der brasilianischen Musikszene zusammengearbeitet, darunter Gabriela Rocha, Paula Fernandes, Sandy und Zé Neto e Cristiano. Seine Fähigkeiten und sein Engagement wurden mit drei Grammy-Nominierungen als Musikproduzent und Mixing/Mastering-Ingenieur sowie mehreren Auszeichnungen bei großen Musikfestivals in Brasilien gewürdigt.

Als Solokünstler zeichnet sich André Cavalcante durch seine Fingerstyle-Technik aus, eine Gitarrentechnik, bei der die Saiten mit den Fingern gezupft werden, wodurch eine einzigartige Komplexität und harmonische Fülle entsteht. Seine digitalen Veröffentlichungen, darunter mehrere Singles und ein Instrumentalalbum, waren äußerst erfolgreich. Sein erstes Fingerstyle-Gitarren-Instrumentalalbum hat über 8 Millionen Aufrufe auf YouTube erzielt und damit seine Position als charismatischer und talentierter Musiker gefestigt.

Niwel Tsumbu ist ein virtuoser, im Kongo geborener und in Irland lebender Gitarrist. Er hat einen einzigartigen und mitreißenden Stil geschaffen, der sich aus so unterschiedlichen Einflüssen wie Jazz, Klassik, Rock, Folk und Rumba speist. Manchmal ist Tsubus Musik ein tiefer emotionaler Brunnen, der Freude und Traurigkeit aus universellen menschlichen Quellen schöpft. Zu anderen Zeiten ist sie ein Hightech-Vehikel, das voller Begeisterung über Nationen, Kontinente und den Kosmos hinwegflitzt. Tsumbu hat sein internationales Profil in den letzten zehn Jahren stetig ausgebaut und wurde von All About Jazz für seine „exquisite und fast nahtlose“ globale Fusion gelobt. Er hat mit Künstlern wie Nigel Kennedy, Sinead O’Connor, Buena Vista Social Club und Baaba Maal aufgenommen und ist mit ihnen aufgetreten. Im Jahr 2021 festigte Tsumbu seine globale Reichweite mit seinem Gitarrenspiel auf dem Grammy-prämierten Album „They’re Calling Me Home“ von Rhiannon Giddens und Francesco Turrisi. Er ist nun Mitglied der Band von Rhiannon Giddens.

Die Eckpfeiler von Tsubus Musik sind sein ausgefeiltes Rhythmusgefühl, sein virtuoses Gitarrenspiel und seine mitreißenden Improvisationen. Ob Rumba oder Jazz, gezupfte Nylonsaiten oder verstärkte E-Gitarre – Tsubus komplexes Gitarrenspiel lädt immer wieder zum erneuten Hören ein. Tsubu ist daher als afrikanischer Gitarrenlehrer für die World Music Method sehr gefragt, und seine beliebten Instagram-Reels-Videos erzielen bis zu Hunderttausende von Aufrufen.

Roxane Elfasci ist eine französische klassische Gitarristin mit Wohnsitz in Paris. Sie schloss ihr Musikstudium am Pôle Supérieur de Paris bei Jérémy Jouve und Gérard Abiton ab. Mit Abschlüssen in Musikperformance und Musikwissenschaft sowie einem Diplôme d’État in Pädagogik widmet sie sich nun ganz ihrer künstlerischen Karriere und ihren Schülern.

RUE OBERKAMPF
Die deutsch-französische Electro-/EBM-Formation Rue Oberkampf bringt ihre energiegeladenen, neon-dunklen Klangwelten auf die Bühne! Mit treibenden Beats, atmosphärischen Synthflächen und einer Performance voller Sinnlichkeit und Spannung erschafft die Band eine elektrisierende Mischung aus Darkwave, Techno und New Wave. Songs wie “Hope and Fear”, “Solitude” oder “ Deine Augen” haben Rue Oberkampf zu einem der aufregendsten Acts der aktuellen Underground-Clubszene gemacht. Live vereinen sie pulsierende Rhythmen, ekstatische Vocals und eine visuelle Ästhetik, die jede Show zu einem intensiven Erlebnis macht.

DUCTAPE
Die türkische Dark-Wave/Shoegaze-Sensation Ductape kommt auf die Bühne und bringt ihren unverwechselbaren, melancholisch-treibenden Sound endlich live zu uns! Das Duo aus Istanbul verbindet pulsierende Post-Punk-Rhythmen mit hypnotischen Gitarrenflächen und eindringlichem Gesang – ein Klang, der zugleich roh, emotional und absolut mitreißend ist. Mit Songs wie “Veil of Lies”, “Red Scar” und ihrem aktuellen Album, das international gefeiert wird, hat sich Ductape in kürzester Zeit zu einem der spannendsten Acts der alternativen Musikszene entwickelt. Ihre Shows sind intensiv, atmosphärisch und hinterlassen garantiert Gänsehaut.

STAHLNETZ
Die legendäre Neue-Deutsche-Welle-Band Stahlnetz kehrt zurück auf die Bühne – mit ihrem unverwechselbaren Mix aus elektronischen Beats, kantigen Gitarren und klarer 80er-Attitüde! Erlebt die Musiker, die mit ihrem einzigartigen Sound und Songs wie „Vor all den Jahren“ eine ganze Ära geprägt haben, endlich wieder live.

PHILEAS FOGG
Phileas Fogg sind eine deutsche (Post-)Punk-Band aus Baden-Württemberg. Benannt nach der Hauptfigur aus Jules Vernes „In 80 Tagen um die Welt“ steht die Band seit ihrem Debüt „Kopf, unten“ für einen eigenständigen Sound zwischen kühler Dringlichkeit und existenzieller Klarheit. Mit dem aktuellen Album „ALLESMUSSSEINENDEFINDEN“ zeigen sie, dass Punk nicht laut sein muss, um relevant zu bleiben: klare Strukturen, kantige Riffs, minimale Elektronik und eine sachliche, beinahe dokumentarische Erzählweise. Ihre Texte kreisen um Verlust, gesellschaftliche Leere und Angst – ohne Pathos, aber mit Haltung.

Jens Heckermann (bekannt als "Pelvis" von der A-Cappella Gruppe Füenf), James Geier (Teil des Comedytrios Backblech) und Thomas Weber (Gründer des Theaters KABIriNETT) bilden zusammen ein einzigartiges Ensemble. Sie bringen ihre jahrelange Bühnenerfahrung und ihre vielfältigen musikalischen und urkomischen Talente jetzt gemeinsam auf die Bühne. Jens Heckermann beeindruckt mit seiner präsenten Vokalpower, James Geier mit seinem musikalischen Können und seiner bebenden Tonsicherheit und Thomas Weber mit seinem scharfen Wortwitz und seiner Fistelgesangsstimme. Zusammen strahlen sie auf der Bühne eine große Herzenswärme aus und schaffen es, das Publikum mitzureißen und zum Lachen zu bringen.

Ein Abend voller Sprachwitz, Dynamik und Tiefgründigkeit mit den Grabowskis. Rabenschwarz und zum Totlachen komisch, aber auch voller Doppelbödigkeit und Moral oder war es bodenlos und mit Doppelmoral? Wurst! Die drei lustigsten Totengräber der Welt bieten mit ihren Liedern und Geschichten über freche Witwen und kalte Knochen ein großartiges Comedyerlebnis.

"Erst wenn man Ulan & Bator gesehen hat, weiß man, was alles möglich ist.." schrieb mal ein verzückter Journalist (zu einer Zeit, als sie noch kamen, sahen und schroben, bevor sie weggespart wurden).
Und ja: es ist wahr. Selbst erfahren haben es muss man. (Zitat Yoda)

Ulan & Bator sind Sebastian Rüger und Frank Smilgies bzw umgekehrt. Wer Bator und wer Ulan ist, ist immer noch nicht geklärt. Ist auch unwichtig. Beide Schlagzeuger, Smilgies war mal All my colours, Rüger bei Pendikel. Beide Familienväter von zwei Kindern. Der Eine wohnt in Köln. Der Andere in Berlin. Beide Jahrgang 1967. Beide Absolventen der Folkwangschule, wo sie sich 1990 im Schauspielstudium kennenlernten.

Beide gingen nach ihrem Abschluß ihren Theaterweg, Rüger mehr im Ensembletheater, was ihn u.A. nach Osnabrück, Düsseldorf und Karlsruhe brachte. Smilgies mehr im freien Theater z.B. bei den Hamburger Kammerspielen oder mit der Wildlife-Group in den USA. Beide irgendwann sehr müde, die Texte, Worte, Gesten, Anweisungen und Ideen Anderer umsetzen bzw ersetzen zu müssen. Plan zu etwas Eigenem 2000.

Erster Auftritt von Ulan & Bator bei Michael Koslars Comedy All-Stars im Wutzstock in Köln-Bickendorf am 4. März 2001. Exakt zehn Jahre und zehn Tage später Verleihung des Deutschen Kleinkunstpreises in Mainz am 13. März 2011.

Weitere Auszeichnungen:
Deutscher Kabarett-Preis 2022
St. Ingberter Pfanne 2015 (Jugendjurypreis)
1. Kölner Kleinkunstpreis 2015
Ravensburger Kupferle 2013
Morenhovener Lupe 2013

REPRESENT versteht sich nicht als Wettbewerb und nicht als klassisches Showcase, sondern als Plattform auf Augenhöhe. Hier treffen Newcomer auf erfahrene Acts, unterschiedliche Stile aufeinander und Bands aus Reutlingen, Tübingen und der Zollernalb teilen sich eine Bühne. Indierock trifft auf Punk, Pop auf Metal, Polka auf Post-Grunge – der wilde Mix ist kein Nebeneffekt, sondern Programm. Genau diese Offenheit hat REPRESENT über die Jahre geprägt und zu dem gemacht, was es heute ist: ein Schaufenster der regionalen Musikszene und ein Ort für Entdeckungen. Auch 2026 bleibt REPRESENT diesem Konzept treu. An zwei Abenden präsentieren sich jeweils vier Bands aus der Region, jede davon mit 45 Minuten Spielzeit – genug Raum, um nicht nur anzuteasen, sondern wirklich gehört zu werden. Die Reihenfolge der Auftritte bleibt bewusst offen, damit Neugier wichtiger ist als Gewohnheit und das Publikum eingeladen ist, sich auf neue Sounds einzulassen.

Line-Up:
Samstag, 04. April 2026

• Die Gebrauchten – Indierock

• don’t listen to dAVE. – Metal-Schlager

• The Snouts – Punkrock

• Underscore – Rock / Pop

Sonntag, 05. April 2026

• Aquarianer – Pop Polka Punk

• HADDOX – Pop-Alternative-Elektro

• Sally Can’t Wait – Post-Grunge

• ZAMP – Metal

Vorstellung der Bands

Die Gebrauchten

„Die Gebrauchten", Indierock aus Reutlingen, spielen eigene Songs mit melancholischen Texten und Melodien und Covers, hauptsächlich von der Australischen Band „The Go-Betweens", aber auch Stücke von „Die Sterne", „Tocotronic", Wire, Cure, etc.

don’t listen to dAVE.

don't listen to dAVE. ist eine neue deutschsprachige Gruppe aus 4 sehr erfahrenen und vernetzten Musikern aus unserer Stadt und einer größeren Uni-Stadt in der Nähe. Die Band hat bereits in den ersten 3 Monaten eine EP und ein Musikvideo produziert und veröffentlicht, und sich grundsätzlich eindrucksvollen Live-Performances und einer Art „Publikumserziehung" verschrieben. So heißt auch ihre erste EP, die an Silvester'25 rauskam. Mitsingen, springen, mitklatschen und umarmen: harten Riffs und geschmeidigen Melodien. —> new niche downloaded: „Metal-Schlager"

The Snouts

Versiffte Verstärker, mit Rotz überzogene Drums und der Hauch von Schimmel, Bier und Kippenrauch im Proberaum, der dir mit voller Wucht ins Gesicht schlägt. Das sind The Snouts. Punkrock, wie er sein muss. Einfach, aber authentisch. Laut und mit ganz viel Herz. Melodiöse Hooks, donnernde Drums und fette Riffs, die den Ohrwurm zum Platzen bringen. Mischt man das alles zusammen mit einer großen Prise Selbstironie, entsteht eine 4-köpfige, energiegeladene Kanone, die nur darauf wartet, abgefeuert zu werden.

Underscore

Wir sind Underscore, wir spielen eine Kombination aus moderner Rockmusik, Musical-ähnlichen Passagen, Popmusik mit intelligenten Texten, progressiver Gitarrenarbeit und energetischen Gesangspassagen. Wir legen wert darauf unsere Musik möglichst abwechslungsreich zu gestalten, was, unter anderem, immer wieder zu unvergesslichen Live Auftritten führt.

Zwischen den Sets, im Saal, an der Bar und vor der Bühne entsteht bei REPRESENT jedes Jahr das, was das Festival seit jeher ausmacht: Begegnung, Austausch und gemeinsames Erleben. Bands lernen sich kennen, Publikum entdeckt neue Lieblingsacts und die regionale Szene rückt für ein Wochenende in den Mittelpunkt. Ostern 2026 heißt es also wieder: Vorhang auf für Your Hometown Music. Zwei Abende, acht Bands, ein Ort – und ein musikalischer Mix, der genau so vielfältig ist wie die Region selbst.

Aquarianer

Laute Aquarianer – Normalerweise ist die Aquaristik ja ein eher leises Geschäft. Nicht aber wenn die »Aquarianer« aus Reutlingen auf der Bühne stehen. Pop, Polka, Punk und Elektro wuseln hier munter im strömenden Becken der Lebensfreude und versetzen die Anwesenden schnell ins Mit-Rudern. Sehr schnell wird klar: Bei dieser Band handelt es sich weder um Salz-, Kalt- oder Warmwasser-Spezialisten – musikalisches Heißwasser ist angesagt!

Fünf Leute, sieben Instrumente: In der Besetzung Schlagzeug, Bass, Trompete, Akkordeon, Gitarre, Tuba und Synthesizer bringen satte Beats und treibende Riffs schnell den eigenen Fluss der Gefühle in Wallung und versetzen hier Herz und Beine gleichermaßen in strudelige Bewegungsfreude. Zusätzlich verschärft eine gehörige Portion Selbstironie in den Texten der Band noch die hitzige Liveatmosphäre und ist damit der berühmte Tropfen, der das Konzert-Fass – oder besser gesagt das Konzert-Aquarium – zum Überlaufen bringt.

HADDOX

Pop meets Alternative! Elektro meets Handarbeit! Das Ergebnis: eine supermelodische Mischung aus Mitsing-Ohrwürmern, Hymnen zum Eskalieren und der ein oder anderen ruhigen Nummer, bei der man einfach nur entspannt zuhören möchte.

HADDOX um die charismatische Frontfrau Bella schaffen mit fetten Synthiesounds, wuchtigen Gitarren und mehrstimmigen Gesängen ein ganz neues Genre. Wie sich das nennt? Keine Ahnung, scheißegal! Passt in jede Schublade und wird dennoch keinem Klischee gerecht.

In ihren Songs haben unbeschwerte und satirische Texte gleichberechtigt ihren Platz neben gesellschaftsrelevanten und ernsten Themen. Den erhobenen Zeigefinger packen die 4 nicht aus – Musik von HADDOX macht Spaß, treibt an und dient nicht nur der Band, sondern auch ihrem Publikum als Auszeit in unruhigen Zeiten wie diesen.

HADDOX aus der Region Stuttgart/Tübingen haben sich 2025 zusammengetan und bestehen aus MusikerInnen, die sich seit Jahren auf den großen und kleinen Bühnen dieser Welt austoben. Eine wuchtige Liveshow, bei der nicht nur die Songs in Erinnerung bleiben – das sind HADDOX!

Sally can’t wait

Im Januar 2025 gründete sich die vierköpfige Band Sally Can't Wait. Nach 6-monatigem intensivem Songwriting entstand ihr allererstes Set als Band. So unterschiedlich wie die Vier sind, sind auch ihre Songs. Zwischen poppigen Melodien treiben verzerrte Gitarren und gängige Refrains die Leute zum Tanzen an. Laut und schräg, aber überraschend melodisch verarbeiten sie in ihren Texten gesellschaftskritische und feministische Themen und zeigen dabei klare Kante.

Ihre ersten Auftritte hatte die Band im Sommer 2025. Im Epplehaus Tübingen und im Komma Esslingen wurde gesungen, getanzt und geschwitzt! Im Winter 2025 wurde es wieder etwas ruhiger um die Band und die ersten Demo-Aufnahmen entstehen. 2026 wollen Leo, Janine, Marie und Jonas wieder raus auf die Bühne und live spielen! Denn Blut geleckt haben die vier Sallys alle Male.

ZAMP

ZAMP – 2025 in Reutlingen gegründet, beeinflusst von klassischem Heavy-Metal und modernem Metalcore, verwirrt von Punk- und Rockabilly-Bands der frühen 2000er Jahre und abgelenkt von vielen verschiedenen Biersorten. Mit ihrer Debut Single 'ZAMPed!' verbinden sie Stile des Heavy Metals, Punkrocks und Chaos zu Wahnsinn und purer Energie! 'We are ZAMPED – and soon you will be too!'

https://represent-festival.de/

https://www.instagram.com/representfestival/

Zwischen den Sets, im Saal, an der Bar und vor der Bühne entsteht bei REPRESENT jedes Jahr das, was das Festival seit jeher ausmacht: Begegnung, Austausch und gemeinsames Erleben. Bands lernen sich kennen, Publikum entdeckt neue Lieblingsacts und die regionale Szene rückt für ein Wochenende in den Mittelpunkt. Ostern 2026 heißt es also wieder: Vorhang auf für Your Hometown Music. Zwei Abende, acht Bands, ein Ort – und ein musikalischer Mix, der genau so vielfältig ist wie die Region selbst.

REPRESENT versteht sich nicht als Wettbewerb und nicht als klassisches Showcase, sondern als Plattform auf Augenhöhe. Hier treffen Newcomer auf erfahrene Acts, unterschiedliche Stile aufeinander und Bands aus Reutlingen, Tübingen und der Zollernalb teilen sich eine Bühne. Indierock trifft auf Punk, Pop auf Metal, Polka auf Post-Grunge – der wilde Mix ist kein Nebeneffekt, sondern Programm. Genau diese Offenheit hat REPRESENT über die Jahre geprägt und zu dem gemacht, was es heute ist: ein Schaufenster der regionalen Musikszene und ein Ort für Entdeckungen. Auch 2026 bleibt REPRESENT diesem Konzept treu. An zwei Abenden präsentieren sich jeweils vier Bands aus der Region, jede davon mit 45 Minuten Spielzeit – genug Raum, um nicht nur anzuteasen, sondern wirklich gehört zu werden. Die Reihenfolge der Auftritte bleibt bewusst offen, damit Neugier wichtiger ist als Gewohnheit und das Publikum eingeladen ist, sich auf neue Sounds einzulassen.

Line-Up:
Samstag, 04. April 2026

• Die Gebrauchten – Indierock

• don’t listen to dAVE. – Metal-Schlager

• The Snouts – Punkrock

• Underscore – Rock / Pop

Sonntag, 05. April 2026

• Aquarianer – Pop Polka Punk

• HADDOX – Pop-Alternative-Elektro

• Sally Can’t Wait – Post-Grunge

• ZAMP – Metal

Vorstellung der Bands

Die Gebrauchten

„Die Gebrauchten", Indierock aus Reutlingen, spielen eigene Songs mit melancholischen Texten und Melodien und Covers, hauptsächlich von der Australischen Band „The Go-Betweens", aber auch Stücke von „Die Sterne", „Tocotronic", Wire, Cure, etc.

don’t listen to dAVE.

don't listen to dAVE. ist eine neue deutschsprachige Gruppe aus 4 sehr erfahrenen und vernetzten Musikern aus unserer Stadt und einer größeren Uni-Stadt in der Nähe. Die Band hat bereits in den ersten 3 Monaten eine EP und ein Musikvideo produziert und veröffentlicht, und sich grundsätzlich eindrucksvollen Live-Performances und einer Art „Publikumserziehung" verschrieben. So heißt auch ihre erste EP, die an Silvester'25 rauskam. Mitsingen, springen, mitklatschen und umarmen: harten Riffs und geschmeidigen Melodien. —> new niche downloaded: „Metal-Schlager"

The Snouts

Versiffte Verstärker, mit Rotz überzogene Drums und der Hauch von Schimmel, Bier und Kippenrauch im Proberaum, der dir mit voller Wucht ins Gesicht schlägt. Das sind The Snouts. Punkrock, wie er sein muss. Einfach, aber authentisch. Laut und mit ganz viel Herz. Melodiöse Hooks, donnernde Drums und fette Riffs, die den Ohrwurm zum Platzen bringen. Mischt man das alles zusammen mit einer großen Prise Selbstironie, entsteht eine 4-köpfige, energiegeladene Kanone, die nur darauf wartet, abgefeuert zu werden.

Underscore

Wir sind Underscore, wir spielen eine Kombination aus moderner Rockmusik, Musical-ähnlichen Passagen, Popmusik mit intelligenten Texten, progressiver Gitarrenarbeit und energetischen Gesangspassagen. Wir legen wert darauf unsere Musik möglichst abwechslungsreich zu gestalten, was, unter anderem, immer wieder zu unvergesslichen Live Auftritten führt.

Zwischen den Sets, im Saal, an der Bar und vor der Bühne entsteht bei REPRESENT jedes Jahr das, was das Festival seit jeher ausmacht: Begegnung, Austausch und gemeinsames Erleben. Bands lernen sich kennen, Publikum entdeckt neue Lieblingsacts und die regionale Szene rückt für ein Wochenende in den Mittelpunkt. Ostern 2026 heißt es also wieder: Vorhang auf für Your Hometown Music. Zwei Abende, acht Bands, ein Ort – und ein musikalischer Mix, der genau so vielfältig ist wie die Region selbst.

Aquarianer

Laute Aquarianer – Normalerweise ist die Aquaristik ja ein eher leises Geschäft. Nicht aber wenn die »Aquarianer« aus Reutlingen auf der Bühne stehen. Pop, Polka, Punk und Elektro wuseln hier munter im strömenden Becken der Lebensfreude und versetzen die Anwesenden schnell ins Mit-Rudern. Sehr schnell wird klar: Bei dieser Band handelt es sich weder um Salz-, Kalt- oder Warmwasser-Spezialisten – musikalisches Heißwasser ist angesagt!

Fünf Leute, sieben Instrumente: In der Besetzung Schlagzeug, Bass, Trompete, Akkordeon, Gitarre, Tuba und Synthesizer bringen satte Beats und treibende Riffs schnell den eigenen Fluss der Gefühle in Wallung und versetzen hier Herz und Beine gleichermaßen in strudelige Bewegungsfreude. Zusätzlich verschärft eine gehörige Portion Selbstironie in den Texten der Band noch die hitzige Liveatmosphäre und ist damit der berühmte Tropfen, der das Konzert-Fass – oder besser gesagt das Konzert-Aquarium – zum Überlaufen bringt.

HADDOX

Pop meets Alternative! Elektro meets Handarbeit! Das Ergebnis: eine supermelodische Mischung aus Mitsing-Ohrwürmern, Hymnen zum Eskalieren und der ein oder anderen ruhigen Nummer, bei der man einfach nur entspannt zuhören möchte.

HADDOX um die charismatische Frontfrau Bella schaffen mit fetten Synthiesounds, wuchtigen Gitarren und mehrstimmigen Gesängen ein ganz neues Genre. Wie sich das nennt? Keine Ahnung, scheißegal! Passt in jede Schublade und wird dennoch keinem Klischee gerecht.

In ihren Songs haben unbeschwerte und satirische Texte gleichberechtigt ihren Platz neben gesellschaftsrelevanten und ernsten Themen. Den erhobenen Zeigefinger packen die 4 nicht aus – Musik von HADDOX macht Spaß, treibt an und dient nicht nur der Band, sondern auch ihrem Publikum als Auszeit in unruhigen Zeiten wie diesen.

HADDOX aus der Region Stuttgart/Tübingen haben sich 2025 zusammengetan und bestehen aus MusikerInnen, die sich seit Jahren auf den großen und kleinen Bühnen dieser Welt austoben. Eine wuchtige Liveshow, bei der nicht nur die Songs in Erinnerung bleiben – das sind HADDOX!

Sally can’t wait

Im Januar 2025 gründete sich die vierköpfige Band Sally Can't Wait. Nach 6-monatigem intensivem Songwriting entstand ihr allererstes Set als Band. So unterschiedlich wie die Vier sind, sind auch ihre Songs. Zwischen poppigen Melodien treiben verzerrte Gitarren und gängige Refrains die Leute zum Tanzen an. Laut und schräg, aber überraschend melodisch verarbeiten sie in ihren Texten gesellschaftskritische und feministische Themen und zeigen dabei klare Kante.

Ihre ersten Auftritte hatte die Band im Sommer 2025. Im Epplehaus Tübingen und im Komma Esslingen wurde gesungen, getanzt und geschwitzt! Im Winter 2025 wurde es wieder etwas ruhiger um die Band und die ersten Demo-Aufnahmen entstehen. 2026 wollen Leo, Janine, Marie und Jonas wieder raus auf die Bühne und live spielen! Denn Blut geleckt haben die vier Sallys alle Male.

ZAMP

ZAMP – 2025 in Reutlingen gegründet, beeinflusst von klassischem Heavy-Metal und modernem Metalcore, verwirrt von Punk- und Rockabilly-Bands der frühen 2000er Jahre und abgelenkt von vielen verschiedenen Biersorten. Mit ihrer Debut Single 'ZAMPed!' verbinden sie Stile des Heavy Metals, Punkrocks und Chaos zu Wahnsinn und purer Energie! 'We are ZAMPED – and soon you will be too!'

https://represent-festival.de/

https://www.instagram.com/representfestival/

Zwischen den Sets, im Saal, an der Bar und vor der Bühne entsteht bei REPRESENT jedes Jahr das, was das Festival seit jeher ausmacht: Begegnung, Austausch und gemeinsames Erleben. Bands lernen sich kennen, Publikum entdeckt neue Lieblingsacts und die regionale Szene rückt für ein Wochenende in den Mittelpunkt. Ostern 2026 heißt es also wieder: Vorhang auf für Your Hometown Music. Zwei Abende, acht Bands, ein Ort – und ein musikalischer Mix, der genau so vielfältig ist wie die Region selbst.

Von und mit: Alfredo Zinola und Salome D’Attilia
Produktion: Micaela Kühn Jara
Bühne: Yoav Admoni
Musik: Clara Pazzini
Dramaturgie: Maxwell McCarthy
Licht: Marek Lamprecht
Technik: Fanny Klaffke
PR: Christiane Pfau, Wayra Schübel
Audiodeskription: Manuela Schemm und Laura Manz

Von klein AUF e.V. ist ein gemeinnütziger Verein zur Förderung frühkindlicher Kunsterlebnisse. Im Mittelpunkt steht die Aufgabe, Kindern im Alter von 0 bis 6 Jahren Zugänge zu Theater und Tanz zu eröffnen, die begleitenden Erwachsenen zu inspirieren sowie kreative Strukturen und Räume für Austausch zu gestalten.

Theater und Tanz
Der Verein steht für professionelle Angebote aus Theater und Tanz für junge und sehr junge Kinder – bis zu 6 Jahren – sowie deren erwachsene Begleitpersonen, darunter Eltern, Großeltern, pädagogische Fachkräfte und Pat*innen.

Festival
Vom 13. bis 16. März findet das Von klein AUF Tanz- und Theater-Festival im franz.K statt. Drei nonverbale Gastspiele und ein Workshop laden dazu ein, darstellende Kunst durch Begegnung, Klang und Bewegung generationsübergreifend zu erleben.  Sie öffnen Räume der Neugier, in denen die Welt spielerisch und staunend neu entdeckt wird. Mit seiner 5. Ausgabe bietet das Festival ein inklusives Programm und möchte so ein Zeichen für mehr Teilhabe für alle Besuchenden setzen.

Idee & Spiel: Anna Rosenfelder & Janne Wagler
Regie: Melanie Dennenmoser
Lichtgestaltung: Lars Wagler
Vocal Coaching: Silvia Pfändner, Kate Powell

Von klein AUF e.V. ist ein gemeinnütziger Verein zur Förderung frühkindlicher Kunsterlebnisse. Im Mittelpunkt steht die Aufgabe, Kindern im Alter von 0 bis 6 Jahren Zugänge zu Theater und Tanz zu eröffnen, die begleitenden Erwachsenen zu inspirieren sowie kreative Strukturen und Räume für Austausch zu gestalten.

Theater und Tanz
Der Verein steht für professionelle Angebote aus Theater und Tanz für junge und sehr junge Kinder – bis zu 6 Jahren – sowie deren erwachsene Begleitpersonen, darunter Eltern, Großeltern, pädagogische Fachkräfte und Pat*innen.

Festival
Vom 13. bis 16. März findet das Von klein AUF Tanz- und Theater-Festival im franz.K statt. Drei nonverbale Gastspiele und ein Workshop laden dazu ein, darstellende Kunst durch Begegnung, Klang und Bewegung generationsübergreifend zu erleben.  Sie öffnen Räume der Neugier, in denen die Welt spielerisch und staunend neu entdeckt wird. Mit seiner 5. Ausgabe bietet das Festival ein inklusives Programm und möchte so ein Zeichen für mehr Teilhabe für alle Besuchenden setzen.

Leitung: Uta Möller

Von klein AUF e.V. ist ein gemeinnütziger Verein zur Förderung frühkindlicher Kunsterlebnisse. Im Mittelpunkt steht die Aufgabe, Kindern im Alter von 0 bis 6 Jahren Zugänge zu Theater und Tanz zu eröffnen, die begleitenden Erwachsenen zu inspirieren sowie kreative Strukturen und Räume für Austausch zu gestalten.

Theater und Tanz
Der Verein steht für professionelle Angebote aus Theater und Tanz für junge und sehr junge Kinder – bis zu 6 Jahren – sowie deren erwachsene Begleitpersonen, darunter Eltern, Großeltern, pädagogische Fachkräfte und Pat*innen.

Festival
Vom 13. bis 16. März findet das Von klein AUF Tanz- und Theater-Festival im franz.K statt. Drei nonverbale Gastspiele und ein Workshop laden dazu ein, darstellende Kunst durch Begegnung, Klang und Bewegung generationsübergreifend zu erleben.  Sie öffnen Räume der Neugier, in denen die Welt spielerisch und staunend neu entdeckt wird. Mit seiner 5. Ausgabe bietet das Festival ein inklusives Programm und möchte so ein Zeichen für mehr Teilhabe für alle Besuchenden setzen.

Von und mit: Alfredo Zinola und Salome D’Attilia
Produktion: Micaela Kühn Jara
Bühne: Yoav Admoni
Musik: Clara Pazzini
Dramaturgie: Maxwell McCarthy
Licht: Marek Lamprecht
Technik: Fanny Klaffke
PR: Christiane Pfau, Wayra Schübel
Audiodeskription: Manuela Schemm und Laura Manz

Von klein AUF e.V. ist ein gemeinnütziger Verein zur Förderung frühkindlicher Kunsterlebnisse. Im Mittelpunkt steht die Aufgabe, Kindern im Alter von 0 bis 6 Jahren Zugänge zu Theater und Tanz zu eröffnen, die begleitenden Erwachsenen zu inspirieren sowie kreative Strukturen und Räume für Austausch zu gestalten.

Theater und Tanz
Der Verein steht für professionelle Angebote aus Theater und Tanz für junge und sehr junge Kinder – bis zu 6 Jahren – sowie deren erwachsene Begleitpersonen, darunter Eltern, Großeltern, pädagogische Fachkräfte und Pat*innen.

Festival
Vom 13. bis 16. März findet das Von klein AUF Tanz- und Theater-Festival im franz.K statt. Drei nonverbale Gastspiele und ein Workshop laden dazu ein, darstellende Kunst durch Begegnung, Klang und Bewegung generationsübergreifend zu erleben.  Sie öffnen Räume der Neugier, in denen die Welt spielerisch und staunend neu entdeckt wird. Mit seiner 5. Ausgabe bietet das Festival ein inklusives Programm und möchte so ein Zeichen für mehr Teilhabe für alle Besuchenden setzen.

Idee & Tanz: Cinira Macedo
Regie: Martina Couturier und Anna Rosenfelder
Musik: Boris Hauf
Kostüm: Adelheid Wieser
Dramaturgische Beratung: Verena Lobert
Musikalische Beratung: Mette Nadja Hansen
Bühnenbau: Francis Bern und Paolo Vinella
Licht: Luigi Piotti

Von klein AUF e.V. ist ein gemeinnütziger Verein zur Förderung frühkindlicher Kunsterlebnisse. Im Mittelpunkt steht die Aufgabe, Kindern im Alter von 0 bis 6 Jahren Zugänge zu Theater und Tanz zu eröffnen, die begleitenden Erwachsenen zu inspirieren sowie kreative Strukturen und Räume für Austausch zu gestalten.

Theater und Tanz
Der Verein steht für professionelle Angebote aus Theater und Tanz für junge und sehr junge Kinder – bis zu 6 Jahren – sowie deren erwachsene Begleitpersonen, darunter Eltern, Großeltern, pädagogische Fachkräfte und Pat*innen.

Festival
Vom 13. bis 16. März findet das Von klein AUF Tanz- und Theater-Festival im franz.K statt. Drei nonverbale Gastspiele und ein Workshop laden dazu ein, darstellende Kunst durch Begegnung, Klang und Bewegung generationsübergreifend zu erleben.  Sie öffnen Räume der Neugier, in denen die Welt spielerisch und staunend neu entdeckt wird. Mit seiner 5. Ausgabe bietet das Festival ein inklusives Programm und möchte so ein Zeichen für mehr Teilhabe für alle Besuchenden setzen.

Von und mit: Alfredo Zinola und Salome D’Attilia
Produktion: Micaela Kühn Jara
Bühne: Yoav Admoni
Musik: Clara Pazzini
Dramaturgie: Maxwell McCarthy
Licht: Marek Lamprecht
Technik: Fanny Klaffke
PR: Christiane Pfau, Wayra Schübel
Audiodeskription: Manuela Schemm und Laura Manz

Von klein AUF e.V. ist ein gemeinnütziger Verein zur Förderung frühkindlicher Kunsterlebnisse. Im Mittelpunkt steht die Aufgabe, Kindern im Alter von 0 bis 6 Jahren Zugänge zu Theater und Tanz zu eröffnen, die begleitenden Erwachsenen zu inspirieren sowie kreative Strukturen und Räume für Austausch zu gestalten.

Theater und Tanz
Der Verein steht für professionelle Angebote aus Theater und Tanz für junge und sehr junge Kinder – bis zu 6 Jahren – sowie deren erwachsene Begleitpersonen, darunter Eltern, Großeltern, pädagogische Fachkräfte und Pat*innen.

Festival
Vom 13. bis 16. März findet das Von klein AUF Tanz- und Theater-Festival im franz.K statt. Drei nonverbale Gastspiele und ein Workshop laden dazu ein, darstellende Kunst durch Begegnung, Klang und Bewegung generationsübergreifend zu erleben.  Sie öffnen Räume der Neugier, in denen die Welt spielerisch und staunend neu entdeckt wird. Mit seiner 5. Ausgabe bietet das Festival ein inklusives Programm und möchte so ein Zeichen für mehr Teilhabe für alle Besuchenden setzen.

Loriot, der glanzvolle Olle, meinte einst: "Altern ist eine Zumutung" - Fils Show ist eine Offenbarung. Deutschland ist eine Demokratie und von all dem überzeugt ihr euch am besten selbst.

Fil wuchs im Märkischen Viertel auf, wie Sido, entschied sich aber für eine Karriere abseits des Hip Hop. Er begann mit 15 Jahren für die Berliner Stadtzeitung " Zitty" Comics zu zeichnen und errang sich damit über die Jahre einen ehrlichen erdigen Ruhm bei seinen Mitbürgern. Mit 25 begann er, zusätzlich noch aufzutreten mit Gitarre und - eine Zeitlang, jetzt schon lange nicht mehr - mit einem fantastischen Stoffhai. Jetzt ist Fil über 50, sieht jünger aus (aber halt trotzdem nicht richtig gut. Er sieht aus, wie ein sehr unattraktiver 45jähriger) und - ach so, genau, hat auch bereits 2 Romane geschrieben. Nicht nur geschrieben, auch noch von einem bürgerlichen Verlag drucken lassen. Fil ist eine Art alte Stefanie Sargnagel mit Penis, die Gitarre spielen und zeichnen kann. Fil ist wie ein tropfender Hahn, der sich selber nervt. Sehr unterhaltsam für andere.

Seit 1992 begeistert FIL nicht nur als Comiczeichner, sondern auch als Sänger und Bühnen-Entertainer. Was andere nur denken, sagt FIL laut, charmant und treffsicher.
Mit scharfem Humor, Berliner Schnauze und politischer Comedy nimmt FIL kein Blatt vor den Mund – nichts und niemand ist vor seinem Spott sicher. In seinem neuen Programm hinterfragt Fil, ob das Altern nur eine Einbildung ist und zeigt, dass wir zwar alle älter werden, aber trotzdem jede Menge Trost, Witz und überraschende Lebensfreude finden können.

«_Und noch etwas kommt in FIL zusammen: Professionalität und Dilettantismus. Das Resultat ist kultiviertes Chaos. (…) Und das ist lustig? Ich schwöre, das ist es._» (Titanic)

HINWEIS: Diese Veranstaltung ist unbestuhlt, es gibt nur eine geringe Zahl von Sitzplätzen auf der Galerie!

Tamikrest ist eine der bedeutendsten Sahara-Rockbands der Gegenwart, gegründet 2006 von Ousmane Ag Mossa, Cheikh Ag Tiglia und Aghaly Ag Mohamedine im abgelegenen Tinzawaten an der Grenze zwischen Algerien und Mali. Inspiriert von den Pionieren des Tuareg-Rocks, Tinariwen, und angetrieben vom Wunsch, der unterdrückten Stimme der Kel Tamasheq (Tuareg) eine globale Bühne zu geben, entwickelte die Band schnell einen eigenen, unverwechselbaren Sound.

Ihre ersten beiden Alben, Adagh (2010) und Toumastin (2011), zeigten bereits ihr außergewöhnliches Gespür für eingängige Melodien und tiefgründiges Songwriting. Mit dem Einstieg des französischen Gitarristen Paul Salvagnac für das dritte Album Chatma (2013) verstärkte sich die Band klanglich: Der Sound wurde rockiger, energiegeladener, ohne die Wurzeln in der Tamasheq-Tradition zu verlieren. Chatma, das den Kämpfen der Frauen in der Sahara gewidmet ist, wurde von der Fachpresse als Meilenstein des Ishumar-Genres gefeiert und 2013 mit dem renommierten Songlines Award für das beste Album des Jahres ausgezeichnet.

Die folgenden Alben Kidal (2017) und Tamotait (2020) festigten Tamikrests Ruf als musikalische Brückenbauer zwischen Tradition und Moderne. Ihre Musik verbindet hypnotische Trance-Elemente mit psychedelischem Rock und der rohen Energie der Wüste – ein Sound, der vor allem live seine volle Wucht entfaltet. Nach unzähligen Tourneen durch Europa, Afrika, Nord- und Südamerika, Japan, Südkorea und Australien gilt Tamikrest heute als eine der prägendsten Stimmen der afrikanischen Musikszene und als wichtiger Akteur der internationalen Rockkultur. Ihre Musik ist nicht nur Klang, sondern auch politisches Statement und kulturelles Erbe.

Malphino entführt in die mystische Welt eines fiktiven tropischen Inselstaats – ein Kollektiv aus Londoner Musikern und Künstlern, das mit „Visit Malphino“ ein filmreifes Debütalbum schuf. Hier verschmelzen hypnotische Cumbia-Rhythmen, digitale Triller, Akkordeonklänge und der raunende Charme von Voodoo zu einer einzigartigen Soundkulisse. Wer durch den imaginären Torbogen schreitet, betritt eine Idylle, die zum Entdecken einlädt.

Das Album ist ein episches Werk mit 17 Titeln, die wie ein Klangteppich die Mythologie der Insel erzählen. Jeder Track steht für ein eigenes Element, spiegelt das Wachstum einer Idee: vom lockeren Gedankenkreis weniger Freunde hin zu einer lebendigen, kollektiven Fantasie.

Nach dem Debüt kehrte Malphino 2021 mit einer Single auf Bongo Joe Records (Club Coco Compilation von Coco Maria) und einer neuen EP auf Lex Records zurück – und festigte so den Ruf als eine der kreativsten Formationen zwischen Tropik-Klängen und moderner Experimentierfreude.

Die Band setzt auf theatralische Performances mit Kostümen, die an tropische Rituale und Kolonialzeit-Romantik anknüpfen. Ihre Videos sind oft collageartig, kombinieren Animationen mit Live-Aufnahmen und schaffen so eine traumhafte, fast rituelle Atmosphäre.

Bei Konzerten wird die „Insel Malphino“ durch Lichtinstallationen, Projektionen von Dschungel- und Meeresmotiven sowie interaktive Elemente zum Leben erweckt. Das Publikum wird Teil einer fiktiven Expedition – zwischen Tiki-Kultur, Voodoo-Andeutungen und futuristischen Akzenten.

Malphino schafft ein Gesamtkunstwerk – die Musik ist nur ein Teil einer größeren, sinnlichen Erzählung. Die visuelle Sprache ist so einzigartig wie ihr Sound: eine Hommage an exotische Fantasien, durchzogen von moderner Kunst und DIY-Charme.
MADANII ist eine Genre-Rebellin, eine Künstlerin, die Grenzen verwischt und kreative Impulsgeberin aus Berlin. Mit einer künstlerischen Vision, die tief in der persischen Kultur verwurzelt ist und geprägt von ihrer Kindheit als Tochter politischer Geflüchtete in Deutschland, verwebt MADANII Rhythmen, Sprachen, Politik, Formen und Klänge zu einem neuartigen musikalischen und visuellen Mosaik.

In ihrer Musik erzählt MADANII eine autobiografische Geschichte des Andersseins, des Nicht-Dazugehörens und der Zerrissenheit zwischen Kulturen, generationenübergreifenden Träumen, politischen Absurditäten und queerer Liebe – all das spiegelt sich in einem einzigartigen Stil wider, der Einflüsse aus Avant-Pop, Alternative R&B und Trap vereint.

Bekannt für ihren interdisziplinären Ansatz, kreiert MADANII für jeden ihrer Songs eine zutiefst persönliches audiovisuelle Werk. Mit ihrem unverwechselbaren Stil haben ihr bereits Vergleiche mit Künstlerinnen wie Sevdaliza, FKA Twigs oder Rosalía eingebracht.

Randale
als ob DIE ÄRZTE gemeinsam mit den RAMONES und IGGY POP Kindermusik machen würden. Randale machen Rockmusik für Kinder. Eigentlich sogar Rockmusik für die ganze Familie. Manchmal sogar für Leute, die gar keine Kinder haben. Jedenfalls keine eigenen. Die leihen sich dann welche, damit sie bei den Konzerten nicht so auffallen.

Und das Konzept ist einfach: geradlinig gespielte Songs mit pfiffigen Texten, bei denen Erwachsene nicht schreiend weglaufen müssen. Bei Randale sitzen alle in einem Boot: Eltern, Kinder, Musiker. Alle haben Spaß, viel Spaß, sensationell viel Spaß.

Das liegt zum einen an der Vielfalt der gespielten Stile. Von Rock über Punk und Metal bis hin zu Reggae, Ska, Folk und Pop. Zum anderen natürlich auch an den gelungenen Texten. Die handeln vom Rock’n’Roll, vom Hardrockhasen Harald, vom ABC, von Pommes oder der Rettung von Hühnern aus der Legebatterie. Nebenbei lernen die Kids mit dem Punkpanda Peter alles über Stagedving, Crowdsurfing oder einen gelungenen Circle Pit. Immer mit Augenzwinkern. Nie mit erhobenem Zeigefinger.

Die Konzerte finden oft auf großen Bühnen und Festivals statt. Was 2004 als Idee für eigentlich nur eine einzige CD gedacht war, hat sich mittlerweile virusmäßig über große Teile Deutschlands ausgeweitet. 13CDs sind bislang erschienen. Beheimatet in Bielefeld / Ostwestfalen-Lippe, spielen die 4 Randale-Männer von Ulm bis Hamburg, von Köln bis Berlin, von Frankfurt bis Bremen.
Otsch
Eine Begegnung mit Otsch hat immer etwas Komisches und Faszinierendes. Mit seinem ungewöhnlichen und eindrucksvollen Requisitarium hat er, auch lautlos, die volle Aufmerksamkeit. Die Zuschauer werden von sich aus zu Beteiligten und treten in Interaktion mit Otsch. In Sekundenschnelle erfasst er, wieweit er bei jedem Einzelnen gehen kann. Entsprechend erfrischt er mit den Elementen Luft und Wasser oder droht mit örtlichem Niederschlag, schmückt Plätze und Gassen mit fliegenden Schaumwölckchen und begeistert mit seinem Riesenballon.
Otsch zaubert mit seiner legeren Art allen mindestens ein Lächeln ins Gemüt. Ganz charmant und frech sorgt er für eine lockere Stimmung und hat die besten Kommentare parat. Egal ob indoor oder outdoor- er ist ein abenteuerlicher Eycatcher. Ein Improvisationstalent mit den schönsten Ausreden der Welt!
Der Schaumvulkan

Hier staunt man wie leicht und trocken Schaum doch sein kann. In schillernder Farbenpracht tanzen Otsch‘s große und kleine Schneeflo- cken schwerelos über den Platz. Ab und an fliegen welche an Häuser- wänden entlang und entschwinden in den Weiten des Himmels. Otsch lässt es mitten im Sommer schneien, verteilt über- dimensionale Flocken oder platziert auf Wunsch auch Krönchen an die Schaulustigen. Sein fahrbarer Schaumvulkan macht keine Schmierereien und ist ein begehrtes Fotomotiv, denn gerne möchte man diesen faszinierenden und poetischen Moment festzuhalten. Ein staunenswertes Kunstwerk des Augenblicks.

Bands der Kulturwerkstatt e.V. präsentieren ihre Musik

Vier Bands aus der Kulturwerkstatt e.V. teilen sich in der Zeit von 16.45-17.45 Uhr die Bühne und zeigen dem Publikum, wie bunt Musik sein kann.

Tanzaufführung serbischer Kulturverein/ SKD Karadjordjevic

Tanzaufführung dialog e.V

und Mitmachangebote des görls e.V.

Yagody inszeniert ihre Konzerte wie Theaterstücke – ritualistisch, tranceartig und voller lebendiger Energie, die an die Stimmen der Ahnen und die Naturgebundenheit der Menschheit erinnert. Die Band überzeugt durch eine einzigartige Mischung aus Folklore, zeitgenössischer Musik und visueller Bühnenshow, die das Publikum in einen „musikalischen Rausch“ versetzt. Ihr Name bedeutet „Beeren“ – und so ist auch ihre Musik: erdverbunden, süß und mit einem Kick. Die Band hat sich auch international einen Namen gemacht, unter anderem als Teilnehmer am ukrainischen Vorentscheid für den Eurovision Song Contest 2024.

Zu jedem Moment im Leben eines Menschen passt ein Song – sagt Zoryana Dybovska, die Yagody im Jahr 2016 im westukrainischen Lwiw mit Studentinnen der Theater-Fakultät gegründet hat. Die vier reisten durch mehrere Oblaste der Ukraine, um dort die musikalischen Überlieferungen der Menschen aufzuspüren. Aus dieser unerschöpflichen Anzahl an Melodien, Rhythmen und Themen kreieren Yagody ihren spannenden und unverwechselbaren Sound, unterstützt von Musikern an Schlagzeug, Gitarre, Akkordeon oder der Drymba, eine Maultrommel der Huzulen aus den Karpaten.

2020 brachten Yagody ihr Debüt-Album heraus, und es folgten große Auftritte wie zum Pannonica Folk Festival in Polen, KunstFestSpiele in Hannover, Telemarkfestivalen in Norwegen oder zum Lodžie Worldfest in Jičín, Tschechien. Yagody sind im Theater zu Hause und verwirklichen ihre musikalischen Ideen für die Bühne nach dramaturgischen Prinzipien; ein Konzert ist wie eine Performance in einem Akt. Als ein Conférencier die bis dahin noch namenlose Band bei ihrem ersten Konzert ankündigte, nannte er sie spontan 'Yagody', auf Deutsch 'Beeren'. Anfang 2024 gewannen sie in der Endrunde des ukrainischen Vorentscheides zum Eurovision Song Contest den fünften Platz und die Herzen von Millionen Zuschauern.

Ein Konzert mit Yagody ist ein Ritual. Es ist das Hineinhören in das innere Ich. Da ist das Atmen des Windes im Felde, ein Klang wie die Stimme unserer Vorfahren. Die Zuhörer sind umhüllt von lebendiger Energie und musikalischer Trance. Ein Tanz der Stimmen im Puls des Menschseins. Die Lieder von Yagody sind wie Liebesbriefe aus der Vergangenheit, die noch nicht angekommen sind. Yagody ist zweifellos eine der charismatischsten ukrainischen Folk-Bands!

Frikun ist ein Afro-Rock-Quartett aus dem Baskenland, das mit seiner Musik Brücken zwischen Kontinenten und Genres schlägt. Ihr Sound lebt von mitreißenden Melodien und treibenden, oft ungeraden Rhythmen – eine fesselnde Mischung aus westafrikanischen Grooves, Psychedelic Rock und modernem Jazz. Statt auf Folklore-Klischees zu setzen, kreiert die Band einen unverwechselbaren, kosmopolitischen Klang: vertraut und doch voller Überraschungen, traditionell inspiriert, aber stets frisch und eigenwillig.

Mit der Veröffentlichung ihres Albums „Ezerezko Herria“ („Das Land der Leere“) im Jahr 2022 gelang Frikun der Durchbruch – und damit der Sprung auf internationale Bühnen und renommierte Festivals wie EHZ, MusicaLagos oder Musikolore. Dort teilten sie sich die Stage mit Größen wie Grupo Compay Segundo, Ryon oder Ah! Kwantou. 2025 folgten vier neue Singles, aufgenommen im Etxepare-Studio (bekannt für Produktionen von Esne Beltza, Vendetta u. a.), die bereits einen vielversprechenden Ausblick auf das für 2026 geplante Album geben.

Ihr Album „No Place Is Home“ (2018) generierte über 375 Millionen Streams und machte die fünfköpfige Band international bekannt. Ihre aktuelle Platte „Wasted Words & Bad Decisions“ (2023), aufgenommen in einem abgelegenen Farmhaus nahe Cleveland, zeigt eine gereifte und persönlichere Klangästhetik.

2025 veröffentlichten WELSHLY ARMS zwei neue Singles: „Glorious“ und „In Chills“. Die Songs zeigen zwei unterschiedliche Seiten der Band: „Glorious“ ist eine kraftvolle Hymne über Durchhaltevermögen, inneres Feuer und Triumph über schwierige Zeiten, während „In Chills“ den Sound der Band auf seine emotionale Essenz reduziert und verletzliche, intime Momente zwischen Kontrolle, Hingabe und Unsicherheit einfängt. Gemeinsam verdeutlichen die Singles die Balance zwischen Stärke und Verletzlichkeit, die die Band ausmacht.

WELSHLY ARMS, deren Songs auch in populären Medien wie Quentin Tarantinos preisgekröntem Film The Hateful Eight (Trailer), Underground 6 (Netflix), Empire (Fox) und FIFA (EA Sports) zu hören sind, freuen sich darauf, ihre Hits und aktuellen Singles im Sommer 2026 wieder live auf die Bühne zu bringen. Neben zwei Terminen in Deutschland, darunter das Deichbrand Festival und eine Open- Air-Veranstaltung in Reutlingen, treten sie auch in Polen und Tschechien auf und werden Musikfans in ganz Europa begeistern.

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Als Selig 1994 ihre Debütsingle „Sie hat geschrien“ veröffentlichten, war das Staunen groß. Eine Mischung aus Grunge und Rock, aber mit deutschen Texten – das hatte bisher noch niemand gemacht. „Ich weiß noch, wie wir damals immer im Lehmitz saßen und philosophiert haben – dass wir eine Bresche für den Rock’n’Roll schlagen müssen, dass wir auffallen und herausragend sein müssen“, blickt Jan Plewka amüsiert zurück. „Wir sind wirklich mit richtig großem Maul losgestiefelt, nichts konnte uns etwas anhaben. Wir waren die Reiter der Apokalypse.“ Das selbstbetitelte, von Franz Plasa produzierte Debütalbum bescherte der Band wenig später den kommerziellen Durchbruch, samt Dauerrotation im Musikfernsehen, ausverkauften Shows und einem Echo. Was dann folgte, ist die klassische Rock’n’Roll-Geschichte: Mit ihrem deutlich psychedelischeren Zweitwerk „Hier“ feierte die Band das neue Rockstar-Leben noch, doch dann wurden sie von ihrem eigenen Erfolg überrollt. Kurz nach Erscheinen ihres dritten Albums „Blender“, das in New York entstanden ist und sich stärker in Richtung Pop orientierte, verließ Sänger Jan Plewka im Streit die Band. 1999 gaben Selig ihre Trennung bekannt.

Neun Jahre widmeten Jan Plewka, Gitarrist Christian Neander, Bassist Leo Schmidhals und Schlagzeuger Stephan „Stoppel“ Eggert sich anderen Projekten, bevor sie 2008 ihr Comeback bekannt geben. Seitdem läuft es für Selig besser denn je: Mit „Und endlich unendlich“ (2009), das Goldstatus erreichte, „Von Ewigkeit zu Ewigkeit“ (2010), „Magma“ (2013) und „Kashmir Karma“ (2017) haben sie vier Alben veröffentlicht und es damit dreimal in die Top 10 der deutschen Charts geschafft. Sie haben am Bundesvision Song Contest teilgenommen, Lieder aus der Band-Historie für das Album „Die Besten (1994-2014)“ neu aufgenommen und für die Compilation „SELIG macht SELIG“ zuletzt befreundete Musiker wie Wolfgang Niedecken, Johannes Oerding und Olli Schulz gebeten, ihre Songs neu zu interpretieren. Ab April ist Jan Plewka in der neuen Staffel der VOX-Show „Sing meinen Song“ zu sehen, im Herbst soll das achte Album von Selig erscheinen. „Das verrückte ist: wir haben heute wieder ein ähnliches Gefühl, wie zu Beginn unserer Karriere“, sagt Leo Schmidhals. „Man ist aufgeregt über die Dinge, die man macht. Heute sind es natürlich ganz andere Themen, die uns bewegen. Aber es gibt so viel zu tun da draußen in der Gesellschaft – man kann nicht seine Klappe halten, sondern man muss etwas sagen.“

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Zum Start machen 2raumwohnung mit klassischen Singles Furore. Die deutsche Sprache im Pop bekommt eine neue, progressive Adresse. „Wir trafen uns in einem Garten“ und "Nimm mich mit - Das Abenteuer Liebe usw.“ sind luzide Songs, die das Lebensgefühl zum Millennium widerspiegeln. Nicht nur in Berlin. Ein Nerv ist getroffen, der unerwartete Erfolg beflügelt sie. Das Debutalbum „Kommt Zusammen“ im Sommer 2001 stärkt die Position zwischen Elektronik und Singer/Songwriter-Gitarren. Schon bald müssen 2raumwohnung in Interviews die Popkultur ihrer Zeit deuten. In der 2002er Remix-Version des Albums betonen sie ihre Nähe zur Underground-Szenerie in den Clubs. Die Nachfolgeplatte „In Wirklich“verstärkt diesen offenen, vielfach inspirierten Mix, der 2003 mit dem Deutschen Dance Award prämiert wird. Während die Single „Ich und Elaine“ zu einer Hymne der Nullerjahre wird, gehen 2raumwohnung mit ihrem Mix aus analoger Wärme und digitaler Präzision auf Langstrecke. Dabei experimentieren sie weiterhin mit den Formaten: Als DJ-Team widmen sie sich den härteren, funktionaleren Beats. Auf der Live-Bühne lassen sie sich von einem kompletten Band- LineUp begleiten.

Das Sommermix-Projekt „Melancholisch Schön“ (2005), bei dem 2raumwohnung in südamerikanischer Sehnsucht schwelgen, und das Charterfolg-Album „36 Grad“ (2007) stehen für die kontinuierliche Erweiterung des musikalischen Spektrums, aus dem sie ihre unverkennbaren Songs erschaffen. Eine künstlerische Ebene, die ihnen ausreichend Freiräume bietet, um mit mit jeder Platte Neuland zu betreten - ob sie nun den Retro- Futurismus der Siebziger aufgreifen wie bei „Der letzte Abend auf der Welt“ des Albums „Lasso“ (2009) oder in einer Art „Field Recording“ vor Ort den Flair der amerikanischen Westcoast zur Produktion des Albums „Achtung, Fertig“ (2013) nutzen. Californication, made in Berlin. Die enge Verbundenheit zur internationalen DJ-Szene war über diese Jahre stets präsent. Das zeigen zahlreiche Mix-Kooperationen, wie etwa mit Paul van Dyk („36 Grad“, 2007), Paul Kalkbrenner, Solomun (jeweils „Wir Werden Sehen“, 2011/12) oder Westbam („Bei Dir Ich Schön“, 2013).

Die Variationen ihres Doppelalbums „Nacht und Tag“ (2017), auf dem 2raumwohnung jeden Song zweifach auflösen, ist die Fortschreibung dieser musikalischen Biografie des stetigen Wandels. Auf ihrem ersten Doppelalbum werden zehn Songs jeweils in einer (dunklen) Club- und einer (hellen) Tagsüber-Variante interpretiert. Deutsche und englische Lyrics wechseln sich ab, noch so ein Novum in ihrem Werk, produziert in den heimischen Brunnen International Studios. Dass 2raumwohung Gitarren-Pop und moderne Elektronik nahtlos verweben können, zeigt sich hier noch einmal eindrucksvoll. Und einmal mehr beweisen Remixe, zuletzt am Beispiel der Single „Somebody Lonely And Me“, die DJ Koze, Ricardo Villalobos und Chi Thanh jeweils kongenial dekonstriert haben, das vielfältige Potenzial ihrer Kompositionen. Dass 2raumwohnung in ihrer Arbeit längst die Beständigkeit einer klassischen Rockband erreicht haben, finden die Beiden eher amüsant. Warum auch nicht? Auch elektronische Popmusik kann zum Lebenswerk werden.

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